Las representaciones de voces "futuristas" con estilos robóticos son, curiosamente, cosa del pasado. Muchos de estos sonidos se remontan a inicios del siglo XX, con los primeros prototipos del instrumento conocido como vocoder. Pero hoy las voces artificiales están incrustadas en el pop, incluso, sin que lo notemos en la mayoría de veces. Mucho antes de que se popularizaran las Inteligencias artificiales o los deepfakes, la tecnología se instaló para manipular las voces que consumimos en la música. ¿Cómo las voces artificiales moldearon la música pop de hoy? En la década de los 20 el ingeniero H. Dudley desarrolló, en los Laboratorios AT&T Bell, el vocoder (Voice Operation Demonstrator). Era un sintetizador vocal electrónico, operado manualmente, que podía realizar cantos y enviar mensajes de voz. El dispositivo fue presentado oficialmente en 1939, pero en la música fue popular hasta los 80. El vocoder, de manera general, funciona mediante un modelo de filtro de fuente para el habla, que incluye un codificador de los formantes de la voz. Es, en suma, un efecto altera la voz y produce una sonoridad vocal sintetizada y mezclada con señal original, lo cual en la imaginación popular es identificado con robots como c3PO en Star Wars. Años después de su creación, en la cultura popular su uso se extendió por muchos estilos musicales y trucos para el cine y la televisión. En La Naranja Mecánica, por ejemplo, el vocoder interpreta la Novena De Beethoven; en La Guerra de las Galaxias oscurece la voz de Darth Vader y en Around The World de Daft Punk (1997) hace que la gente baile la canción completa.D. Tompkins (2011), en su interesante libro How to Wreck a Nice Beach, se pregunta: “si una sección de cuerdas puede ser reemplazada por el sintetizador, ¿por qué no la voz?”. Desde la década del setenta el vocoder resintetizó no solo la voz humana, sino que creó una alternativa de expresividad en la música popular. Muchas músicas encontraron en este instrumento un elemento fascinante de exploración, pero, principalmente, fueron dos los nombres que se apropiaron del vocoder como instrumento y lo hicieron popular. La pionera de la música electrónica con vocoder, Suzanne Ciani, y la legendaria agrupación Zapp. Estos dos nombres, sin duda, trazaron el uso del vocoder como un instrumento,usado explícitamente para intervenir la voz. Pero de ese instrumento se derivó otro mucho más sutil y controversial. La historia del Autotune En muchos aspectos la tecnología es discutida en la música, pero con el Auto-Tune hay un debate continuo. Este instrumento, o efecto auxiliar derivado del vocoder que se conecta a cualquier software de edición de audio, hace una magia musical: afinar y estilizar la voz.El Auto-Tune, patentado por Andy Hildebrand (1996), es, por definición, un codificador o afinador de voz. La polémica de su uso inició con la producción realizada por Mark Taylor y Cher en 1998 para la canción Believe. Incluirlo de manera sutil ha sido descrito como una especie de milagro, que marcó una etapa crucial a inicio del siglo XXI en el pop.El equipo mantuvo en secreto por algún tiempo la forma cómo hicieron el efecto en la voz de Cher. Pero Hildebrand ya había vendido varios ejemplares de su primer modelo en estudios de Los Ángeles. Fue cuestión de tiempo para que la industria musical supiera cómo los tonos de la voz de Cher se escalaban instantáneamente de manera no natural.Este episodio en la música actual es mítico. Hasta Kanye West agradeció en varias ocasiones a Cher, por iniciar el camino del uso del Auto-Tune como una especie de sofisticación de la música contemporánea.¿Por qué critican al autotune? La cuestión discutida sobre el Auto-Tune es quizá moral, debido a que se piensa que afinar la voz de manera automatizada requiere menos esfuerzo. O quizá filosófica, pues se cree que, en términos musicales, es poco ético no trabajar suficientemente para alcanzar la afinación occidental estándar.Para efectos de la industria musical actual el Auto-tune es ideal, debido a la alta exigencia que requiere la música pop en materia de afinaciones vocales. Hoy el uso del Auto-Tune se emplea en actuaciones de música en vivo y artistas como Kanye West, Travis Scott, Migos, Lil Wayne o T-Pain lo incluyen en sus propuestas de modo permanente. Sin embargo, Jay-Z en el año 2009 llegó al punto de sentenciar a muerte el Auto-Tune, en el título lapidario de su canción D.O.A. (Death Of Auto-Tune). En algunas declaraciones ofrecidas en la HOT 97, Jay comentó que el tema no iba dedicado a ningún artista como podría pensarse. La canción incluye una especie de coro intencionalmente desafinado.Según él, su mensaje se dirige hacia la tecnología en sí. No fue dirigido a Lil Wayne, T-Pain o Kanye West, pero pone el acento de manera crítica sobre su capacidad de rapear, y no incluir melodías en su forma de rimar.Jay proscribió a la tecnología de corrección tonal y su uso indiscriminado en el hip hop y la consideró “cursi”. Para Jay Z usar Auto-Tune en el rap era como meter instrumentos de juguete a las canciones. Sugirió desarrollar otras habilidades menos perezosas, pero reconoció que muchos artistas que lo usan crearon melodías fantásticas.Sin duda, Jay Z fracasó en su predicción. Debido a la popularidad del Auto-Tune en estilos como el rock indie o el rap, se pensó que su aplicación se limitaba a los estudios de grabación. Pero hoy, su uso en vivo es cada vez más frecuente, aunque existe el riesgo de no contar con este recurso en el momento del show. Le ocurrió, por ejemplo, a Travis Scott en los primeros 40 minutos de un set en Miami.T-Pain, visionario del autotuneEn 2021 fue lanzada la serie documental This Is Pop con un capítulo dedicado al Auto-Tune. En él, T-Pain cuenta todas las luchas que tuvo que afrontar por el uso de la corrección tonal, la depresión y los ataques violentos que provocó –en parte–, el tema de Jay-Z. Él usa este elemento desde el 2003.El vocoder ha sido responsable de innumerables éxitos radiales y estilos. Las voces suenan como sintetizadores y viceversa. Además, produce texturas armonizadas, en consonancia con el trabajo que hace el Auto-Tune en la voz humana.Su gran potencial fue incluido en instrumentos como el popular sintetizador Modular Moog. Algo esencial para la elaboración de músicas como el funk, el electro-pop, el house, el rock experimental, y cualquier tipo de música que emule vocalizaciones robóticas.Algunas canciones legendarias del siglo pasado tienen como marca característica el vocoder: The Raven de The Allan Parsons Project (1975), On the Road Again de Rockets (1978), Prologue de Electric Light Orchestra (1981), P.Y.T. (Pretty Young Thing) de Michael Jackson (1982), Let's Groove de Earth, Wind & Fire (1981), O Superman de Laurie Anderson (1982), Freaks Come Out at Night de Whodini (1984), California Love de 2Pac junto a Dr. Dre y Roger Troutman (1996), Kelly Watch the Stars de Air (1997), o Intergalactic de los Beastie Boys (1998).Artistas clásicos como Kraftwerk, Afrika Bambaataa, George Clinton y Zapp son algunos de los padres del uso del vocoder. Su legado impregnó a músicos posteriores como Daft Punk, Dr. Dre, Outkats, Snoop Dogg, Anderson .Paak o Bruno Mars en el procesamiento y manipulación de la voz.Otros éxitos recientes incluyen el vocoder como creador de atmósferas sonoras soterradas, que aunque no tienen una presencia contundente, su sonido las ambienta de manera futurística o tenebrosa. En esta categoría también se incluyen diseños sonoros para cine y televisión.El sonido que produce este instrumento también es usado en percusiones, sesiones de cuerdas, sintetizadores y líneas de bajo extravagantes y divertidas. Lo más interesante es que puede mantener un carácter analógico, que crea movimientos interesantes en acordes, coros o melodías, en distintos niveles y frecuencias.El vocoder tiene cerca de 80 años pero algunos de sus derivados como lo son el Auto-Tune o su símil el Talk Box continúan y llegaron para quedarse. Su aplicación incluye hoy en día, cualquier estilo y formato musical. Hoy es difícil imaginar la música del futuro sin esta tecnología.
Amantina es el proyecto del colombo-ecuatoriano Daniel Sorzano Perry, quien lideró la banda Les Petit Bastards en su tierra natal antes de radicarse en Bogotá en 2017. Este, su proyecto solista, ha venido publicando sencillos desde 2019, contando siempre con el apoyo de los bogotanos Ricardo Laverde y Camilo Amaya en instrumentos y producción. En 2020 publicaron “En algún lugar de la semana”, un EP pandémico que dejó ver su amalgama de synthpop, baladas milennials y R&B, consolidándose como una de las propuestas más interesantes del circuito bogotano.Tarde que temprano: cómo parar a mirar atrás para poder seguir hacia adelanteEn este, su primer trabajo de larga duración, llevaron su sonido a un nuevo techo que refleja la ambición demostrada en los sencillos que le precedieron. Pero además exploran el deseo y la sensualidad en conflicto con dos grandes problemas: la culpa católica que recubre la ética latinoamericana, y la reflexión sobre los errores que se cometen en el amor.“Con el tiempo me di cuenta de que mucho del daño que he causado, muchos de mis errores, fueron innecesarios”, nos dijo Daniel. Hay que mirar el error de frente. Las canciones datan de momentos muy diferentes de su vida: El Oro es una canción escrita desde los tiempos en los que él tocaba con Les Petit Bastards, mientras que Vivo Nasty fue escrita este mismo año. Y sin embargo, en ese proceso de volver sobre ellas, reescribirlas y transformarlas, se han entrelazado como resultado de un largo proceso personal de repensarse las relaciones.“Las reflexiones que llevaron a estas canciones también me han llevado a desaprender. Los nuevos códigos que quiero para mí mismo implican reconfigurar lo viejo o reafirmar cosas que estaba haciendo bien”. Este es un disco que se inscribe en esa misma categoría pospandémica donde caben tanto Mr. Morale & The Big Steppers, de Kendrick Lamar o Dios y la mata de lulo, de Nicolás y los Fumadores: el de una música que refleja una revisión interna exhaustiva por parte de sus compositores hombres.“Estamos diciendo lo mismo”, dice. Daniel, fue criado en una familia de fe pero abierta a su exploración más allá de la institucionalidad, y que se acercó por el lado de su madre a los oráculos de los ángeles o al tarot. Para él, su música y la de esos otros exponentes es el resultado de reconocer y recoger la realidad de la vida propia con responsabilidad y gratitud a través de terapia o, en general, a través de todo tipo de rituales personales que permiten integrar el disgusto consigo mismo en la narrativa que cada uno tiene de sí para poder transformarse. “No hay que reírse de todo. A veces eso solo sirve para ignorar el daño, pero lo que intento hacer ahora es escarbar”.Desde Tarde que temprano, la canción que más le costó escribir, dice con todas sus letras una afirmación difícil de asimilar incluso hoy, cuando esas reflexiones se dan a nivel mundial debido a tantos justos reclamos contra la violencia patriarcal: “Soy violento”. ¿Cómo dejar de serlo?Vivo, pero a qué costo: cómo cantar el deseo y la culpa como un todoEn el sonido de “Vivo, Nasty”, Amantina logra un ambiente único que refleja las tensiones temáticas de sus letras. Por un lado, hay una paleta de colores dramática, grandilocuente y casi religiosa, como en Nimbo o Lumbre, que recuerda a las producciones de Frank Ocean, FKA Twigs o Kanye West (que incluso samplea en Pararrayos). De otro, presenta una intimidad digitalmente ultraprocesada, un bedroom pop electrocutado y envenenado de sensualidad R&B, en canciones como Tragaluz o Parsimonia. Y en medio de esos extremos están el rock y el synthpop enérgico de Krrusel, Baldío Bien, Vivo Nasty o El Oro, que funcionan como puntos de catarsis o de enamoramiento.Si bien el disco no es narrativo, la producción del álbum funciona como utilería de un gran teatro. Así no lo sugiera directamente, es fácil imaginar estas canciones como la banda sonora de una puesta en escena: un cuarto al que el protagonista siempre llega de otro lugar. A veces solo, destruido, arrepentido, viendo llover con la (des)esperanza de que el mundo acabe; a veces acompañado, con el sol tras las cortinas, lascivo, enamorado o ambas. Contrario a lo que acostumbramos por las tendencias del mercado de música global, Ana María González, Esmarive y Pánico, los feats del álbum, no acaparan el sonido, sino que están siempre en función de construir ese escenario en nuestros oídos.La distorsión y otros efectos sonoros tocan con supremo detalle cada instrumento y cada fraseo, y no hay uno solo de ellos que no se sienta como un color nuevo y hecho a la medida para describir el lodo y la lluvia que pesan sobre almas caídas del Edén, o el éxtasis de los enamorados. La voz es la más afectada, y para Daniel esa creación de texturas a través de distorsiones, reafinaciones