Turnstile suena a muchas bandas y suena a sí misma. Es espejo de múltiples actos adelantados a su tiempo que revitalizaron el New York Hardcore entre finales de los ochentas y comienzos de los noventas. Y también, el resultado de una resignificación de sus propios referentes.Por Álvaro Castellanos | @alvaro_caste En principio, la banda liderada por Brendan Yates, surgida en 2010, fue recogiendo los cabos sueltos de Fugazi, Helmet o Shelter: propuestas Hardcore que, en su momento, tuvieron el arrojo de asomar la cabeza por fuera de los límites que el género imponía. Con los años, Turnstile siguió estirando los alcances de su creatividad, y hoy, sin oportunismos, también camina sobre una célebre alfombra roja desenrollada sólo para quienes llegan al mainstream de la música, luego de alcanzar una repercusión mundial inesperada que, para 2022, termina trayéndolos a América Latina y metiéndolos en la alineación del festival Estéreo Picnic.Spoken words rítmicos, compases lentos, momentos de espesura, sonidos electrónicos, vibras funky, virtuosismo post-hardcore, toques indie pegajosos, estallidos punk rock y una construcción de imágenes poéticas en sus letras son insumos que Turnstile ha ido tejiendo e integrando a su música. Una confluencia de intenciones que derivaron en su monumental disco Glow On (Roadrunner Records) de 2021, el cual los trepó insospechadamente en la cima de los charts especializados de rock en EE.UU. y Reino Unido. Sin embargo, durante la década pasada Turnstile se mantuvo sigilosa y arropada por su microclima natural: el nicho del Hardcore. Una escena subterránea y hermética, donde aun así sobresalían entre la voraz catarata de bandas que caen sobre las aguas del género, gracias a un sonido más o menos anárquico para los cánones de este estilo musical. Turnstile comenzó como un acto satélite de otra banda, Trapped Under Ice, también de Baltimore. Pressure to SucceedAllí, Brendan Yates tocaba la batería mientras trazaba intertextos musicales con su influencia contemporánea más temprana, Crown of Thornz, liderada por una figura de la escena: Danny Diablo. Del primer EP de Turnstile, Pressure to Succeed (Reaper Records) de 2011, se desprenden canciones potentes como Death Grip. Hardcore puro y duro, pero con ciertos arreglos, ecos y pausas. Pequeñas pistas de una versatilidad que gradualmente irían asomando con mayor insistencia. En su disco de estudio debut, Nonstop Feeling (Reaper Records) de 2015, Turnstile mantuvo el interés estilístico de bandas del New York Hardcore, con una emoción contenida que impactaba en su música y su estética. En canciones como Gravity entran en sus horizontes musicales matices funk y urbanos, con ecos de George Clinton o Public Enemy. Y de nuevo, jalan de un lazo que los ata a otra banda de culto: Token Entry, de Queens. En el videoclip de la canción Drop, Turnstile pone en evidencia una intención meticulosamente anacrónica a nivel de imagen, que los hace ver como un acto ochentero, impregnados de un aesthetic confuso, pero que vendría a fortalecerlos ahora mismo, cuando el espíritu alternativo de las cintas de VHS y la nostalgia de los primeros Lollapaloozas vuelven a ponerse de moda en el eterno camino cíclico de las tendencias pop. Otro referente interiorizado por Turnstile, fundamental en el desarrollo de su personalidad musical, es Angel Du$t, nuevamente de Baltimore, una especie de superband que expuso el lado más melódico que ofrece el género, herencia de otros actos influyentes para el nicho. Una propuesta pegajosa y rápida que se arrima al indie y al pop punk. Lean también | Porque nadie lo pidió, todos los discos de NOFX rankeados del peor al mejorTime and SpaceEstos rasgos se van insinuando en el segundo álbum de estudio de Turnstile: Time and Space (Roadrunner Records) de 2018. Allí, ya entrados en gastos con la toma de riesgos musicales, se jugaron con seguir desautomatizando su sonido mediante una confluencia entre el Hardcore más experimental y el rock alternativo de los noventas. Las fibras que se desprenden de su música tienen cierto gusto a 311, Red Hot Chili Peppers, Incubus, Jane’s Addiction o Rage Against the Machine. Actos de nostalgia de los que no somos ajenos los treintañeros más grandes, pero innovadores para las audiencias más jóvenes. Sencillos como Moon o Generator dan cuenta de esta metamorfosis. Time and Space puso a Turnstile en el límite. La banda se embarcó en un camino sin retorno que, así como pudo dejarla herida de muerte, terminó impulsándola positivamente y derivando en la confección de un álbum brillante, que encendió los reflectores sobre su andar y les representó una recepción halagadora por parte de decenas de medios especializados en Norteamérica, como Alternative Press, Rolling Stone, GQ, Loudwire, Billboard o Consequence of Sound. Bandas legendarias como Black Train Jack y Snapcase sirvieron de polo a tierra a nivel de influencias para que Turnstile mantuviera su espíritu Hardcore, pese a sus apuestas arriesgadas en la creación. Time and Space fue un disco fundamental que pavimentó el camino hacia el ya icónico Glow on, que vería la luz en 2021.Salvo algunos sectarios que los han mirado por encima del hombro como si fueran bichos raros, Turnstile no perdió el amor de su fanbase. La admiración de viejas y nuevas audiencias se puso más arriba que nunca. La banda, al mismo tiempo, fue como si hubiera dejado de sentirse en la obligación de rendir cuentas por sus decisiones creativas y, con ese convencimiento, lanzó el Glow On el 27 de agosto de 2021. Un disco de quince cañonazos, quince himnos redondos donde no se guardan nada. Producido por Mike Elizondo (Eminem, Fiona Apple, Mastodon y Twenty One Pilots, entre otros), en Glow On han sobresalido un puñado de hits que acumulan a la fecha hasta diez millones de reproducciones en Spotify: una utopía para cualquier banda de Hardcore en el planeta.