digitales y reverberaciones es como escribir un texto con apartados en itálicas, luego en cursiva, luego en negrilla. “No tiene necesariamente una función en cuanto a significados, pero sí sirve para dar intención y tridimensionalidad, y así comunicar una emoción particular”. En esa determinación a generar un sonido original, que consiguió con el apoyo de Camilo Amaya y Ricardo Laverde, está la más notable fuerza de “Vivo, Nasty”.Pero las letras no se quedan atrás. Hay motivos, como el reclamo a Dios o la figura de la condena, que trasladan las imágenes particulares de un encuentro o desencuentro con una pareja a un nivel espiritual o macro. Lo mismo sucede al revés, pues las tormentas que atraviesa, el fuego y la luz que ve en los ojos y en la boca de quien desea (y que lo puede quemar o cegar), o el pararrayos que opone a los relámpagos de una tusa que aún tiene cenizas calientes, convierten estas baladas en una épica que no deja de ser provocativa.Ese universo sonoro que crearon para contarlo es tan autocontenido que algunas canciones, como Nwbd, Si no es Dios, quién? o Lumbre pueden perder fuerza si se sacan del contexto del disco. Pero lo compensan cuatro grandes sencillos y un acercamiento fresco, a la vez muy literal y metafórico, al deseo.Una que otra herida bien abiertaA pesar de ser un disco tan personal, hablando con Daniel supimos que la portada es en realidad una foto de su primo cuando era pequeño. Lo disfrazaron de payaso y le tomaron una foto con una mueca terrible de desagrado, como hace a veces la vida misma con uno, con cualquiera. La vio una mañana, entre otras fotos colgadas en su cuarto, y le gustó simplemente por como se veía. Pero en esa decisión azarosa hay mucha de esa resignación y recogimiento, de esa revisión del pasado para identificar la vergüenza.Estamos vivos pero sucios, marcados, quemados, y continuamos en una espiral de bajada que asumimos y se siente muy bien hasta que miramos atrás. Ahí es cuando duele. Ahí es cuando los hombres, que tanto hemos dañado, entramos en un estado de angustia profunda e inmovilizante.Así, a través de Vivo, Nasty, Amantina explora los “hubiera” de nuestras relaciones y de nosotros mismos de una manera que busca aceptar el peso de los “muertos” que le siguen y le esperan en casa: la tradición, la culpa y el pasado irreparable. Pero también con “una que otra herida bien abierta” que sentimos como una mancha en el corazón y un paso más lejos de nuestra mejor versión, de nuestro yo infantil.
Por el surgimiento de este proyecto le podemos agradecer a MAAS, la plataforma de música que inició hace dos años una búsqueda para encontrar nuevas formas de visibilizar los distintos ritmos que hay en el país, y a la feria La Madame que en en diciembre de 2021 llamaron a Felipe Orjuela para que se presentara en vivo como parte del evento. Durante los ensayos anteriores al toque, la idea inicial de presentar 'Amargura Continental' (2021) se cayó y nació: Felipe Orjuela & La Nueva Estudiantina Electrónica.'El Campeón de Soledad, Atlántico', la canción con la que este álbum inicia también hace parte de 'Amargura Continental', un homenaje al proyecto que le dio el empujón que faltaba para que pudiéramos bailar estas cumbias en un formato live band. A La Nueva Estudiantina Electrónica la integran Pedro Ocampo, integrante de WYK, en el órgano; Davison Sánchez, de Los Cotopla Boyz, en la guitarra; Sebastián Portilla, de Aguas Ardientes, en la batería y Felipe Orjuela en el bajo.Orjuela explica el nombre de la banda gracias a un disco de los 70 llamado 'Tradición en transición' de una agrupación que se llamaban Los Electrónicos: "este disco fue el primer intento que se hizo acá de hacer música tradicional colombiana en otro ritmo" y a una versión posterior que sacaron bajo el nombre de 'La Estudiantina Electrónica'. Un homenaje con gente que está pensando casi lo mismo, 50 años después.Entre covers de 'Banana de queso' de Afrosound, una versión cumbiera de 'Gimme! Gimme! Gimme!' de ABBA, hasta canciones escritas por Orjuela, es lo que nos presenta 'La Nueva Estudiantina Electrónica' (2022), álbum que se se estrenó en junio de este año con una fiesta de lanzamiento en Latino Power. El disco se grabó en enero y en bloque, cuenta Orjuela, salió de una sola sesión de estudio, en Mambo Negro. Muchos de los sonidos que nos recuerdan a las cumbias clásicas vienen de un órgano farfisa. La mezcla la acompañó la ingeniera de sonido María Paula Mondragón, también bajista de Babelgam y el máster fue hecho por Santiago Navas, productor y músico colombiano.Esta banda es rola y ellos lo saben, su apuesta no fue sonar exactamente igual a las cumbias de los 70 que surgieron en la Costa Caribe, fue, en cambio, tomar pedazos de esas cumbias y transpolarlas para que encajaran en el "estalle bogotano" (término 'creado' por la banda rola Los Niños Telepáticos y acuñado por Felipe Orjuela durante nuestra entrevista). Así como en Bogotá, el ruido pasa a hacer una pieza en armonía con el resto de piezas. Un disco poco limpio pero bien pensado.¡La música nos une!
Desde que llegó a nuestras Apuestas 2020, Combo Chimbita se ha mantenido como una de las propuestas más intrigantes de la nueva música colombiana.“Una exploración y una combinación de ritmos del Caribe, de Latinoamérica, de África y de Estados Unidos, en donde principalmente el soul y el afro-beat, se fusionan con sonidos más electrónicos; fusión de texturas y de sonidos contemporáneos; re-imaginación de nuestra identidad desde una perspectiva migrante; una banda psicodélica; un concepto que se resume como futurismo tropical y que implica una reconexión con las raíces dándoles nuevos matices y reinterpretaciones”, así se describe esta agrupación.IRÉ es el nombre de su tercera producción. La trascendencia afrocaribeña, los cánticos desconcertantes, los tambores en auge y la distorsión psicodélica sientan las bases rítmicas de IRÉ, un testimonio del alcance cada vez mayor de la paleta sónica de Combo Chimbita y sus modos de resistencia en los reinos tanto espiritual como terrestre, según describe un comunicado de prensa.El disco fue grabado en Arecibo, Puerto Rico. "Estuvimos allá en una casa frente al mar por un mes, sin ninguna idea de lo que iba a salir, pero con ganas de hacer algo diferente", nos cuenta Carolina Olivero, vocalista de la agrupación.Para Combo Chimbita, cada uno de sus discos es como la pieza de un rompecabezas que también conforma una historia mayor. "Los discos cuentan una sola historia y cada disco es un pedacito", dicen sus integrantes. IRÉ es un disco más "claro" y "luminoso" que sus trabajos anteriores. "Los otros discos tienen un toque más oscuro, sin decir que sean depresivos o algo así. Este, por el contexto en el que se hizo, intencionalmente tiene un color un poquito más claro, más de luz"."Es un álbum con más optimismo, porque es el contexto de la humanidad en que vivimos. Obviamente el arte que hacemos nace de la realidad. Como artista, es lindo cuando logras hacer algo que conecte con lo que está sucediendo y haga que la gente sienta un alivio. Este disco tiene tonos más esperanza, que es lo que necesitamos en momentos de caos".Combo Chimbita, representado por Carolina, nos desmenuzó su nuevo disco canción por canción:OyaEsta canción está inspirada en un músico que se llama Polibio Mayorga, ecuatoriano, que transfirió melodías indígenas al sintetizador. Oya es una deidad afrocubana, representa el viento y la tormenta.En esta canción primero surgió la parte instrumental y no sabíamos a dónde iba a ir. No teníamos ninguna letra, pero fue "a ver para dónde me lleva”. Fue un proceso de sentir hacia dónde navegaba la canción, como un ritual y sentir cómo iba apareciendo.BabalawoSignifica “el padrte de los secretos". Es una figura de la cultura yoruba y tiene una influencia de la rara, un estilo musical de Haití.Cuando uno empieza a escudriñar cosas con los tambores, se le empiezan a revelar muchas cosas: los sueños son un medio de revelación infalible, pero la gente no lo toma en serio.La canción tambén es una conversación que tuve con un babalawo (sacerdote yoruba). La letra es la descripción real de una consulta con un babalawo. Me fuiEl primer tema que creamos. Me parece que refleja la alegría que sentíamos al estar en un lugar tan bonito. Fue algo que hicimos para soltar la imaginación. Hay muchas cosas que se hacen intencionales, otras se dan en el momento. Esa canción fue el comienzo creativo.MemoriaUsamos un "sample" de una cumbia de una biblioteca de samples. Siempre habíamos querido hacer una canción con un sample. La canción era cumbia, pero yo tenía la idea de un bolero.La relación que tengo con el bolero es bien intensa porque me lleva a mi infancia Mi abuelo es la razón por la que hoy canto y el me cantaba boleros.Empecé a meterme en crear un bolero. Narra justo cuando mi abuelo murió, pero no quise hacerlo tan directo. Me gusta que la letra sea más libre e interpretatriva.Arranca como un bolero, pasa por la sicodelia hasta una cumbia sonidera.La perlaEs un sector en San Juan, ver la música tradicional en Puerto Rico fue un enriquecedor. El álbum tiene diferentes ingredientes: uno de ellos es compartir un llamado a disfrutar, a gozar, a bailar. No todas las canciones son introspectivas, hay espacios prara eso. Queríamos una canción para la gozadera.Desde hace rato queríamos hacer algo bien energético, alegre y que fuera para la gente, como ”juemadre de acabó el COVID-19”.Sin tiempoPrimera vez que el Combo Chimbita hace una canción así, por eso me parece muy especial, fue la última que escribí. Fue un reto personal porque uno siempre se va por una corriente.Yo pensaba en las canciones que cantaba mi mamá de Rocío Durcal, una vibra así, pero con el estilo Combo Chimbita, más moderno. Como una balada gótica cumbiambera.Yo me lo merezcoYo hago música pa'l que quiera, pero también pa' mí. Es una canción escrita de mí para mí misma para abrazar y para reafirmar que como sociedad nos merecemos muchas cosas: poder salir en libertad sin tener miedo a ser atacada, por ejemplo.Esta canción es todo eso, nos merecemos una sociedad diferente, muchos cambios, pensar en un futuro y un presente positivos.IndiferenciaEsta canción también es parte de una tanda de una potencia tropical, una especie de rocksteady. Con respecto a la letra, queríamos decir que lo que más mata es la indiferencia: matan a alguien y lo primero que haces es sacar el celular y grabar.Cuando uno está en esta área del arte, todo el mundo está en una competencia grande por "likes". Si tienes tantos likes te ponen en un pedestal: tu arte está valorizado por eso.De frenteYo quería hacer como un merengue “ripiao”. Tenía una idea de melodía y cada quien le fue poniendo lo suyo. A mí me gusta Banda Real, un grupo de merengue típico. Habíamos dicho que queríamos una canción así, muy sencilla. Es como una canción de “tiradera”, como “háblame de frente”, muy ”tigresa”.Lo que es mío, es míoEl reggaetón del disco. Fue una de las primeras canciones que salió en Puerto Rico, el reggaetón se respira allá. Queríamos comunicar esa frescura, esa alegría, la vibra caribeña que es sanadora y, viniendo de la ciudad, te impregna.Una canción que no nos tomamos muy en serio. Nos atrevimos a arriesgarnos y componer desde otro lugar. Ese “beat” es de reggaetón pero forma parte del Caribe, es un ritmo de otras músicas también.Es una letra más relajada y sin tanta cabeza, hacemos lo que nos da la gana. El mensaje es que podemos hacer lo que queramos pero siempre vamos a ser nosotros.Mujer jaguarEl jaguar aparecde en todos los discos del Combo Chimbita porque es una guía espiritual, estamos siempre tratando de conectar con la ancestralidad, y en todos los discos hay al menos una mención al jaguar.El jaguar representa el balance: es muy importante en las espiritualidades ancestrales, por eso siempre lo tenemos en cuenta.Cuando la escribimos estaba ocurriendo lo de las manifestaciones en Cali y yo sentía que esta canción me llevaba a un estado de lucha, como de" vamos a la calle y nos vamos a manifestar sin miedo".Es una canción que no quería decir nada explícito más que una carga energ´etica muy fuerte. Jugué con onomatopeyas para darle un sentido más de dinámica en la voz. Es un grito de guerra.Todos SantosEsta y Mujer Jaguar nacieron en la realización de un video. Este video se realizó en Cali a comienzos de agosto, llegamos a Cali en agosto en medio de todo esto.Fue hecho por La ruta, un grupo de gente joven que hace trabajo audiovisual en Cali, fue especial haber podido hacer parte. Era un momento en donde no todo el mundo quería exponerse y meterse en esta cuestión creativa porque socialmente todo estaba muy caótico.Lo bonito de la experiencia fue colaborar con gente que quería hacer algo y plasmar todo esto que estaba pasando. Para nosotros realmente fue una bendición empalmar nuestras ideas musicales con lo audiovisual.
Imagínense la escena. Ocurre en un apartamento al norte de Bogotá. Uno en el que suenan recurrentemente, y a todo volumen, canciones de AC/DC, Juic Wrld, Bad Bunny o alguna del Ferxxo. El mismo en el que duermen seis amigos como empanaditas en un colchón. La fiesta estaba muy buena o la tubería muy mal lograda pero el apartamento se inunda y saca corriendo a los Brokix, que habían viajado desde Cali para conectarse con productores de la capital, para Medellín.Estas son las 12 Apuestas musicales Shock 2022“Tenemos fe de que nos vamos a pegar y vamos a pagar la deuda de la casa que se nos inundó”, me dijo Kryan a finales de 2021 cuando ya se habían instalado en Medellín.No sé si ya se pegaron (o si ya pagaron la deuda), pero este trío de muchachos de 22 años que conforman los Brokix (Jayce, Kid Nicco y Kryan) parece que van en camino. Cuando me contaban la historia del apartamento navegable recién se bajaban de la tarima de una fiesta de reggaetón en el Medellín Music Week junto a DJ Pope y el combo paisa 574. También planeaban anunciar el lanzamiento de su primer álbum, su participación en el concierto de FEID y en La Solar en febrero de 2022.En agosto de 2021, de hecho, con apenas cuatro canciones al aire, ya habían probado finura en una tarima caleña. Llenaron dos toques y presentaron un tema, Rockstar, por primera vez en público. No había pasado un día desde su lanzamiento y los que fueron ya se lo sabían.“En Cali la gente está acostumbrada a que le pongan perreo todo el tiempo. Parar de perrear y ponerse a brincar y cantar un tema con esa euforia, cabrón, eso no pasaba hace mucho”, decía Kid Nicco sobre esas noches.Cali GangCuenta Jayce que el proyecto Brokix empezó a coger forma en 2018 en Cali, cuando empezaron a hacer música con el colectivo Cali Gang del que hacían parte también Kexxy Pardo. Fueron ellas, después de firmar un contrato con Universal, las que les avisaron: “caigan a Bogotá que acá está pasando algo”.“Arrancamos haciendo música allá y ellas se fueron para Bogotá. Vieron que había movimiento y nos conectaron con productores. Llegamos a ese apartamento a dormir en colchones. Todo de cero. Llegamos a una sesión con Arguello y él se convirtió en nuestro productor base y nos presentó al equipo que tenemos ahora. Ahora estamos en Medellín porque acá hay mucho meneo, se mueve mucho. Uno llega acá y todo el tiempo se encuentra gente. El movimiento es por diez”.El estilo de los Brokix no está hecho para rockistas viejunos ni para puristas. Al mejor estilo del rap sureño, o, mejor dicho, del trap gringo, le sacan jugo al autotune y lo utilizan como un instrumento transversal.La cresta roja y afilada de Jayce o las camisas de Def Leppard que suelen usar tampoco son simplemente decorativas. La música de los Brokix hace uso tanto de la forma y el formato del rock ochentero como del pop punk y el emo dosmileros.Su primer álbum, titulado Los niños del 2000, no podía ser más descriptivo. Es puro emotrap y rock trap y ya tienen en camino un segundo álbum, dicen, rock reggaetón. “Fusionamos eso y sonó cabrón”.La historia de Brokix contada por ellos mismosNacieron en Cali tres pelados que les encantaba meterle a la música. Se reunieron cuando estaban en su adolescencia. Se dieron cuenta que les gustaba muchísimo y se fueron a otra ciudad: la ciudad de las bendiciones, que era Bogotá.Dejaron sus humildes casas para irse a una ciudad desconocida, llena de monstruos, tiburones hambrientos y gente que quería aprovecharse. Les empezó a ir bien, empezaron a conocer muchas personas y, en esas, pasó un tsunami en el hogar de ellos.Se metieron en demasiados problemas, pero sabían que tenían que cumplir una misión para salvar a sus familias.Empezaron a trabajar, conocieron mucha gente en medio de ese suburbio y empezaron a hacer música.Hasta que nos dimos cuenta que la música sonaba bien, entonces decidieron hacer una banda llamada Brokix. Lanzaron su primer sencillo que fue Hace meses y, desde entonces, vivieron felices por siempre.Los personajes que describen a los BrokixJayce: Crash Bandicoot, porque siempre soy el que tiene un poquito más de energía. El personaje es muy loco.Kidnico: Bart. A mí me lo han dicho mucha gente, porque soy insoportable a veces. (Los demás lo confirman)Kryan: Yo sería como PJ de recreo. un personaje de una serie de Disney de una escuela donde había un parche en el que PJ era un líder muy relajado, muy fresco y muy parchado.Sus videojuegos favoritosHalo, Fortnite, Lol y GTAEl Festival de sus sueñosAC/DC, Travis Scott, Drake, Bad Bunny, Duki, Tiago, Blink 182, Machine Gun Kelly, Guns n Roses, Sum 41, Nirvana. XXXTentation, Brokix, FEID, Diomedes DíazLas favoritas de Brokix - La Playlist
Dhito Florez lanzó Roriyero, su primer EP, a principios de 2022. Hablamos con él sobre sus inicios en Condoto, sobre la diferencia entre afrobeats y afrobeat y sobre vivir en la capital del perreo probando distintas tonalidades, flows o intenciones.Por Santiago Cembrano @scembrano En Condoto —pueblo negro en Chocó, tierra negra— viven poco más de 15.000 personas. Una de ellas, la profesora Myriam, del kínder Niña Ceci, puede presumir de tener un oído especial para detectar el talento. Hace varios años notó que había algo especial en una niña llamada Gloria Martínez y la motivó para que continuara en la música. Gloria luego se llamó Goyo y, con ChocQuibTown, se hizo una estrella. Años después, también en Niña Ceci, la profesora Myriam eligió a Fernando Flórez para cantar algunas baladas en un acto cívico. Apenas estaba en kínder, sí, pero recuerda que disfrutó recibir los aplausos al final de su presentación. Recuerda que pensó que ese momento era una señal: “Sentí que lo estaba haciendo bien. La profesora Myriam me dio la bendición. No sé, fue el destino”. Fernando ahora es Dhito Florez, cantante de 25 años. Su voz se ilumina cuando recuerda ese primer contacto con la música, así como cuando describe a Condoto como un pueblo con una riqueza cultural inmensa en el que los niños pueden organizar una orquesta rápidamente con instrumentos de lata y plástico, un pueblo de atardeceres hermoso, un pueblo que está superando los golpes que le dio la minería ilegal. A principios de 2022, Dhito lanzó Roriyero, su primer EP. Este es el puerto en el que atraca, o desde el que zarpa, la embarcación que venía construyendo desde que escuchaba Tiziano Ferro y Rodolfo Aicardi con su mamá, desde que grabó en un casete un cover de Enrique Iglesias, desde que escribió un romantiqueo cuando llegó la hora de componer su primera canción, desde que participaba en todos los eventos del pueblo donde pudiera cantar sus covers y desde que se atrevió a cantar por primera vez un tema suyo cuando estaba en décimo.“Roriyero es arte, es mi vida expresada en música. Lo hice para conectar con mi gente. Hasta ahora me ha funcionado. Resumí mi historia lo más que pude”, explica. Y su historia, este EP de cuatro canciones suena, principalmente, a afrobeats. Ojo, afrobeats, en plural, no “afrobeat”. Fela Kuti, padre del afrobeat, marcó el rumbo hace 50 años al poner a conversar a la música nigeriana con el jazz y el funk. Esa tradición, al fusionarse con rap, R&B y dancehall, deviene afrobeats, corriente que estalló en 2016 a partir de One Dance de Drake con el nigeriano WizKid —superestrella del movimiento. La escritora y crítica cultural surafricana Robin Scher dice que el afrobeats es la evolución y la antítesis de su ancestro: surge de él y se opone a él, a todo lo que el movimiento de Kuti representaba. El hijo vive más en sintonía con el pop que con la resistencia política del padre. La diferencia que hace una letra, ¿no? Bueno, una letra y medio siglo, otro mundo.También les recomendamos escuchar | Jossman: Afrobeat con temple del Pacífico***Dhito reflexiona y responde desde el barrio Boston, cerca del centro de Medellín. Es casi la madrugada y antes estaba ocupado en el estudio. Habla con suavidad. Recuerda su infancia y un casete negro con morado de Don Chezina que escuchaba en la casa de un vecino cuando todavía se escuchaba música en casetes. Entonces las baladas quedaron atrás: Siguió la senda del reggaetón y, cuando se graduó, ya se había presentado con sus amigos en todos los colegios de Condoto, rito de paso para ser cantante en Colombia. No eran tantos, como seis, pero le gustaba esa vida. Tanto le gustaba que perdió décimo grado. Por farandulero, por estar pendiente de las mujeres, admite. Entonces su papá, como castigo, lo llevó a trabajar una semana con él como albañil. No aguantó y entendió: no podía botar el tiempo por ahí, tenía que invertirlo en su crecimiento. Entonces se fue para Bogotá: “No sabía qué iba a hacer ni cómo lo iba hacer, pero quería ir por lo mío. Tenía que buscar lo mío”, dice.Tras un par de años en Bogotá se mudó a Medellín. Allá lo cogió la pandemia, que lo golpeó como cinco puños en la nariz. Acostumbrado a callejear, no soportaba el encierro y sus ataques de ansiedad se hicieron más frecuentes. Decidió, entonces, volcar su energía en su música. Pero, antes de hacer más música, necesitaba un plan. Llevaba ya muchos años avanzando sin un norte fijo, entonces buscó una brújula que lo guiara. No la encontró en sus amigos, a los que intentó motivar para ponerse las pilas y coger la música más en serio. Entonces, Google fue su mejor amigo y así llenó un cuaderno con lo aprendido: ¿Cómo podía hacer dinero con su música? ¿Cuál era la mejor forma para registrar sus canciones? ¿Qué proceso debía seguir para estar en las plataformas? La llegada de su manager, Henry Lozano, fue el catalizador que necesitaba, un aliado para ejecutar su plan. Hoy están soñando, dice, pero rápidamente se detiene y corrige: “Bueno, no, soñando no. Estamos cumpliendo metas poco a poco, paso a paso, para poder llegar al objetivo que queremos”.De la ejecución de ese plan minucioso nació Roriyero. Como todavía necesitaban productores, Dhito le habló al cantante chocoano Yucid El Sobrino y entablaron amistad. Él lo conectó con los hermanos Pipe y Juan José Calderón. En el camino llegó DJ Zaa. Ese fue el elenco con el que Dhito trabajó para crear los ritmos del proyecto. Primero necesitaba los ritmos: “Yo no soy tanto de coger un lápiz y empezar a escribir. Cuando tengo la pista, cojo el celular y empiezo a grabarme. Y ya cuando tengo la melodía es que le meto la historia”, cuenta. Un beat ya existía, otro se hizo con una referencia de YouTube, otros se hicieron desde cero. A la base del afrobeats (Pa’ Mi) le añadieron soca (Una noche), dancehall (El Juego) y trap&B (Mi Todo). En Roriyero no hay reggaetón, insiste Dhito. No hay reggaetón aunque ahora él viva en su capital, porque el beat le parece más bien