«Too bright to live! Too bright to die! I wanna celebrate!», dice uno de los versos más potentes de Holiday, que habla de libertad y de navegar sin rumbos fijos. Mystery sugiere una ansiedad de cuentas regresivas. «There's a clock in my head. Is it wrong? Is it right? I know you're scared of running out of time». En tanto, Blackout habla de declives y reivindicaciones. «Blackout in the middle of the light. And now I'm back down with a feeling and I collide. You know it won't be long until the end. Let the spotlight shine on me again». En general, las letras del Glow On trazan metáforas con interpretaciones ambiguas que invitan más a disfrutarlas que a entenderlas. «Glow On no es un álbum crossover hardcore que busque trascender el género, sino uno que busca elevarlo a su más alta visibilidad», dice el crítico Ian Cohen para la plataforma Pitchfork. Sobre si la banda sigue parada en su nicho inicial o ya está en algo rotundamente distinto no parece haber consensos. Al respecto, Anthony Fantano, del canal de YouTube The Needle drop, les adjudica el rótulo de Dream-Punk, destacando su originalidad y matriculándolos en un género propio. «La banda logró con este disco consolidar una ruptura propia en sus riffs, enormes líricas callejeras, baterías emotivas, todos pilares del Hardcore, pero también ganchos más dulces, guiños sutiles al rock alternativo, que reverberan una producción de peso y que presenta un sonido más almidonado, acorde a la portada del disco color rosa con nubes, sin que deje de sonar como un buen disco de Hardcore», comenta. Diseccionar a Turnstile, abrir la banda y mirarla por dentro para entenderla, se ha convertido en una obsesión común por parte de los medios musicales en EE.UU. Todos tienen algo que decir sobre la música y la personalidad conjunta de de Brendan (voz y teclados), Franz Lyons (bajo), Daniel Fang (batería y percusión), Brady Eber (guitarra líder y voz secundaria) y Pat McCrory (guitarra rítmica). En general, hay un acuerdo sobre el mérito de pasar por encima de los linderos de un género estricto y atreverse a sacudirlo con la impertinencia que la mayoría de bandas de esta corriente no pueden o no están interesadas en asumir.«El Hardcore es un poco temeroso. Es un género rígido y áspero al explorar sus límites. Y la música de Turnstile es pulida y accesible. Esto, sumado a su estética, les hace atraer audiencias de bandas duras como Suicide Boys o City Morgan, y también audiencias indie. Y esa es una gran parte del por qué están siendo tan exitosos», dice Finn Mckenty, del canal de YouTube The Punk Rock MBA. «¿Hacia dónde irán a partir de ahora? Hay gente que me dice que son ‘the next big thing’, que seguirán alcanzando un éxito mainstream y yo personalmente no creo que vayan en esa dirección», concluye, como dando a entender que la fama de Turnstile fue más fortuita que perseguida y que su éxito debe ser visto en justas proporciones, sumado al hecho de que tampoco es que hayan inventado algo en términos musicales, a pesar del mérito de retomar distintos híbridos de bandas del pasado que se atrevieron a reescribir algunas reglas del nicho. Llegado 2022, la revolución de Turnstile se hace más visible con cada semana que pasa. Mientras su música plantea una hipnótica patada en la cabeza, su puesta en imagen se volvió toda una influencia en materia audiovisual. En este sentido, gran impacto ha tenido un concierto en vivo que dieron en su ciudad natal. El video es de agosto de 2021, pero parece una paradoja cuántica: una grabación vieja con canciones nuevas, un found-footage de Betamax que fácilmente podría ser de 1991, con imágenes premeditadamente borrosas y fans heterogéneos, de gorros pesqueros, pantalones beige de bota recta y tenis para jugar baloncesto, que se encaraman en la tarima y se tiran de cabeza sobre la multitud. Con la comunión entre la banda y los fans que sólo un concierto de Hardcore tiene, esta presentación en Baltimore expresa perfecto la apuesta estética y visual de Turnstile, muy acorde con la moda (pasada de moda) que predomina en estos días. Turnstile en Tiny Desk Por su lado, la reciente presentación de Turnstile para la National Public Radio (NPR) de EE.UU. en sus sesiones de Tiny Desk muestra a sus integrantes entre coloridos peluches de fondo, con un sonido sensible, onírico y orgánico. Un show íntimo que transmite una mágica praxis artística y que explica de buena forma el esplendor que ha alcanzado la hija más famosa y diversa del Hardcore en la historia del género. ***Turnstile en el Estéreo PicnicLean también | Este es el cartel del Festival Estéreo Picnic 2022Hablando de diversidad, Turnstile se presentará en Colombia el domingo 27 de marzo a las 8:45pm en el cierre del décimo festival Estéreo Picnic, subidos en el escenario «Páramo Presenta», misma tarima donde una noche atrás habrán tocado Edson Velandia y El Binomio de Oro de América.
Suicidal Tendencies es una de las bandas más destacadas del hardcore punk. La banda afirmó que le bloquearon su cuenta de Instagram durante tres semanas debido a su nombre.Tras recuperar el acceso a su cuenta, en un post publicado el pasado 6 de octubre, sus integrantes escribieron: “Como muchos de ustedes ya notaron, nuestra cuenta de Instagram estuvo inactiva durante las últimas 3 semanas. Larga historia, esto no tiene nada que ver con "nosotros", sino con nuestro nombre. Esta no es la primera vez que nos marcan, pero esperamos que sea la última. Hablaremos de eso más adelante, pero ahora queremos enfocarnos en lo positivo y darles lo mejor a todos ustedes y darles las gracias por estar siempre con nosotros ".Dentro de sus políticas, Instagram prohíbe los contenidos sobre suicidios y autolesiones. "Nunca permitimos que nadie promueva ni aliente el suicido o la autoagresión en Instagram. Además, el año pasado, actualizamos nuestras políticas para eliminar todo el contenido gráfico sobre estas problemáticas. También ampliamos las políticas para prohibir representaciones ficticias (como dibujos, memes u otras imágenes) que mostraran materiales o métodos asociados al suicidio o la autoagresión", dice la plataforma en un comunicado. Desde los ochenta Suicidal Tendencies viene forjando una buena cantidad de fieles adeptos a los sonidos extremos. Después de combinar una fuerte dosis de letras filosas, la agresividad del thrash, la potencia y energía del hardcore-punk, y aliarse con el mundo skater se convirtieron en los abanderados del crossover thrash.Ahora, a un poco más de tres décadas de haber lanzado su primer álbum, (Suicidal Tendencies, 1983), no les queda grande el rotulo de legendarios. Encabezados por el cantante californiano, Mike Muir, Suicidal ha mandado la parada en un estilo que va mucho más allá de la fuerza de sus canciones. La conexión de la banda con el mundo skater y su estética cercana a la onda gánster californiana son una marca registrada en el mundo del metal.