básico; la letra, monótona. El afrobeats, en cambio, le abre más posibilidades para probar distintas tonalidades, flows o intenciones. Por eso le encanta y lo celebra.Pero Roriyero sí comparte con el reggaetón la temática. Dhito dice que en este EP resumió su historia, y esa historia es la de la relación un una exnovia, un amor que lo marcó, intenso y rocoso. Un amor que no pudo ser más cuando ella se fue de Colombia. Cada canción es también, entonces, un recuerdo. Su enfoque lírico es decididamente minimalista. Él usa apenas las palabras necesarias para acompañar las pistas, las melodías, los coros y los chanteos que son los verdaderos protagonistas de cada track. Lo mantiene sencillo, tanto que la letra se acerca a lo genérico. Pero por eso el disco, como la mayoría de la música que funciona para las discotecas, puede ser una vasija en la que quien escucha puede volcar su experiencia, o como un espejo en el cual verse reflejado. Sus propias vivencias las complementó con las de amigos y las personas que lo rodeaban mientras hacía Roriyero: relatos de corazones llenos, rotos y confundidos. "Nuestro amor fue de vacaciones / Yo te hablo claro, fue de condones", entona poéticamente en Pa’ Mi, que lamenta las dificultades que lo separan de su amada. "Ahora quiero una noche contigo / Pa’ poder llevarte donde no haya testigos", promete en Una Noche. Y así sigue la vuelta, mientras él canta y recita y ambas a la vez.Lo simple de las letras no debe tomarse como una señal de que el de Roriyero fue un proceso fácil para Dhito. Aunque contaba con el apoyo de los suyos, nunca había desconfiado tanto de sí mismo, porque nunca había sentido tanta presión. “Quería llevar un contenido de calidad. Ya no era hacer música con los parceros como hobby. Tenía que ser rentable. Por eso sentía que todos los temas tenían que ser palos. Y entendí: voy a hacer música pensando en que quiero hacer música. Y si sale el palo, bacano. Y ahí fue que me solté”, cuenta sobre la revelación que desbloqueó un coro mientras estaba en el bus. Ahora está convencido de que solo le falta la oportunidad para cumplir sus sueños. Tiene la certeza de que nadie lo parará en su misión de aprender y expandirse. A veces sus palabras suenan a cliché, él lo reconoce. Pero no por eso dejan de ser verdaderas, enfatiza.***La conversación vuelve al afrobeats y a Chocó. Es la música que Dhito ama, la que plasma su alegría y su energía. Y además, es la que se conecta con su raíz, con quien es, con cómo entiende su territorio y su casa. “Este EP es muy mío porque es mi identidad, me hace sentir libre. Es la música mía, ruda pero sutil. Puedo moverme, expresarme con mi cuerpo con movimientos fuertes: eso es característico de mi gente. Es nuestro ritmo. Esta es música afro que debe ser tenida en cuenta. Así libero mi tensión, mi ansiedad, mis pensamientos. En Roriyero está lo que me marcó toda la vida, y lo expreso a través del espacio que tengo: el afrobeats”. Por eso, afirma, quiere influenciar a las masas con su sonido, poder cambiar estados de ánimo con temas alegres para que un oyente desprevenido se pueda parchar y relajar.En el camino de expandirse, Dhito no olvida su casa, la alegría de Condoto y la felicidad que le dio poder tocar allá en diciembre del año pasado, recibir elogios y ánimos de su familia y amigos que siguen allá. En el título de este proyecto vive un homenaje: el roriyero es la tela que usan las mujeres en el Pacífico para cargar objetos pesados sobre su cabeza. Así, este disco es una tela con la que él carga sus memorias. Ahora continúa caminando y soportando el peso. Ya tiene un norte. Ejecuta su plan. Agradece. Canta. Sonríe.
Las listas de tendencias de pop en el 2021 ya lo anunciaron. Y los traperos y reggaetoneros también están dando un giro inesperado. Todo indica que, el 2022, será el año del regreso del pop punk. Y acá nos explican el origen de la profecía.Por Pepa Lopera - Gurú MusicalDespués de devorarme sagradamente las tendencias musicales de Spotify de cada viernes, y de revisar las playlist oficiales de canciones más escuchadas en el 2021, voy a jugar a Walter Mercado y a revelar una predicción musical: en 2022 regresará con fuerza el Pop Punk. ¿Por qué?Entre lo más escuchado del 2021 tuvimos, como siempre, artistas revelación, canciones reencauchadas y algunos viejos conocidos que reaparecieron en la escena musical. Y toda esa información nos da indicios de lo que se viene, así que empezaremos con las revelaciones del año.En el puesto Nº1 de los charts de spotify (y Nº1 en mi corazón) aparece Olivia Rodrigo (con Driver License en el puesto Nº 1 y Nº4 con Good 4 U).Esta cantante, de no más de 18 años, saltó a la fama con el protagónico de la serie de Disney High School Musical y, como era de esperarse, una vez terminado su contrato emprendió su carrera musical como solista.Para nuestra sorpresa, su álbum debut SOUR no es una mezcla de sonidos pop, dulces y alegres, sino que apela a recursos del neopunk.En Good 4 U, por ejemplo, se puede oír un bajo robusto, una batería típicamente dosmilera y un par de guitarras con algunos efectos de distorsión, generando la sensación de estar escuchando Misery Business de Paramore. Y cómo no, si es que prácticamente se puede poner una canción sobre otra y suenan perfectamente sincronizadas (ya existe el mashup de las dos canciones y está disponible en youtube).Tanto es el parecido entre las dos canciones que el pasado 25 de agosto de 2021 se les otorgaron créditos de la canción de Olivia a dos de los integrantes de Paramore.En segundo lugar tenemos a Willow Smith, quien lanzará en Julio de 2022 el álbum Lately I feel everything, que, según Google, es un álbum de Pop punk, Pop rock, Rock alternativo, Indie rock, Emo y Nu metal.Una clasificación significativa, pues en el álbum colabora con Travis Barker (baterista de Blink 182) y con Avril Lavigne.Este empujón de sangre nueva dio pie para que el pasado 10 de Noviembre esta dupla de legendarios lanzaran el sencillo Bite Me, una canción auténticamente dosmilera desde la producción musical hasta la producción del video, casi como si se hubiesen mantenido estáticos en el tiempo.Vale la pena mencionar que este sencillo no fue el regreso de Avril, ya que en el 2019 había lanzado Head Above Water, un disco mucho más adulto, en el que se destaca la destreza vocal de la cantante con algunos tintes dramáticos tipo Adele. Sin embargo, sin decir que fue un fracaso, me atreveré a decir que no hizo el mismo ruido que el lanzamiento de Bite Me.Por otro lado, dentro de las 50 canciones mas escuchadas del 2021 en Spotify entraron dos canciones viejas. La primera, Beggin, originalmente lanzada en 1967 en un género poco conocido llamado northern Soul, y relanzada este año por la banda italiana MÅNESKIN. Según Google, y según mis oídos, suena a Pop Punk. La segunda, fue Sweeter Weater de The Neighborhood, lanzada en el 2013 pero convertida en tendencia.Esto, para mí, no es una simple coincidencia. Es la consecuencia de una nueva generación dándole un segundazo al Pop Punk: esos pelaos que nacieron después del 2003 nos han salvado y estamos agradecidos.Recomendado sobre el retorno a los 2000 | Los 2000: la angustia que tal vez no queríamos revivirAhora, como la viralización hoy no conoce fronteras, he notado un fenómeno similar con artistas latinoamericanos.Para nadie es un secreto que ya no se hace música como antes, y mucho menos reggaetón. Sin embargo, es diciente que en 2021 el Grammy a “Mejor álbum de género urbano” se lo llevara El Último Tour del mundo de Bad Bunny.Es diciente porque, por más de que en todas sus canciones se escucha el típico trap latino que lo llevó a la fama, en este álbum se puede escuchar Ska, Indie, Rock Alternativo y, sí, Neo Punk. (Adjunto pruebas: Yo Visto Así - Bad Bunny).En Colombia otros viejos conocidos del perreo, Piso 21, se subieron a la ola con la canción Mató Mi Corazón. Un tema que suena más como Adam Song de blink-182 que como cualquier cosa que haya sacado antes el cuarteto paisa.Otro de los artistas latinoamericanos tratando de ubicar su música en las tendencias es Danny Ocean, quien antes de finalizar el año sacó Rubia Sol Morena Luna, una canción que pone a Ocean como el vocalista de una banda sólida de Pop Punk.Curiosamente, esta canción es homónima de una de Caramelos de cianuro, lanzada hace nueve años dentro del mismo género. No sabría decirles si este lanzamiento fue un éxito o no, pero la realidad es que este será nuestro 2022.Así es que presagio un desesperado intento de los artistas de reggaetón en montarse en canciones de géneros con formatos más robustos de música en vivo. Auguro el regreso de los solos instrumentales y predigo que este año llegarán las colaboraciones más raras e inesperadas de la historia de la música. Ojalá un Travis Barker en co-producción con el gran Benito Martínez. Y también anuncio el nacimiento de lo que llamaremos, a partir de ahora, Trap Punk.Hasta aquí les acompaño, que el 2022 llegue lleno de música y conciertos para todos.Con amor, Pepa Lopera
En 2021 vimos y vivimos la reapertura de muchos escenarios. Los artistas locales volvieron a ver al público sin tener que imaginárselo mientras veían el lente de una cámara.Mucho tiempo de grabación, mucho esfuerzo y muchos de los cortes que los músicos se guardaron durante estos años o abrebocas de proyectos futuros quedaron registrados en esta lista de 15 EP colombianos (compilaciones de menos de 30 minutos) que complementan nuestra lista de 35 álbumes favoritos. Lanzamientos que nos hicieron bailar, reconocernos, reflexionar, ilusionarnos, amar, lagrimear ante el desamor o el fracaso y, también, olvidarnos un rato de los problemas.Pueden completar esta lista leyendoLos 35 mejores discos colombianos de 2021. Las 50 mejores canciones colombianas de 2021. #1. Fiebre - Yo No la Tengo Fiebre, el EP debut de la banda bogotana Yo No La Tengo, lo sacude a uno de entrada con Todo mal. No solo a punta de unos guitarrazos rabiosos que empiezan sin avisar, sino con una serie de letras del tipo "no le importas a nadie", "tu papá no te quiso ni ver", "mi zona de confort es estar bajo tierra, pero soy mejor que los demás". Son seis canciones de punk o postpunk o lo que sea pero que en cualquier caso dan ganas de liberar la rabia y que nos recuerdan que no hay por qué "ser feliz", ni "vibrar alto", sino ir a escuchar algo así en vivo, saltar, cabecear y sudar. // Por Fabián Páez López#2. Panthera - Komba Se supone que Panthera sería un larga duración de once temas, pero la Ley de Murphy actuó y a Komba se le refundieron los archivos que tenía listos para publicar. En el proceso de reconstrucción regrabó los seis temas de trap