Si hay algo claro de Rock al Parque es que el primer día es el más exitoso. Aunque ninguna ley lo estipula, todo el mundo sabe que ese sábado está dedicado al metal y a los sonidos más pesados. Históricamente, el festival les ha dado a los fanáticos de estos estilos “en la vena del gusto”, con grandes actos como Apocalyptica, Cannibal Corpse o Anthrax. El 2019 no fue la excepción y los fans se emocionaron con nombres como Tarja, Dying Fetus, Deicide y Grave (que finalmente no se presentó). ¿Por qué Bogotá es tan metalera? Cerca de 85.000 personas llegaron al Parque Simón Bolívar en el día metalero de Rock al Parque y confirmaron una vez más que en Bogotá los sonidos pesados tienen una fanaticada fiel y sólida. Aquí algunas palabras que definen muy bien el metal en Colombia. Pasión “El metalero es apasionado”, nos dijo uno de los integrantes de Internal Suffering, banda de Death Metal pereirana que ha ido con su música hasta a China. Eso lo comprobamos el primer día de Rock al Parque, que reúne a un público incondicional que poguea y cabecea con cada canción. Persistencia Bandas nacionales como Internal Suffering, Tenebrarum, Under Threat o Grito llevan varias décadas trabajando por un género fuera de los circuitos comerciales. Estas bandas, entre otras, vieron los frutos de su esfuerzo y dedicación con los miles de asistentes a sus shows en Rock al parque, que tuvieron la oportunidad de ver shows con artistas de trayectoria. Masculinidad La diferencia entre proyectos de hombres y proyectos con al menos una integrante femenina fue abismal. Es momento de conocer más propuestas hechas por mujeres. Eso sí, hay que decirlo, las bandas con mujeres como Buitres, Lucifera, Info, Tenebrarum, y Tarja, por supuesto, se lucieron y mostraron la importancia de la mujer en el metal. Política Los sonidos extremos de Rock al parque tomaron posición. Los mexicanos de Vaquero Negro dieron su apoyo a los skaters de Bogotá en una referencia clara a la Policía. High Rate Extintion también tuvo un mensaje contra el capitalismo. Igualmente, Angra, aunque de forma algo más poética, también trata temas como la destrucción del medio ambiente y el colonialismo. Solidaridad El llamado de varias bandas fue el de apoyar la escena local. "¡Acompañen! Vayan a los conciertos, así vayan a bailar reggaetón, paguen la boleta”, dijo Razón de ser durante su show. Ellos saben que eso ha sido clave para lograr una escena fiel y fuerte y, por supuesto, el público ha copiado su invitación. Respeto Las bandas de metal reconocen el camino que labraron quienes llegaron antes que ellas. Por eso fueron mencionadas y homenajeadas agrupaciones como La Pestilencia o A.N.I.M.A.L que marcaron pauta en los sonidos extremos de Latinoamérica. Variedad Aunque hay quienes dicen que todo suena igual en el primer día de Rock al Parque, nada más alejado de la realidad: el festival incluyó exponentes representativos del hardcore como Grito o El sagrado, del Death Metal como Deicide o Internal Suffering, del rock industrial como Info, del metal sinfónico, como Tarja y del metal progresivo, como Angra. Y sí, todas suenan muy diferente. Unión Angra invitó a varios músicos colombianos para Carry On y Tenebrarum llamó a Elvis, de Estados Alterados. Los metaleros en Rock al parque demostraron que la unión hace la fuerza y es fundamental para consolidar la escena. Resistencia Ya sea al capitalismo, al conformismo, a la música comercial o a lo que se esper que debe ser el rock, las bandas del día 1 de Rock al parque fueron un ejemplo de resistencia. High Rate Extintion habló de resistir al cáncer, Razón de ser mencionó la opción de resistir para crear una escena, Power Insane mostró canciones de su disco Resistir es vencer y Grito homenajeó a los padres que resisten a las adversidades. Resistencia y metal siempre han ido e irán de la mano.
¡Le tenemos plan a los rockeros de Bogotá! Los argentinos de A.N.I.M.A.L serán la cabeza de cartel del Festival E.Q Rock para celebrar los 20 años del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio Poder Latino. Grabado y editado en 1998 en los estudios Indigo Ranch de Malibú, Estados Unidos, y producido por Max Cavalera, líder de Soulfly y ex miembro de Sepultura. A.N.I.M.A.L presentará un show lleno de energía donde harán un recorrido por su primera época. Los bogotanos KOYI K UTHO también estarán en el cartel. Esta banda nace como tributo al piloto de la serie animada Mazinger Z, dedicada a explorar el metal industrial en sus distintas manifestaciones, pero concentrándose en el cyber core. Todo esto respaldado por un soporte visual en cada una de sus presentaciones a través del maquillaje corporal, teatralidad y efectos visuales. KOYI K UTHO presentará un show increíble en el marco del lanzamiento de su nuevo disco, nuevo video y próximo tour. CADÁVERES PODRIDOS nació como un proyecto solitario y experimental en el 2013 y se conformó como banda a principios del 2017 en la ciudad de Bogotá. Practican un rock muy marcado con una base enérgica envuelto en una atmósfera post punk. Letras que hablan sobre la sensación de vivir bajo un ambiente hegemónico y controlado, la desesperanza y la humillación de someterse a las imposiciones de un régimen totalitario. El evento contará también con la participación especial de la banda de Hardcore venezolana FRENTE DE IRA. Quienes se reunirán para la ocasión en Colombia después de que sus integrantes se han movido a otros países por la problemática en Venezuela. Será un show especial lleno de energía después de un silencio obligado.
Desde los terrenos del hardcore bogotano surgió en los noventa uno de los pilares de la nueva música colombiana: Ultrágeno. Liderada por Amós Piñeros, la banda introdujo metáforas y verdades sobre una sociedad violenta y en caos. Dos décadas después, el mensaje revolucionario sigue más vivo que nunca. ¿Por qué? Por: Doktor Chiflamicas // @DJChiflamicas @FolkaRumba* Dos décadas después de la Bogotá amedrentada por las bombas que explotaban una o dos veces cada día, esa ciudad de los años noventa en que las calles olían a susto y afán de grito, que sirvió de escenario desafortunado para la creación de muchas de las bandas que hoy son leyenda y curiosamente vuelven al ruedo casi al mismo tiempo, la Razafuria – ese término que cobijó a todos los creyentes en el poder de una banda – se despertó del letargo de las urgencias contemporáneas y volvió a enajenarse con el espíritu rabioso de Ultrágeno. “Era una época convulsa”, dice Amós Piñeros –vocalista y violinista de la banda– sobre la Bogotá de su adolescencia. Nos encontramos sobre la carrera Séptima en la puerta de La Ñ, el estudio de grabación y producción musical en el que trabaja con su pareja y varios amigos, entre ellos Rodrigo Mancera de Morfonia, banda que por estos días también resurgió de esa década de rock análogo en la que el muro de Facebook eran los carteles que pegaban en los postes con engrudo. De pronto Amós quería reír y lo hicieron correr, como dice en su canción Divino Niño, llegó en su moto y me recibió en su centro de operaciones para hablar y, un poco, viajar en el tiempo haciendo un paralelo entre las dos ciudades –la de los noventa y la de ahora–. Después de entrar al edificio cruzamos un pasillo igual al de cualquier hotel abandonado de película de serie B; pasamos por un jardín que yo había conocido árido hace un año y ya tenía vida digna; entramos a su estudio, saludamos al Divino Niño que estaba lavando la loza y nos sentamos en la sala para comenzar la entrevista. Agenda. Cigarrillo. Celular. Porro. Grabar. La cámara que estaba enfocando el crepitar del cigarrillo se aleja y retrocede 28 años al 30 de mayo de 1989. La imagen no tiene filtro vintage porque no, pero vemos a Amós Piñeros de 13 años esperando el bus del colegio sobre el costado oriental de la 56 con Séptima. Mientras él y sus compañeros de clase trataban de calentarse las manos por el frío capitalino, al costado occidental y a las 7:15 de la mañana el grupo de “Los Extraditables” –miembros del Cartel de Medellín comandados por Pablo Escobar– detonaron 100 kilos de dinamita en un carro bomba destinado a matar al entonces director del DAS, el general Miguel Maza Márquez. Este atentado cobró la vida de siete personas y dejó varios heridos, entre ellos Amós, quien cuenta cómo la violencia de aquellos días se mezcló con la inocencia de su edad y generaron una consciencia mordaz de la desgracia irreparable que estaba viviendo el país. El Divino Niño se seca las manos con su vestido rosa, Piñeros aclara la garganta y retoma el relato de cómo la vida nocturna de Chapinero comenzó a ser su arena de combate. Entre los 14 y 15 años empezó a salir sin parche y se convirtió en un voyeurista de la escena, un observador alucinado con la vestimenta y la actitud de la gente, pintas heredadas del underground inglés con pantalones remangados, las “grullas” y peinados indomables. En los bares de este barrio tradicional se encontró también con nueva música que, según él, lo sacó del metal y le abrió el mundo del industrial, algo que lo marcó con bandas como Ministry, Front Line Assembly, Front 242, Nine Inch Nails en sus inicios y Pig Face, que no era industrial del todo pero tenía una gran actitud post apocalíptica. Con ese despertar musical atravesado por la violencia latente de su entorno, Piñeros comenzó a crear narraciones que posteriormente estarían plasmadas en las letras de Ultrágeno. Pero antes de llegar allí tenía que pasar de ser un mero observador a participar activamente de la escena. Esto lo logró con Catedral, una banda experimento de grunge bogotano que fundó con Tomás Rueda (hoy cocinero), Miguel Navas (que ahora mezcla papayera con electrónica) y Andrés Crump (baterista), compañeros del Gimnasio Moderno con los que grabó un único disco homónimo en 1994 con la producción de José Gandour. Su canción Redes rojas se hizo famosa gracias a que fue utilizada como cortinilla del ya extinto programa 4 Canales de la 99.1 fm, dedicado al rock nacional. A pesar del éxito inmediato de Catedral –con su primer concierto como teloneros de Aterciopelados en el bar Transilvania lleno de rockeros ávidos de pernicia– y de haber comenzado a interactuar con personajes relevantes en varios aspectos de la vida cultural colombiana, Piñeros afirma que debido a la inocencia del momento fue acumulando sensaciones de impotencia y frustraciones que evolucionaron en la urgencia de crear algo tan contundente como lo que haría con Andrés Barragán (guitarra), Juan Camilo Osorio (batería) y Santiago Paredes (bajo) en Ultrágeno. Por esta razón, Amós decidió terminar de un tajo la banda, incluso teniendo un contrato con una disquera para grabar tres discos más y se recluyó en el limbo para preparar, sin tenerlo muy claro, lo que vendría a continuación. El Divino Niño está de acuerdo con que Catedral fue una suerte de módulo de experimentación en el que Amós Piñeros comenzó a hacer conexiones entre las historias urbanas de una Bogotá gélida y convulsa con las letras que aportaría a la banda a la que lo invitaron a cantar, pero se hizo el marica un buen tiempo mientras se decidía por lo que quería hacer. Con su particular voz ronca, cuenta que cuando por fin escuchó lo que estaban haciendo era lo que estaba buscando: un sonido nuevo, rápido e inusitado que sonaba como una máquina, pero era orgánico y tocado en vivo. A Amós Piñeros hay que verlo más allá de la rudeza y confianza en sí mismo propias de un rockero y escucharle la ternura detrás de su voz rasgada; entender que es un tipo espiritual que ha tenido su buena cuota de meditación; que con los años ha sobrepasado la premura inmediata del artista y se ha concentrado en divertirse con la música con la misma obsesión de un niño que juega solo por el juego mismo. Y es que fue esa misma capacidad inocente e introspectiva de conexión con ese otro