flowsero o "Trap & B" que conforman este EP, al que mejor hay que llamarlo Panthera Volumen 1, porque continuará hasta formar un álbum. El nombre del EP es salvaje y conecta con su personalidad artística. Muchos no lo saben pero su a.k.a viene del lenguaje muisca donde ‘komba’ significa jaguar, ser vivo que junto con la pantera integran parte de la familia felina del reino animal. // Por Sebastián peña #3. Más Canciones Crudas - La Muchacha En años recientes, La Muchacha se ha destacado como una de las cantautoras más auténticas en la música colombiana. Como lo propone el título, en Más canciones crudas nos muestra más de su mirada sobre temáticas como la política colombiana o el acoso callejero. Se destaca en el álbum Canción del Hecho Confuso, una no muy sutil narración sobre las ejecuciones extrajudiciales. Un trabajo que ratifica a Isabel Ocampo como una de las más grandes compositoras y letristas de Colombia hoy. // Por Paula Ricciulli#4. Mirow – Mitú (EP) Mirow es música para mirar por la ventana, tejidos sónicos que gravitan sobre el horizonte a divisar. Si el concepto de Intelligent Dance Music (IDM) se aplica a la música que se considera "pensante” y apta para escuchar en casa, estas seis canciones derrumban dicha noción aspiracional y la trasladan al extenso verdor de Mecklemburgo, región donde la experimentación del dúo cobró un sentido mucho más casto y acústico. // Por Cristian Cope Lean aquí la reseña completa #5. El paraíso de las puertas - Margarita Siempre VivaLa propuesta de Margarita siempre viva está llena de nostalgia y melancolía. La banda oriunda de Bello, Antioquia, hizo una revisión de canciones que tenían guardadas, y algunas de ellas llegaron este EP, un trabajo con el que mantienen el sonido indie y letras muy introspectivas al que nos tienen acostumbrados. Margarita nació con un ánimo experimental y esa experimentación les ha permitido ser una banda sumamente prolífica y cada vez más madura en su sonido.// Por Paula Ricciulli#6. Línea Recta - ValeLínea Recta está conformado por nueve temas y como ya dijimos en la reseña del EP: está delicioso porque las hermanas consideran que fue un proyecto creado como un plato de comida. Tomó mucho tiempo para que otros puedan saborearlo, disfrutarlo y degustarlo. La conexión entre música y gastronomía aquí es perfecta porque ambas son un arte subjetivo que sabe distinto dependiendo del paladar. (Igual no nos cabe en la cabeza que alguien no se deleite con la voz de Valeria o Valentina Pérez). // Por Sebastián Peña#7. I. Propósito - Brina Quoya Este EP consta de 3 canciones que vienen gestándose desde 2019 y que hacen las veces de introducción para un disco que se lanzará en 2022. Sus sencillos revelan procesos íntimos y emocionales respecto a otra persona con quien se tiene, o se tuvo, un afecto profundo. En este trabajo, Brina resignifica el fallo como una oportunidad para crecer y aprender de él. Musicalmente tiene influencias de neo-soul, trip-hop, pop y rock alternativo. // Por Paula Ricciulli#8. Párpados cerrados - DuplatDice Duplat, músico, pianista y matemático Bogotano, que con este EP de siete cortes quiso “despedirse de la nostalgia excesiva y la música quejumbrosa y adolescente”. Pues, en efecto, así suenan los temas de Párpados cerrados (incluidos el intro y el cierre instrumental de piano): como una película triste que termina con una despedida, pero que dan ganas de repetirse una y otra vez. Tema recomendado: Las sombras del ayer. // Por Fabián Páez López#9. Elevado - Skinny Man Luego de salir del colectivo Trapical Minds, Skinny Man tenía el reto de demostrar su identidad como solista y plasmar en sus nuevas creaciones todo lo aprendido a lo largo de estos años. Se tomó su tiempo, duró unos meses en silencio y debutó fuerte con varios sencillos en los que deja ver su versatilidad. El artista, además, adoptó una estética que ha sido el hilo conductor de sus lanzamientos en 2021. Este EP de 10 minutos es un paseo por varias sensaciones sonoras donde hay trap, pop alternativo, dembow y hasta una especie de salsa bien novedosa. // Por Sebastián Peña#10. Vida de rey (EP) / Mañas Ru Fino y Juan Sinatra Seis canciones que juntan a dos de los emblemas de la movida del rap paisa: Mañas Ru-Fino (Doble Porción) y Juan Sinatra. Seis canciones con beats y flows difíciles de agrupar. Tiene un arranque viajero (Traje de flores), un trap oscuro (Vida de Rey), un R&B más acuoso (Todo en el asador) y un tema de trap popero y autotuneado (No miro atrás). Muchos espectros y un ánimo experimental refrescante y genuino. // Por Fabián Páez López#11. Manglar - Soul AM & Ruzto Manglar no solo es el junte entre el productor de Medellín Soul AM y el rapero bogotano Ruzto. También es el corto que el cineasta bogotano Juan Gordon grabó en Necoclí —en el Urabá antioqueño— con los dos artistas y actores naturales necoclicenses. Para hacer Manglar, representaron situaciones de su vida a través de analogías enraizadas en el manglar. Cuando lo visitaron, entendieron que sus realidades, aunque distintas, tenían muchos puntos en común. Soul AM puso los beats y Ruzto acabó de crear el universo. Sus letras sencillas, aunque agudas, más su interpretación con inflexiones melódicas le dan forma y sentido al universo del disco. // Por Santiago CembranoLean aquí la reseña completa #12. ARENA - Dylan Fuentes x DaramolaLa riqueza en el sonido de estas seis canciones es producto de muchas horas en estudio, entendiendo y familiarizándose con cada instrumento y armonía que llegaron al proyecto. El productor nigeriano fue vital para el sonido de las canciones que integran el EP. En Arena se nota la madurez musical de Fuentes, en las canciones el hilo conductor es su estilo, tono de voz, forma de expresión y flow. // Por Sebastián Peña #13. Cortezz - Tamezz Sin hacerle mucho ruido el rapero de Medellín Tamezz lanzó este EP de cuatro cortes que a primera escucha parece una rareza en crudo, pero que en el fondo juega con la estética del rap de un modo poco explorado por estas tierras. Beats pegajosos, grano, lo-fi, melodías que se apagan. Un nombre para tener en el radar. // Por Fabián Páez López#14. Amigas para siempre - Las YumbeñasCon sus trabajos anteriores Me cansé de llorar, voy a vomitar y Yumbotopía, La Yumbeñas nos transportaron a un universo rosa lleno de pop punk visceral y honesto con referencias al anime y a la cultura pop. En Amigas para siempre nos muestran una faceta más melancólica, cándida, y algo nostálgica, sin dejar de lado la capacidad de reírse de sí mismas que tanto nos gustó de sus primeros discos. Una experimentación que dio sus frutos. // Por Paula Ricciulli.15. Mis Amores - Paula Arenas Mis amores es un EP de seis canciones dedicadas a los grandes amores de la cantante: su esposo y su hijo. "Lo hice en pandemia, no habla del tema de la pandemia, pero sí habla del amor de unirse a la familia, de ser madre por primera vez, de todas las experiencias y vivencias nuevas, de ahí empecé a hacer esta recolección de canciones, unas ya estaban, otras las hicimos desde cero” cuenta Paula. La historia viene desde el día que se casó: ella quería hacer algo especial y en vez de escribir los votos, decidió crear una canción y junto a Juan Pablo Vega y Julio Reyes Copello escribieron A tu lado, el primer corte del EP. Así empezó un camino que la llevó a ser nominada a los Latin Grammy y a los Grammy Awards. // Por Alfred Lord
Después de un año de agitación social, incertidumbre pandémica y miedo a salir a la calle no queda mucho más que agradecer a la música y a los artistas por dar la cara y por regar la bola cuando arreciaba la violencia.Si hubo un fenómeno que definió la movida musical en 2021, sin duda, fue justamente ese: su relación con las manifestaciones.A propósito, pueden leer| ¿Cómo cambiaron las tendencias de consumo musical en Colombia durante el paro nacional?Este año corroboramos que de los ánimos de reinvención que nos trajo el virus no quedaron sino los QR en los restaurantes y en las chaquetas de los policías. Por suerte, o mejor, por desgaste, en la segunda mitad de 2021 se desatascaron muchos lanzamientosLuego de escuchar casi un centenar de álbumes nacionales durante este año turbulento, votamos y recomendamos esta lista de 35 que intenta ser abarcativa en ritmos, estilos, origen y alcance.Sobra explicar, como siempre, que esta es una selección editorial de lo “mejor” según el criterio editorial del equipo de Shock (sabemos, en todo caso, que ya pasó de moda creerse descubridor de la subjetividad), así que, esta nuestra lista de 35 favoritos colombianos y un bonus. Esta lista la complementan Las 50 mejores canciones de 2021 y Los 15 mejores EP. Los 35 mejores álbumes colombianos de 2021 según Shock #35. A dónde vamos - MoratLa banda tiene la fortuna de contar con una base de fans que les copian en cada movimiento que hacen. Este disco es fiel al sonido que Morat ha consolidado a lo largo de su carrera y que los ha hecho girar por América y Europa. Por fortuna, Martín, Simón, Isaza y Villamil tienen un show en vivo que respalda el hype de sus canciones. // Sebastián Peña#34. Sol - ¿Téo?A ¿Téo? (Mateo Arias) probablemente algunos lo conocen por ser amigo de Jaden Smith, porque Justin Bieber publica videos bailando sus canciones o por ser el hermano menor de Moisés Arias (quien actuó de niño en Disney y recientemente en la película Monos). Los medios no le han dedicado muchas líneas a su carrera musical (tal vez por la cantidad de signos en su nombre artístico), pero, ahí donde lo ven, en 2021, el menor de los hermanos Arias, con apenas 26 años, apareció en Blast Beat (película que protagonizó junto a Kali Uchis) y estrenó Sol, un disco cálido y revelador que los va a hacer sentir mal por quienes no lo han escuchado. Es su segunda placa y en la que más se le nota que sus papás son paisas, o las idas y venidas a Medellín y Marinilla. Se desliza con naturalidad entre el perreo, el trap y la bossa nova y se consagra, quizá, como la única persona en el mundo a la que le suena refinado un reggaetón en el que usa las frases "Tolerancia, consideración y paciencia" y "Mami, pasemosla de locos". ¿Téo? se las trae y acá ya les habíamos avisado. // Por Fabián Páez López#33. Los últimos buses de colores - La mambanegraEn esta orquesta caleña convergen la salsa neoyorquina, la música jamaiquina, el funk, el hip-hop, entre otros sonidos africanos. Su más reciente disco es una carta de amor a Cali: el título hace referencia a las compañías de buses de la sultana del Valle que en vez de nombres de rutas se llamaban como los colores de los buses: Blanco y Negro, Azul Plateada, Crema y Rojo y Papagayo Ruta 6. Son 10 canciones potentes con