plano patafísico que nos rodea y muy de vez en cuando nos explica el mundo, lo que lo llevó a comprender su necesidad de definir y comprometerse con la urgencia de crear la bestia potente que se convertiría en material impreso en la memoria rebelde de varias generaciones bogotanas. En el diccionario metafísico ancestral que solo se consigue en estado de vigilia y se puede leer con claridad pocas veces en la vida, el término Ultrágeno aparece reseñado de la siguiente manera: “Ultrágeno, m. Del español libre ‘ultraje-’ y ‘-no’. Elemento químico gaseoso de coloración verde que al ser liberado se propaga en cuestión de canciones en la conciencia de la Razafuria*. Simbología: representa la esperanza”. * Razafuria, f. Población de procedencia inexplicable, colectivo intangible muy diverso que somos nosotros, quienes nos relacionamos; los que tenemos inquietudes y los que no. Es una entidad con la posibilidad de matar o crear vida, construir o destruir en cualquier momento. Bajo los efectos de este gas difícil de contener, Piñeros escribió las siete letras que grabaron para el primer demo de la banda y cuenta –con la mirada de quien recuerda algo innegable– que gracias a la falta de duda entró en un estado de enajenación, casi demencia o hipnosis. Esa sensación, fuman los expertos, es un vacío libre de incertidumbre reconocible por quienes saben que tienen algo bueno entre manos; es una verdad ineludible porque desde adentro surge la certeza de estar en el camino correcto y solo hay que dejar fluir su impulso creador y este tejerá sin problema los nodos que conectan las figuras del entorno en beneficio de la obra. Ese letargo es un abandono, un desprendimiento confiado que es justamente lo que Amós Piñeros continúa buscando desde entonces en sus proyectos artísticos, ese algo más grande que él que lo convierta en instrumento. Así nació Ultrágeno, una furia poética con lírica ritual ligada al hardcore; una banda cargada de metáforas y verdades entre líneas para ser discernidas solo por quienes estén muy atentos a la poesía y al mensaje revolucionario tras lo evidente. Es una mezcla de letras rítmicas con melodías tribales –a veces gitanas– que cuentan la historia rabiosa y mestiza de una Bogotá abandonada en los Andes. Una gran muestra de esto es su canción La inconvenientemente (Ultrágeno, 1997), que reúne la nostalgia feliz de un violín gitano con una percusión vertiginosa y riffs pesados y convulsos. No, ultraje no, pilas. Esta banda tuvo una vida activa relativamente corta pero bastante fructífera, en pocos meses pasaron de amenizarle la velada a las lechonas de los bazares a llenar bares de Razafuria en el centro de la capital. Tocaron en Lizard King, de Jorge Escandón, ahora dueño de Bazurto Social Club en Cartagena; en un sitio llamado San Paul, en lugares pequeños de la 82 y otros cuantos chuzos de la carrera Séptima. Aunque nunca hicieron giras internacionales, consiguieron establecer una fuerte escena en el circuito local. Peinándose la cresta canosa hacia atrás, Piñeros dice que les hizo falta olerse los peos en una gira larga en Europa, pero alcanzaron a tocar para cien mil personas en varios conciertos importantes que quedaron en la historia del rock bogotano. En este momento el Divino Niño nos pone atención, deja a un lado su Tinder y toma la cámara para llevarnos a la Media Torta en 1997 –año en que Rock al Parque pasó a ser un proyecto del programa Cultura Ciudadana de la Alcaldía Mayor de Bogotá–, busca entre doce mil mechudos y encuentra a un personaje de rastas pero no rasta, un viejo zorro de la producción de conciertos que ha cabeceado y trabajado en todas las ediciones del festival Rock al Parque, Hugo Ospina, de Roadie Colombia. De ese día destaca las presentaciones de A.N.I.M.A.L. –banda con la que Ultrágeno produjo el segundo disco–, Control Machete, Kraken y Estilo Bajo, quienes rockearon frente a un público “muy bacaneao”, afirma el señor del Salón de la Desquicia. Después de ese día Ospina se convirtió en el stage manager de la banda. Piñeros recuerda con mucho cariño un concierto en la Universidad Nacional y el riot y la destrucción parcial del Tower Records del Centro Comercial Andino en 1999. Antes de volver al presente, vamos un segundo al barrio El Vergel, en el que durante un toque Amós se lanzó a surfear sobre la audiencia, alguien le quitó la billetera, pero luego se la devolvió. Está registrado en video. Aquí vendría bien un ron. En una época sin Internet, la vivencia cotidiana presionada por la violencia, los posibles secuestros y en general la polarización del país, llevó a varias bandas a tener la necesidad de convertirse en juglares rebeldes y narrar su historia sin importar el género musical. Piñeros menciona a La Derecha y 1280 Almas como ejemplo de las agrupaciones que tocaron temas sensibles y se convirtieron en banda sonora de esos tiempos. Aquí recalca la diferencia entre lo análogo y lo digital para decir que a ellos les tocaba salir a las calles con volantes para hacerse escuchar. Para él, los grupos de finales de los años noventa fueron los abanderados del último coletazo de la era análoga. Con el comienzo de siglo llegó el fin de la era Ultrágeno. Eran muy jóvenes, estaban terminando sus carreras y Amós Piñeros estaba agobiado de Bogotá, se sentía encarcelado en la ciudad. Parece injusto para la Razafuria. Fue una decisión tomada por la encrucijada en la que convergieron cuatro vidas con múltiples futuros posibles: Santiago Paredes está radicado en Dinamarca; Juan Camilo Osorio es arquitecto en Nueva York y Andrés Barragán tiene una editorial en Bogotá. Piñeros se fue a vivir a Barcelona, regresó en 2002 para la grabación del disco Código fuente con el sello MTM. Estaban en el punto perfecto para crecer, pero era evidente que iba a ser imposible continuar. Amós Piñeros siempre ha reflexionado sobre la actitud frente a la vida y como músico, una postura que supo perfeccionar con sus múltiples trabajos en Barcelona: “Estaba aprendiendo a ser nadie”. Cargó bultos de arena, repartió toallas y manteles, vendió falafel, fue repartidor de volantes, obrero de construcción, encantador de guitarras y psicólogo de hormigas, lo que hiciera falta para pagar los recibos y, como en Europa se puede vivir dignamente y tomar vino e ir a la playa con un sueldo bajo, tuvo tiempo para jugar. En esa época sin expectativas dramáticas de alcanzar el éxito o crear una escena, alejándose de las urgencias del músico amateur que abandona el arte por la necesidad de triunfar, Piñeros recibió un estudio de producción de un amigo de Berlín y se dedicó años enteros a experimentar. En esos días nació Uno Sound con Pol Moreno; La Fe; Tote, banda de metal; La Rola, rock clásico que duró una temporada y Amós y Los Santos, creado en Bogotá y trasladado a Barcelona. El abandono de deseos ulteriores en estos proyectos hizo que Piñeros entendiera el desentendimiento necesario para crear. Pero la historia de Ultrágeno tuvo, por ahora, dos entradas más que le devolvieron a la Razafuria la emoción ruda de los noventa. En 2007, celebrando los 10 años del primer disco y a manera de reunión de las bandas que participaron en las primeras versiones del festival, fueron convocados para tocar en Rock al Parque. De esa fecha quedaron en el limbo varias ideas que fueron concretadas diez años más tarde. Dos décadas después, en la Bogotá dividida por trinos en Twitter, esa ciudad de 2017 en que las calles siguen oliendo a susto y afán de grito, que sirve de escenario desafortunado para la creación de muchas bandas y el despertar de otras que hoy son leyenda, la Razafuria se estremeció con el lanzamiento de un nuevo sencillo de Ultrágeno: “Lo que tengo” y su regreso triunfal con dos fechas llenas a reventar en el Auditorio Lumiére. Además, se produjo la grabación de un disco en vivo y un documental de la banda. Fin de la entrevista. Amós es un tipo delgado y fuerte, ya canoso, enérgico y con ojos de niño. Me cuenta que lo que venga es un regalo, tiene muchas ideas pero no las va a forzar. Mientras guardo el celular con la entrevista y miro los apuntes en la agenda, con mucha inocencia le pregunto cuál cree que sea el legado de Ultrágeno. Duda, pero no tanto. Mira de frente y piensa en lo que define como la conexión, cree que su banda es una excusa para que la gente sienta emociones y acciones con las que se identifica: “La enajenación es nuestra herencia, la entrega y desprenderse de pensar por qué y para qué y solo hacer las cosas, ese es el espíritu de lo que quiero que hereden las nuevas bandas: hagan lo que los motive y los llene, entréguense que la gente agradece mucho eso y entra en sinergia. Se trata de reinterpretar y hacer de la vida un rito”. … *Esta es la versión completa de la crónica que el Doktor Chiflamicas publicó en Cover Up Magazine el año pasado.
El colombiano David Alonso (CFMoto) ha hecho historia al conseguir su duodécima victoria de la temporada, la quinta consecutiva, al vencer el Gran Premio de Tailandia de Moto3 en el circuito de Buriram.Alonso suma un total de 12 victorias a lo largo de la temporada, lo que le convierte en el único piloto en la historia del motociclismo en lograr tal cantidad de triunfos en una misma temporada en la categoría más pequeña del campeonato del mundo.Hasta la fecha, el italiano Valentino Rossi detentaba ese récord con once victorias, que igualó David Alonso en Australia para, una semana más tarde, batirlo y establecer un nuevo récord absoluto.La carrera de Moto3 sufrió alteraciones en su programación inicial como consecuencia de la lluvia, pues al no haber rodado en agua los pilotos de la categoría en ninguna sesión, esa situación provocó que se permitiese dar una serie de vueltas a los pilotos para comprobar sensaciones con el asfalto todavía mojado y, además, se recortó la distancia de carrera a escasamente 12 vueltas.Pero a la hora de la verdad prácticamente todos los pilotos salvo el británico Eddie O'Shea (Honda) decidieron salir con neumáticos de seco.Al apagarse el semáforo rojo, el australiano Joel Kelso (KTM), autor de la 'pole position' se puso al comando de la carrera, perseguido por el neerlandés Collin Veijer (Husqvarna), el español Ángel Piqueras (Honda), el japonés Taiyo Furusato (Honda) y el líder y vigente campeón, el colombiano David Alonso (CFMoto), que en apenas una vuelta ya lograron cierta ventaja respecto al resto del grupo principal.Ya en la segunda vuelta la iniciativa fue para Collin Veijer, que tiró con fuerza en ese quinteto inicial, al que intentaba 'engancharse' el español Adrián Fernández (Honda), sabedor que al quedar la carrera reducida a doce vuelta la más mínima distancia podría resultar insalvable, y tras su estela se llevó a Iván Ortolá (KTM), que lograron enlazar con ellos.Con Veijer como líder, el campeón en título David Alonso se comenzó a posicionar en cabeza del grupo cuando en la cuarta vuelta los comisarios de pista comenzaron a ondear la bandera blanca con aspa roja que avisaba de lluvia en algunas zonas de circuito.Esa cuarta vuelta ya tuvo a David Alonso como líder, aunque el australiano Joel Kelso le disputó la posición, como también poco después el japonés Taiyo Furusato, que fue quien pegó el tirón más fuerte, estirando el grupo considerablemente, algo de lo que se apercibió David Alonso, que intentó irse tras su estela para pelear por esa duodécima victoria que le daría el récord absoluto de triunfos en una temporada.Y tras David Alonso fueron el resto de pilotos del grupo de cabeza, mientras Furusato conseguía una ventaja superior a las seis décimas de segundo en cabeza de carrera.En la vuelta ocho David Alonso ya se había 'enganchado' al rebufo de la moto de Furusato, al que superó en la curva de entrada a la recta de meta, si bien el japonés se pegó al colombiano para no perder sus opciones de conseguir la primera victoria de su carrera deportiva.Alonso se mantuvo como líder mientras desde atrás Iván Ortolá fue superando rivales hasta colocarse tras el rebufo del colombiano, mientras que por detrás los dos pilotos del equipo Leopard Honda, los españoles Adrián Fernández y Ángel Piqueras. se iban por los suelos.Así se llegó a la última vuelta, en la que Iván Ortolá superó a David Alonso, pero este le devolvió el adelantamiento casi de inmediato camino de su quinta victoria consecutiva y la duodécima de la temporada, por delante del italiano Luca Lunetta y el neerlandés Collin Veijer, quien en la entrada a la recta de meta golpeó al japonés Taiyo Furusato, que acabó por los suelos.En cualquier caso Furusato acabó en la quinta posición, al atravesar la línea de llegada tanto él como su moto.