toda la mística de la capital del Valle, 10 himnos caleños con los que es imposible quedarse sentado. // Por Paula Ricciulli#32. Como el mar - María Cristina PlataLa cantautora explora la tenacidad, la nostalgia, el dolor y la confusión a lo largo de las 10 pistas que integran este proyecto discográfico. El disco entero es un proceso de aceptar y soltar. Por eso el orden de las canciones también tiene un sentido: son el resultado de una transformación personal en la relación que se tiene con el prójimo y con uno mismo. // Sebastián Peña#31. Young King - Kevin FlorezLa champeta viene de África y esa es la búsqueda de Kevin Florez en Young King. El tercer álbum del cantante cartagenero le suma dancehall (como en el Passa Passa Soundsystem) y afrobeat al sonido picotero que lo convirtió en uno de los referentes de la nueva ola de la música del Caribe colombiano. Una mezcla exitosa de sonidos que da cuenta de la evolución del músico en la última década y su interés constante por explorar la champeta y sus posibilidades. // Por Paula Ricciulli#30. Pueblos futuros - Animal BlancoCon una narración enternecedora y triste, Andrés Gualdrón, viejo conocido de la escena independiente de Bogotá, inaugura una nueva rama de su árbol genealógico musical llamado Animal Blanco. Este es un proyecto cantautoral íntimo y revelador en sus búsquedas. La singularidad de su nombre, tras haber pasado por la agrupación Animales Blancos, se ancla en su sencillo de apertura: T-rex. Es, en efecto, la historia de un animal que se pierde su manada y se descubre como un ser único con historias propias para contar; el disco transita la intimidad de un dolor palpitante y la cotidianidad en la que este espécimen solitario se mueve. // Por Daniela Chavarro#29. Hecho en Medellín - BlessdStiven Mesa Londoño es una de las revelaciones del reggaetón en 2021. Para él fue un año incansable en el que lanzó canciones casi cada semana y completó su primer proyecto discográfico con 10 canciones en las que participaron sus colegas Lyanno, Jamby El Favo, KEVVO, Juanka, Brray, J King, Rudeboyz, Justin Quiles y Lenny Tavárez. Con este disco Blessd abre la puerta a una nueva generación de reggaetoneros paisas que vienen detrás de una marca que ya tiene mucho peso: el perreo hecho en Medellín. // Por Sebastián Peña#28. El eterno retorno - PavloEl álbum debut del antioqueño Pavlo está escrito entre lágrimas y silencios por una tusa de aquellas, y en contra de la fuerza gravitacional del botón de envío. Todos hemos estado allí y, aún así, nadie sabe cómo escapar. El disco se compone de 13 temas: 9 canciones con la estructura tradicional de una canción pop y 4 interludios en los que Pavlo se permite experimentar con nuevos sonidos para generar transiciones entre cuatro “actos” narrativos. Entre ellos se encontrarán desde la más íntima y callada balada pop hasta rabiosas explosiones roqueras con órganos y coros fúnebres, pasando por beats colosales ante los cuáles es imposible no mover la cabeza. // Por Juan Diego Barrera#27. 777: República Independiente del F*cking Goce - LosPetitFellas777 es el proyecto más ambicioso y mejor logrado de la carrera de una banda prolífica, arriesgada, y dispuesta a llevar sus ideas hasta la última consecuencia. Un disco de veintiún canciones, sin temas de relleno, que da cuenta de un arte con algo por decir, por más que muchas personas se atengan a su prejuicio, y que recompensa a quienes se dan la oportunidad de sumergirse en los mares de su música y su universo conceptual para seguir hallando con cada escucha y exploración, nuevas joyas enterradas. La trilogía la conforman A Quemarropa, Buenos días y República Independiente del F*cking Goce. // Por Juan Diego BarreraLean la reseña completa aquí#26. Invencible - Esteban Copete y su Kinteto PacíficoMedia hora, nueve canciones y cinco colaboraciones que engrandecen la riqueza musical del proyecto liderado por el compositor, arreglista, saxofonista y marimbero chocoano Esteban Copete. Las composiciones de este disco son el respaldo necesario para soñar con un mejor mañana, un país en paz y para celebrar la vida a pesar de las adversidades. Hendrix, Dino Manuelle, Kala Kanora, Alexis Play y Yuri Toro son los invitados especiales para este proyecto discográfico. // Por Sebastián Peña#25. Canciones para una casa chiquita - Bella ÁlvarezA través de 12 cortes que duran un poco más de 39 minutos, las Canciones para una casa chiquita se sienten como una descarga de honestidad por parte de la cantautora antioqueña Bella Álvarez. Abarca diferentes etapas, estados de ánimo y hasta climas que lo llevan a ser un disco con muchos niveles, pero que se conectan intensamente con la calidez vocal de Bella. // Por Sebastián Peña#24. Juliana - Juliana VelásquezPara componer sus canciones Juliana Velásquez se ha puesto en la tarea de escuchar, registrar y transformar historias; y de aislar lo universal de las experiencias personales. Su sentido para captar las formas y las emociones del otro está bien afinado tanto para actuar como para componer y lo demuestra en Juliana, un álbum debut de 11 cortes que incluye dos bloques que fueron lanzados como EP individuales, en los que habla de sensaciones que no se pueden describir (Electricidad), de trastornos de alimentación (A la medida) o de la depresión (Cóseme). // Por Fabián Páez LópezLean la reseña completa aquí.#23. Dale - Santiago CruzDale es la octava placa discográfica de Santiago Cruz y, a estas alturas de su carrera, la música del cantautor nacido en Ibagué va más allá de pensar simplemente en sonidos y letras que hablen de situaciones cotidianas o de relaciones de pareja. Hace dos álbumes ya que el cantante ha buscado ir de frente con la libertad que supone el artista, explorar, indagar, adentrarse y sentir al otro lado de la música la vulnerabilidad de él mismo y de los demás. Este álbum contiene 10 canciones y una colaboración con Alejandro Sanz que es la joya de la corona. En Dale, además, Santiago no solo compone las canciones, también se metió al estudio para mezclar y producir los temas junto a Mosty, Juan Pablo Vega. Juan Pablo Isaza y Juan Galeano. // Por Alfred Lord#22. Deja - Bomba EstéreoCuatro años después de publicar su quinto álbum, Ayo, la dupla conformada por Simón Mejía y Li Saumet volvió con un trabajo que recuerda el brío caribeño del clásico Elegancia Tropical. Deja, producido de la mano del guitarrista José Castillo y el percusionista Efrain “Pacho” Cuadrado, está compuesto por cuatro EP de tres canciones que Bomba Estéreo fue revelando durante el año y que representan a los cuatro elementos de la naturaleza: Agua, Aire, Tierra y Fuego. Los primeros dos conformaron un bloque con las canciones más contemplativas y motivacionales en ritmo y texto; le cantan al agua e incluyeron sonidos del paisaje (Ahora). Los segundos aceleraron y se volcaron a la música bailable: en Tierra destaca el afrobeat antinarcisista con la nigeriana Yemi Alade (Conexión Total) y en Fuego la conversión discotequera de la música del cantautor mexicano Leonel García. // Por Fabián Páez López#21. SIBILA - Lucille DupinA través de SIBILA Lucille Dupin pudo gestionar su duelo: ser una sobreviviente ante una tentativa de feminicidio. Es un disco de nueve cortes profundamente conceptual, que bien puede ser, como ella lo define, “una Maestría en la gestión de la ira y la tristeza”. Los sonidos del álbum viajan entre el shoegaze, un poco de rock alternativo, pop, indie, o, como bien lo hemos definido antes: “pop shoegaze brujístico y feminista”. // Por Nick MartínezLean aquí la reseña completa#20. Funkferatu - Noiseferatu & ZabazLo de Noiseferatu y Zabaz no era un junte previsible. Noiseferatu ha vivido su carrera en las sombras, fuera de Medellín y de los focos, incluso cuando estaba afiliado a un colectivo potente como Moebiuz en su racha dorada. Zabaz también ha mantenido un perfil bajo. Tanto en su proyecto como con su grupo La Ciudad Maldita se alejó del tumulto. Sus caminos no se habían cruzado. Pero al escuchar las diez canciones de Funkferatu es evidente que este junte de backpack rap tenía sentido desde antes que sucediera: las pistas de boom bap estilo noventero, con samples que complementan el golpe de las baterías, fueron carreteras sobre las que los rapeos avanzaron flamantes e irreprimibles. // Por Santiago Cembrano#19. Audio descriptivo - Luis7LunesEste es el tercer LP del rapero de Afterclass Records —luego de Ruidos en Hamelin (2015) y El Armador del Sol (2018)—, uno en el que demuestra que es uno de los mejores MC de habla hispana del panorama contemporáneo. En Audio Descriptivo está presente la competición deportiva e implacable que ha definido a Luis, pero también hay momentos novedosos en los que Luis se abre y, con la guardia baja, habla sobre sus padres, sus miedos y sus deseos. Lo que define y eleva al disco es la capacidad de Luis para fluir entre ambos tonos y seguir consolidando una voz propia, que te tira un puño a la cara y luego reflexiona sobre ética, política y religión. Todo esto sin prisa, sin elevar la voz. Busque una canción suya gritando, él lo reta. // Por Santiago CembranoLean la reseña completa aquí#18. NIÑXS ROTXS - MabilandMabiland, que grabó su primer álbum en un estudio casero en el barrio Belén de Medellín (1995, el favorito de Shock en 2018), volvió a lanzar un larga duración este 2021 con más kilometraje encima: más horas de estudio, una larga lista de colaboraciones de por medio, nuevo equipo y aire para hablar de asuntos sociales. NIÑXS ROTOS significó para Mabiland no solo la búsqueda del refinamiento técnico, sino la búsqueda de un punto de equilibrio entre la improvisación, la fluidez y el cuidado en la producción. Es un álbum dividido en dos caras. La primera es como escupir rayes, pegar pedazos de sí mismo y soltar miedo. Y la segunda, que empieza con A la cara, es para armar una fiesta y cabecear fuerte. // Fabián Páez López#17. Paz en La Tierra - Meridian Brothers y el Conjunto Media LunaHombres que sufren por cómo sus teléfonos, con los que hablan con sus jefes corporativos 24/7, les destruyen la vida. Un hombre devorador de tierras ajenas y dispuesto a colonizar otros planetas. La inseguridad en el barrio Teusaquillo en Bogotá (donde “te pueden partir la cara, compay”). Paz en la Tierra es un álbum hecho entre los Meridian Brothers y el Conjunto Media Luna que cuenta estas y más historias a modo de vallenato, cumbia y tropicanibalismo. Un disco con juegos narrativos en el que podemos ver los paisajes del caribe colombiano traslapados en el cemento mugriento e infértil de la capital. // Por Daniela Chavarro TrujilloLean aquí la reseña completa#16. Río Abajo - Diana BurcoEn