Solo basta ver una de las antiguas fábricas tabacaleras del país para darse cuenta que los tiempos han cambiado. Por eso, la antigua fábrica de Coltabaco en Medellín, ahora parte del plan de renovación urbana del Valle de Aburrá, de la constructora Arquitectura y Concreto, fue elegida para celebrar el décimo aniversario de IQOS, un producto que busca acabar con los cigarrillos.Cuando lo que se hacía en un lugar desaparece, pero el espacio permanece, es inevitable pensar en el ayer; muchas veces estos lugares existen para recordarnos el pasado, y para no volver a él.Se cumplen 10 años de la llegada de IQOS y de continuar avanzando en la construcción de un futuro libre de humo en el que los cigarrillos queden en el pasado y se conviertan en piezas de exhibición para museos y galerías de arte. Por eso, para celebrar el décimo aniversario de IQOS y su impacto en los adultos fumadores que le dijeron adiós al cigarrillo, IQOS tomó la emblemática fábrica de Coltabaco en Medellín, donde varios años atrás se producían cigarrillos, para transformarla en un espacio que respiraba creatividad, innovación y arte, en vez de humo.En la antigua Fábrica de Coltabaco, hoy espacio de renovación para el proyecto “Veranova Park”, se llevó a cabo una exposición de arte junto a los reconocidos artistas, Alejandro de Narváez y Sergio Mantilla, en la que se eligieron obras emblemáticas que mejor representarán el paso del tiempo. ¿Con qué propósito? Con el fin evidenciar la transformación que se está viviendo, dejando atrás el cigarrillo para llegar a un futuro libre de humo. Por esto, cobró tal relevancia esta fábrica, pues permitió resignificar un espacio en donde antes se hacían cigarrillos, ahora se celebró el décimo aniversario de IQOS, un dispositivo de calentamiento de tabaco que vino a revolucionar esta industria en el mundo y que ha permitido que muchos fumadores adultos, se cambien a una alternativa a fumar y dejen el cigarrillo atrás.Por esta razón, IQOS ILUMA llega a inicios de este año a Colombia, ofreciendo una satisfacción comparable a la de fumar, pero sin producir humo y haciendo que hoy ya sean más de 30.8 millones de usuarios IQOS en el mundo, que han dejado el cigarrillo atrás y se han cambiado a esta alternativa a fumar.Si usted es un adulto fumador y está buscando dejar atrás el cigarrillo y cambiarlo por una mejor opción es momento de unirse a la celebración de la marca, haciendo la compra de IQOS ILUMA con un precio especial o si es un usuario actual de IQOS, pero con undispositivo anterior, conozca muy pronto la edición limitada con el artista Steve Aoki, para celebrar estos 10 años, junto al arte y la música. Conozca más ingresando a iqos.com, llamando al #476 o en una de las Tiendas IQOS a nivel nacional.*Estudios demuestran que la satisfacción de aquellos que se cambiaron completamente a IQOS es comparable con la de aquellos que continuaron fumando cigarrillos. Fuente: Estudios clínicos realizados por 3 meses en Estados Unidos con 160 adultos fumadores en condiciones reales.+Fuente: Estimaciones PMI, paneles de usuario y IQOS estudios de Mercado PMI a Julio 2024. Usuarios de dispositivos para calentar PMI para quienes las unidades de tabaco para calentar PMI representan una parte de su consumo diario de tabaco durante los últimos 7 días.Este producto no es libre de riesgo y entrega nicotina que es adictiva. Solo para uso de adultos fumadores. Antes de usar el producto, por favor consulte las instrucciones y contraindicaciones de uso.Patrocinado por Coltabaco S.A.S.
El japonés Ai Ogura (Boscoscuro) seguro que buscará ser profeta en su tierra para ganar el Gran Premio de Japón de Moto2 en el circuito 'Twin Ring Motegi', en el que el colombiano de origen español David Alonso (CFMoto) podría proclamarse matemáticamente campeón del mundo de Moto3.Ogura es cada vez más líder de Moto2 merced al 'bajón deportivo' de quien hasta ahora era su rival más directo y peligroso, su propio compañero de equipo, el español Sergio García Dols, que en las cinco últimas carreras apenas ha sumado seis puntos frente a los 66 de su oponente.Tras los dos ceros consecutivos de García Dols en Emilia Romaña e Indonesia, seguro que el español buscará resarcirse con un buen resultado, aunque el circuito japonés no sea el mejor escenario posible para conseguirlo, pues por tradición los pilotos japoneses suelen ser muy efectivos y hasta 'agresivos' en su pilotaje en la carrera 'de casa'.Muy distinta es la situación en Moto3, en donde David Alonso podría proclamarse matemáticamente campeón del mundo y, para ello, sólo necesita que el español Daniel Holgado (Gas Gas) no sume tres puntos más que él, mientras él consigue cinco puntos más que el español Iván Ortolá (KTM) y siete más que el neerlandés Collin Veijer (Husqvarna).En resumen, a David Alonso le bastaría con conseguir su décima victoria de la temporada para proclamarse campeón del mundo, independientemente del resultado que consigan sus rivales, salvo si Veijer es segundo, en cuyo caso le faltarían dos puntos para ser campeón matemático de la categoría.Bien es cierto que en Moto3, las nueve victorias que acumula el colombiano dicen mucho de su rendimiento deportivo, pero con opciones de victoria también se encuentran pilotos como los españoles Iván Ortolá, Daniel Holgado, David Muñoz (KTM), Adrián Fernández (Honda), Ángel Piqueras (Honda), o José Antonio Rueda (KTM).Además de ellos, Collin Veijer seguro que buscará algún triunfo más en la categoría antes de dar el salto a Moto2, sin olvidarnos de los japoneses Taiyo Furusato (Honda), Ryusei Yamanaka (KTM) o Tatsuki Suzuki (Husqvarna), que por el hecho de 'jugar en casa', seguro que intentarán dar la sorpresa e imponerse a todos sus rivales de turno.En esas mismas 'cábalas', por lo visto en anteriores grandes premios, habría que incluir a los australianos Joel Kelso (KTM) y Jacob Roulstone (Gas Gas), o a los italianos Luca Lunetta (Honda), Stefano Nepa (KTM) o Matteo Bertelle (Honda).