este álbum Diana Burco da un paso adelante para escribir una nueva historia para las mujeres en la cumbia y el vallenato. A lo largo de las 11 canciones da a conocer su visión de la vida, habla de lo que la hace reír y de lo que la llena de temor, toma riesgos en busca de que su arte sea genuino y crea una sinergia entre la experimentación de los ritmos que la hacen sentir viva. // Por Sebastián Peña#15. Amoral Inmortal - Buha 2030Son 10 canciones, casi 40 minutos de música, en los que se vale desgastarse poniendo etiquetas, sobre todo para los que no le han puesto play y tal vez estén leyendo esta reseña: mucho jazz, mucho rock progresivo, mucha experimentación y a ratos breves pero precisos guiños al bambuco o lo que tengan en sus cabezas como “música andina”. El saxofón siempre adelante atacando a los oídos junto a letras crípticas pero contestarias y, en la segunda línea, un bloque de bajo y batería que son el piso tanto del caos como de la calma. // Por Eduardo Santos GaleanoLean la reseña completa aquí#14. Grita – II - ArmeniaEn este álbum hay toques de vallenato, plancha dramática, muchos riffs de guitarra y, por supuesto, rock muy latino que se entrelaza con letras profundas, fuertes, dolorosas y honestas que dicen mucho del momento actual del mundo. El consumismo, el suicidio, la salud mental,la desigualdad, el abuso de drogas, la desaparición forzosa, el desplazamiento y la violencia policial son temas que se tocan en este disco. // Por Sebastián Peña#13. ZETA ONCE - BabelgamTres hombres habitantes de la localidad de Suba (de Bogotá), una mujer de Ibagué y Felipe Rondón, de Telebit, conforman el cóctel llamado Babelgam, una de las bandas locales que mejor han definido su personalidad por encima del género musical en los últimos años. ZETA ONCE tiene diferentes velocidades y cada canción tiene un estado de ánimo diferente. Se parece al clima de Bogotá o, mejor, el clima de Suba: a veces tranquilo, a veces con mucho ruido y otras veces nostálgico. // Por Sebastián Peña#12. Batea - BejucoBejuco surgió en San Andrés de Tumaco como un laboratorio de investigación para mostrar los sonidos que convergen en la región. Trabajaron durante varios años para encontrar un sonido que los definiera y distinguiera de otras músicas tradicionales y en el camino se apropiaron de ritmos como el afrobeat nigeriano para crear una propuesta que suena actual y diferente, sin perder el componente ancestral de la región. Batea trae 12 canciones y en cada una de ellas se siente cómo se desbordan las posibilidades de la tradición del Pacífico. // Por Paula Ricciulli#11. Mangle Rojo - Varios ArtistasEste álbum hecho entre varias manos está compuesto por ocho canciones: cuatro de ritmos de la costa Pacífica (lado A) y cuatro de la costa Caribe (lado B). Participan maestros de larga trayectoria del folclor colombiano como Los Alegres de Telembí, Inés Granja o Nelda Piña, así como jóvenes intérpretes y compositores. El proyecto de Bánfora Records propone un diálogo de ritmos del Pacífico y el Caribe, en el que conviven formatos tradicionales con sonidos actuales. // Paula Ricciulli#10. Telebit - Caída LibreEl álbum es un resumen de 2 años difíciles y complejos a nivel personal y espiritual de Telebit. Es un retrato de la incertidumbre del 2020 y, de cierta forma, deja ver la sensibilidad con la que está viviendo esta generación, consumida muchas veces por lo efímero. Con este proyecto Daniel, Felipe y Nicolás replantearon lo que significa hacer música y continuar con la banda. // Por Sebastián Peña#9. Mira lo que me hiciste hacer - Diamante EléctricoSi bien el Diamante Eléctrico ya tiene en su mochila tres Latin Grammy y el reconocimiento de la industria por la pulcritud de sus discos anteriores, esta es la primera vez que se siente en que el proyecto se conecta con un público masivo en el país. El disco tuvo cuatro nominaciones al Latin Grammy y, aunque eso es puro adorno, sus canciones son, más que nunca, para cantar a todo pulmón; para sentirse ciudadano colombiano. Curiosamente, cuando acudieron a letras menos universales, y se ajustaron más a nuestro tiempo y espacio, abarcaron más emociones. A veces y Suéltame Bogotá son temas para guardar en las playlist y repetir una y otra vez. // Por Sebastián Peña#8. Inter Shibuya La Mafia - FEIDSalomón Villada, nombre de nacimiento del Ferxxo, o, mejor dicho, de FEID, logró que el mundo pusiera los ojos sobre un álbum más paisa que decir “nea” o “mor” en cada oración. FEID es la nueva cara visible del reggaetón de Medellín y, hoy por hoy, su música es la puerta de entrada a los proyectos nacidos en los barrios y agrupados por la industria bajo la etiqueta “urbano”. // Por Sebastián Peña#7. Aranjuez - AlcolirykozPor culpa de la pandemia, Gambeta, Kaztro y Fazeta, se tenían guardado este álbum, el séptimo en su historial, desde 2020, año en el que soltaron varias de sus canciones. Aranjuez es un título significativo para los ninjazz no solo porque lleva el nombre de la comuna de Medellín en la que nacieron, crecieron y en la que todavía viven, sino porque representa el eje su obra y su carrera: vivencial, cruda, crítica, guapachosa y de pa’ arriba. Sus letras y sampleos describen la vida de barrio con precisión quirúrgica y por eso el público ha llenado cada tarima en la que lo han presentado. // Por Fabián Páez López#6. Almas conectadas - Quantic y Nidia GóngoraHace años que el productor británico William Holland, mejor conocido como Quantic, se enredó en las múltiples ramas de la música tradicional latinoamericana. Ha publicado discos de salsa, bossa nova, cumbia y fue una de las cabezas detrás del proyecto Ondatrópica (junto a Frente Cumbiero y Michi Sarmiento). Pues, bien, su nuevo experimento fue gestado desde su estudio en Brooklyn con la maestra y cantora del Pacífico colombiano, Nidia Góngora (Canalón de Timbiquí, La Pacifican Power). Tiene son, tiene salsa, tiene violines y sabor pacífico. Almas Conectadas, dice Nidia, se refiere también “a la interrelación de las energías cósmicas, el aura y la forma en que se manifiestan desde lo abstracto; somos más que cuerpo y carne, y hay innumerables elementos que nos conectan como seres que interactúan en el universo”. Un disco para bailar y para inflar el pecho. // Fabián Páez López#5. Ancestras - Petrona MartínezManuel García-Orozco, más conocido como Chaco, le preguntó a Petrona Martínez cuál era su mayor sueño musical. “La reina”, de 82 años, respondió: hacer una rueda de bullerengue como la de mis ancestras. Y eso hicieron. Ancestras es un disco que busca a esas colegas en toda la música afrodiaspórica y en disciplinas como la escritura o las artes plásticas. La rueda de bullerengue que compone el universo de este disco es la de una sola fiesta que busca servir de documento y de punto de encuentro entre mujeres afro que son las ancestras del futuro en sus diferentes regiones y géneros. // Por Juan Diego BarreraLean la reseña completa aquí#4. Bailando Bailando - Lucio FeuilletBailando Bailando (tercera producción del pastuso Lucio Feuillet) bien podría ser un dispositivo sofisticado para viajar por el espacio-tiempo, o un hechizo mágico capaz de teletransportar a otros mundos, a otras historias, a otros ritmos. En una canción caminas entre la fría niebla, sobre una carretera que circunda a la Laguna de la Cocha. A lo lejos, en la profundidad del bosque, suenan arpegios de guitarra y las voces de grandes maestros que reflexionan sobre la tradición y el territorio. En otros momentos, la música se transforma en Son sureño o en La Guaneña, y te percatas de que ya no estás en el bosque, sino que has sido transportado al corazón de Pasto, durante el Festival de Negros y Blancos en un 6 de enero soleado. // Por Juan Diego BarreraLean la reseña completa aquí#3. Verdor - N HardemDecía N. Hardem en entrevista para la HJCK que el proceso de creación de Verdor le permitió olvidarse de la presión por la atención y entregarse al proceso y a cada rincón de su música. Se desvió de lo hecho en sus anteriores trabajos (Lo Que Me Eleva, Cine Negro y Tambor) y se volvió más instintivo. Y con esa frescura en la cabeza, el rapero bogotano (uno de los invitados a la franja Shock Presenta de 2021) organizó en 13 temas un encuentro con su propia voz y su propio pasado, se desprendió del concepto “real” del rapero y abrazó una realidad más personal y familiar que le permitió jugar con el lenguaje y la estructura en una de las grandes obras del rap colombiano de los últimos tiempos. Además, la lista de invitados es puro lujo: Edson Velandia, Briela Ojeda, Lianna, Pablo Watusi y Gambeta. // Fabián Páez López#2. Voy pa’ allá - Semblanzas del Río GuapiVoy Pa’ allá es el primer álbum de Semblanzas del Río Guapi, agrupación nacida en 2011 y ganadora del Festival Petronio Álvarez en 2014 y 2015. De la mano del sello Discos Pacífico (Llorona Records e Iván Benavides) armaron este álbum que, si bien estéticamente se puede decir que refina la producción de ritmos tradicionales como la juga bambuqueada, los bambucos viejos, el patacoré, los currulaos o los cantos de boga, hay que sumarle que no le canta a la tradición como vestigio, sino que habla desde el orgullo, la dignidad y la fuerza combativa como una forma de habitar el espacio. Habla, en clave de folclor Pacífico y casi que a modo documental, del presente, de la necesidad de paz, de los festivales de música afro y de trascender. // Por Fabián Páez López#1. Templo Komodo - Briela OjedaBriela Ojeda, que nació en Inglaterra, creció en Pasto y ahora vive en Bogotá, es diseñadora industrial y por eso Templo Komodo, su primer álbum, está pensado desde el diseño de experiencias. El inicio y el final del disco se encuentran en un loop. Desde la portada se presenta como una fábula en bucle, un círculo en el que se superponen y se cruzan diferentes planos y las moralejas atraviesan cada uno de ellos. En ocho cortes Briela preparó un brebaje oscuro y guapachoso, dibujó un universo fantasioso inspirado en el viaje onírico y recreó el sonido de los pájaros del Valle del Cocora y el humo fantasmático del galeras. Discazo. // Por Fabián Páez LópezLean la reseña completa aquíBonusLo que (se) fue - Julio VictoriaAl álbum de Julio Victoria, grabado en vivo durante la franja Shock Presenta en el Teatro Mayor, lo dejamos fuera de concurso y lo incluímos como bonus porque lleva nuestro nombre en el logo, pero sin duda es uno de los lanzamientos para enmarcar que nos dejó este año. Fue una pieza minuciosa que recoge la experiencia teatral y revive la tensión, ensimismamiento y la adrenalina del acto en vivo. Sin duda, una de las obras más memorables de electrónica colombiana.Lean la reseña completa aquí.