Shakira, lanzó “Soltera”, una canción popera con influencias de afrobeats.La canción generó, desde antes de su lanzamiento, gran expectativa en las redes sociales tras la grabación del video en LIV en Miami, con cameos de Winnie Harlow, Anitta, Danna Paola y Lele Pons. El nuevo sencillo llegó poco después de las 3 nominaciones de Shakira a los Latin GRAMMY de la semana pasada, en las categorías de Álbum del Año por Las Mujeres Ya No Lloran, Canción del Año por "Entre Paréntesis", y Mejor Interpretación de Música Electrónica Latina por “Bzrp Music Sessions, Vol. 53 (Remix de Tiësto)..En noviembre Shakira iniciará su gira norteamericana "Las Mujeres Ya No Lloran World Tour", cuyas entradas ya están agotadas.La primera etapa de la gira comenzará el 2 de noviembre en Palm Desert, CA, e incluirá paradas en Los Ángeles, Miami, Toronto, Brooklyn, Chicago, entre otras. Su más reciente álbum, Las Mujeres Ya No Lloran, recibió debutó en el puesto #1 en las listas de Latin Album y Latin Pop Album de Billboard, y fue certificado 7x platino en las primeras 24 horas de su lanzamiento, con más de 10 mil millones de streams en todas las plataformas de audio y video, convirtiéndose en el álbum más reproducido del año. ¿Quiénes son las mujeres que aparecen en el video de Shakira?Winnie Harlow: Es una modelo canadiense-jamaiquina que ha revolucionado la industria de la moda. Su nombre real es Chantelle Brown-Young, y se hizo famosa por su condición de vitíligo, una enfermedad de la piel que causa la despigmentación en ciertas áreas del cuerpo.Annita: Su nombre real es Larissa de Macedo Machado, es una cantante, compositora, actriz, bailarina y productora brasileña. Ha colaborado con artistas como Maluma, J Balvin, Becky G, Cardi B, Natti Natasha, etc.Danna Paola: Danna Paola Rivera Munguía, conocida simplemente como Danna Paola, es una cantante, compositora y actriz mexicana.Desde muy pequeña demostró su pasión por el mundo del espectáculo, iniciando su carrera en la actuación y luego incursionando en la música.Lele Pons: Eleanor Pons Maronese, es una influencer, cantante, actriz y personalidad de las redes sociales venezolana-estadounidense. Se hizo famosa a través de la plataforma Vine, donde compartía videos cortos de comedia y sincronización de labios.**Lean acá: La historia detrás de la canción ‘Día de enero’ de Shakira
Dos días después de publicar un video que muestra una gran frustración por la reacción del público ante su renuencia a respaldar a un candidato presidencial, Chappell Roan canceló su aparición en el festival All Things Go este fin de semana, en Nueva York el sábado y en Washington, DC el domingo."Pido disculpas a las personas que han estado esperando verme en Nueva York y DC este fin de semana en All Things Go, pero no puedo actuar", escribió en una publicación en redes sociales. "Las cosas se han vuelto abrumadoras en las últimas semanas y realmente lo estoy sintiendo", agregó. “Siento presión para priorizar muchas cosas en este momento y necesito unos días para priorizar mi salud. Quiero estar presente cuando actúo y dar los mejores espectáculos posibles. Gracias por entender. Vuelvo pronto xox.”Roan ha hablado a menudo de las dificultades para afrontar la fama a medida que su fama ha aumentado drásticamente en los últimos meses, particularmente en lo que respecta a los acosadores y las demandas de los fans. "Necesito que respondas preguntan, solo responde mis preguntas por un segundo: si vieras a una mujer al azar en la calle, ¿le gritarías desde la ventanilla de tu auto? ¿La acosarías en público? ¿Te acercarías a una dama al azar y le dirías: '¿Puedo tomarme una foto contigo?' y ella dice: 'No, ¿qué carajo?' y luego te enojarías con esta dama al azar?", dijo la cantante. "¿Te ofenderías si ella te dijera que no a tu tiempo porque tiene su propio tiempo? ¿Acosarías a su familia? ¿La seguirías? ¿Intentarías analizar su vida e intimidarla en línea? Esta es una persona que no conoces y ella no te conoce en absoluto. ¿Asumirías que ella es una buena persona, asumirías que es una mala persona? ¿Asumirías que todo lo que lees en línea sobre ella es cierto? Soy una perra al azar, eres una perra al azar. Piensa en eso por un segundo, ¿de acuerdo?", finalizó.Las presiones crecieron con su álbum debut, “The Rise and Fall of a Midwest Princess”, que fue lanzado hace casi un año, su presentación VMAs y su nominación a los Grammys como 'Mejor Nueva Artista'Sin embargo, las presiones de una fama tan repentina han sido abrumadoras para la artista. En el mismo video agregó: “Cuando estoy en el escenario, cuando estoy actuando, cuando estoy vestida de mujer, cuando estoy en un evento de trabajo, cuando estoy haciendo prensa… estoy en el trabajo. Cualquier otra circunstancia, no estoy en modo trabajo. Estoy fichado. No estoy de acuerdo con la idea de que debo un intercambio mutuo de energía, tiempo o atención a personas que no conozco, en las que no confío o que me asustan, sólo porque expresan admiración”.