Tuvieron que pasar cinco años y once meses para que Manuel Medrano estrenara su segundo larga duración, un disco muy esperado por los seguidores que capturó en 2015 con su álbum debut homónimo y que lo catapultó como uno de los cantautores más prometedores de América Latina.Por Sebastián Peña | @SebasNewsMuchos han visto el lanzamiento de Eterno como el gran regreso de Manuel Medrano, pero la verdad es que nunca se fue.A su primera era musical, con la que ganó los premios Shock y Latin Grammy a Mejor álbum cantautor & Mejor Nuevo Artista, le sacó el jugo por mucho tiempo con conciertos, videos musicales y remixes.Luego, cuando creyó que ya tenía todo listo para un nuevo álbum, se dio la oportunidad de trabajar con otros músicos y explorar sonoridades con las que nunca había trabajado. De ahí el público pudo escuchar los temas Buena, Mi Otra Mitad y Cielo con Nile Rodgers, canciones que no hacen parte de su nuevo álbum, pero que sirvieron para que Medrano se diera cuenta de la necesidad de reconocerse como un artista de discos.Este proyecto fue grabado y producido entre 2020 y 2021 en los estudios de El Desierto en México y El Altar en Colombia, dos lugares especiales para Manuel Medrano que se identifica como un amante de la montaña. Estos lugares de grabación están apartados del estrés que generan las ciudades capitales, tienen una magia especial para desenchufarse del mundo y conectarse con la esencia de la creación de música.El disco abre con el tema Tengo que llegar a tiempo y, de cierta forma, es la forma ideal para que Medrano les diga a todos los que reconocen su apellido con la música “estoy aquí con una nueva recarga de honestidad y arte”.Son 12 canciones que tienen su propio universo, pero que están profundamente conectadas con la interpretación de Medrano, su forma de componer, su manera de ver el amor y las relaciones.Además, es una declaración del profundo amor de Medrano por Bogotá, la ciudad en la que vive desde los tres años y el territorio que lo inspiró a convertirse en contador de historias.En Eterno, un nombre que eligió por su conexión con las energías del universo, sus creencias y pensamientos, Medrano deja ver su pasión por los sonidos que convergen en un país como Colombia, territorio donde abunda la herencia africana e indígena y que obtiene una riqueza cultural inmensa por la cordillera de los Andes, la región insular, los mares y extensos ríos.Este disco, que en esencia es rock, tiene tracks en los que el músico nacido en Cartagena hace una interpretación muy personal de géneros que lo han acompañado durante toda su vida como el bambuco, la champeta, el reggae, el bolero, la balada y el pop latino.Para este proyecto trabajó como co-productor de la mano de su amigo Juan Pablo Vega, un disco que tiene pistas dignas de sincronizarse en películas colombianas que se proyecten en pantallas grandes de salas de cine de todo el mundo.Un álbum para escuchar a todo volumen y dejarse llevar por un viaje que se siente "eterno", pero que lamentablemente tiene inicio y final.Lo que sí no tendrá final es el impacto causado por Medrano en la música nacional, sus temas hacen parte del ADN del arte colombiano y su nombre está grabado en la mente de muchas personas por el poder de sus canciones.En video | Manuel Medrano reacciona a lo que se dice de él en Twitter - Shock¡La música nos une!
El colombiano David Alonso (CFMoto) ha hecho historia al conseguir su duodécima victoria de la temporada, la quinta consecutiva, al vencer el Gran Premio de Tailandia de Moto3 en el circuito de Buriram.Alonso suma un total de 12 victorias a lo largo de la temporada, lo que le convierte en el único piloto en la historia del motociclismo en lograr tal cantidad de triunfos en una misma temporada en la categoría más pequeña del campeonato del mundo.Hasta la fecha, el italiano Valentino Rossi detentaba ese récord con once victorias, que igualó David Alonso en Australia para, una semana más tarde, batirlo y establecer un nuevo récord absoluto.La carrera de Moto3 sufrió alteraciones en su programación inicial como consecuencia de la lluvia, pues al no haber rodado en agua los pilotos de la categoría en ninguna sesión, esa situación provocó que se permitiese dar una serie de vueltas a los pilotos para comprobar sensaciones con el asfalto todavía mojado y, además, se recortó la distancia de carrera a escasamente 12 vueltas.Pero a la hora de la verdad prácticamente todos los pilotos salvo el británico Eddie O'Shea (Honda) decidieron salir con neumáticos de seco.Al apagarse el semáforo rojo, el australiano Joel Kelso (KTM), autor de la 'pole position' se puso al comando de la carrera, perseguido por el neerlandés Collin Veijer (Husqvarna), el español Ángel Piqueras (Honda), el japonés Taiyo Furusato (Honda) y el líder y vigente campeón, el colombiano David Alonso (CFMoto), que en apenas una vuelta ya lograron cierta ventaja respecto al resto del grupo principal.Ya en la segunda vuelta la iniciativa fue para Collin Veijer, que tiró con fuerza en ese quinteto inicial, al que intentaba 'engancharse' el español Adrián Fernández (Honda), sabedor que al quedar la carrera reducida a doce vuelta la más mínima distancia podría resultar insalvable, y tras su estela se llevó a Iván Ortolá (KTM), que lograron enlazar con ellos.Con Veijer como líder, el campeón en título David Alonso se comenzó a posicionar en cabeza del grupo cuando en la cuarta vuelta los comisarios de pista comenzaron a ondear la bandera blanca con aspa roja que avisaba de lluvia en algunas zonas de circuito.Esa cuarta vuelta ya tuvo a David Alonso como líder, aunque el australiano Joel Kelso le disputó la posición, como también poco después el japonés Taiyo Furusato, que fue quien pegó el tirón más fuerte, estirando el grupo considerablemente, algo de lo que se apercibió David Alonso, que intentó irse tras su estela para pelear por esa duodécima victoria que le daría el récord absoluto de triunfos en una temporada.Y tras David Alonso fueron el resto de pilotos del grupo de cabeza, mientras Furusato conseguía una ventaja superior a las seis décimas de segundo en cabeza de carrera.En la vuelta ocho David Alonso ya se había 'enganchado' al rebufo de la moto de Furusato, al que superó en la curva de entrada a la recta de meta, si bien el japonés se pegó al colombiano para no perder sus opciones de conseguir la primera victoria de su carrera deportiva.Alonso se mantuvo como líder mientras desde atrás Iván Ortolá fue superando rivales hasta colocarse tras el rebufo del colombiano, mientras que por detrás los dos pilotos del equipo Leopard Honda, los españoles Adrián Fernández y Ángel Piqueras. se iban por los suelos.Así se llegó a la última vuelta, en la que Iván Ortolá superó a David Alonso, pero este le devolvió el adelantamiento casi de inmediato camino de su quinta victoria consecutiva y la duodécima de la temporada, por delante del italiano Luca Lunetta y el neerlandés Collin Veijer, quien en la entrada a la recta de meta golpeó al japonés Taiyo Furusato, que acabó por los suelos.En cualquier caso Furusato acabó en la quinta posición, al atravesar la línea de llegada tanto él como su moto.
Solo basta ver una de las antiguas fábricas tabacaleras del país para darse cuenta que los tiempos han cambiado. Por eso, la antigua fábrica de Coltabaco en Medellín, ahora parte del plan de renovación urbana del Valle de Aburrá, de la constructora Arquitectura y Concreto, fue elegida para celebrar el décimo aniversario de IQOS, un producto que busca acabar con los cigarrillos.Cuando lo que se hacía en un lugar desaparece, pero el espacio permanece, es inevitable pensar en el ayer; muchas veces estos lugares existen para recordarnos el pasado, y para no volver a él.Se cumplen 10 años de la llegada de IQOS y de continuar avanzando en la construcción de un futuro libre de humo en el que los cigarrillos queden en el pasado y se conviertan en piezas de exhibición para museos y galerías de arte. Por eso, para celebrar el décimo aniversario de IQOS y su impacto en los adultos fumadores que le dijeron adiós al cigarrillo, IQOS tomó la emblemática fábrica de Coltabaco en Medellín, donde varios años atrás se producían cigarrillos, para transformarla en un espacio que respiraba creatividad, innovación y arte, en vez de humo.En la antigua Fábrica de Coltabaco, hoy espacio de renovación para el proyecto “Veranova Park”, se llevó a cabo una exposición de arte junto a los reconocidos artistas, Alejandro de Narváez y Sergio Mantilla, en la que se eligieron obras emblemáticas que mejor representarán el paso del tiempo. ¿Con qué propósito? Con el fin evidenciar la transformación que se está viviendo, dejando atrás el cigarrillo para llegar a un futuro libre de humo. Por esto, cobró tal relevancia esta fábrica, pues permitió resignificar un espacio en donde antes se hacían cigarrillos, ahora se celebró el décimo aniversario de IQOS, un dispositivo de calentamiento de tabaco que vino a revolucionar esta industria en el mundo y que ha permitido que muchos fumadores adultos, se cambien a una alternativa a fumar y dejen el cigarrillo atrás.Por esta razón, IQOS ILUMA llega a inicios de este año a Colombia, ofreciendo una satisfacción comparable a la de fumar, pero sin producir humo y haciendo que hoy ya sean más de 30.8 millones de usuarios IQOS en el mundo, que han dejado el cigarrillo atrás y se han cambiado a esta alternativa a fumar.Si usted es un adulto fumador y está buscando dejar atrás el cigarrillo y cambiarlo por una mejor opción es momento de unirse a la celebración de la marca, haciendo la compra de IQOS ILUMA con un precio especial o si es un usuario actual de IQOS, pero con undispositivo anterior, conozca muy pronto la edición limitada con el artista Steve Aoki, para celebrar estos 10 años, junto al arte y la música. Conozca más ingresando a iqos.com, llamando al #476 o en una de las Tiendas IQOS a nivel nacional.*Estudios demuestran que la satisfacción de aquellos que se cambiaron completamente a IQOS es comparable con la de aquellos que continuaron fumando cigarrillos. Fuente: Estudios clínicos realizados por 3 meses en Estados Unidos con 160 adultos fumadores en condiciones reales.+Fuente: Estimaciones PMI, paneles de usuario y IQOS estudios de Mercado PMI a Julio 2024. Usuarios de dispositivos para calentar PMI para quienes las unidades de tabaco para calentar PMI representan una parte de su consumo diario de tabaco durante los últimos 7 días.Este producto no es libre de riesgo y entrega nicotina que es adictiva. Solo para uso de adultos fumadores. Antes de usar el producto, por favor consulte las instrucciones y contraindicaciones de uso.Patrocinado por Coltabaco S.A.S.
El japonés Ai Ogura (Boscoscuro) seguro que buscará ser profeta en su tierra para ganar el Gran Premio de Japón de Moto2 en el circuito 'Twin Ring Motegi', en el que el colombiano de origen español David Alonso (CFMoto) podría proclamarse matemáticamente campeón del mundo de Moto3.Ogura es cada vez más líder de Moto2 merced al 'bajón deportivo' de quien hasta ahora era su rival más directo y peligroso, su propio compañero de equipo, el español Sergio García Dols, que en las cinco últimas carreras apenas ha sumado seis puntos frente a los 66 de su oponente.Tras los dos ceros consecutivos de García Dols en Emilia Romaña e Indonesia, seguro que el español buscará resarcirse con un buen resultado, aunque el circuito japonés no sea el mejor escenario posible para conseguirlo, pues por tradición los pilotos japoneses suelen ser muy efectivos y hasta 'agresivos' en su pilotaje en la carrera 'de casa'.Muy distinta es la situación en Moto3, en donde David Alonso podría proclamarse matemáticamente campeón del mundo y, para ello, sólo necesita que el español Daniel Holgado (Gas Gas) no sume tres puntos más que él, mientras él consigue cinco puntos más que el español Iván Ortolá (KTM) y siete más que el neerlandés Collin Veijer (Husqvarna).En resumen, a David Alonso le bastaría con conseguir su décima victoria de la temporada para proclamarse campeón del mundo, independientemente del resultado que consigan sus rivales, salvo si Veijer es segundo, en cuyo caso le faltarían dos puntos para ser campeón matemático de la categoría.Bien es cierto que en Moto3, las nueve victorias que acumula el colombiano dicen mucho de su rendimiento deportivo, pero con opciones de victoria también se encuentran pilotos como los españoles Iván Ortolá, Daniel Holgado, David Muñoz (KTM), Adrián Fernández (Honda), Ángel Piqueras (Honda), o José Antonio Rueda (KTM).Además de ellos, Collin Veijer seguro que buscará algún triunfo más en la categoría antes de dar el salto a Moto2, sin olvidarnos de los japoneses Taiyo Furusato (Honda), Ryusei Yamanaka (KTM) o Tatsuki Suzuki (Husqvarna), que por el hecho de 'jugar en casa', seguro que intentarán dar la sorpresa e imponerse a todos sus rivales de turno.En esas mismas 'cábalas', por lo visto en anteriores grandes premios, habría que incluir a los australianos Joel Kelso (KTM) y Jacob Roulstone (Gas Gas), o a los italianos Luca Lunetta (Honda), Stefano Nepa (KTM) o Matteo Bertelle (Honda).
Shakira, lanzó “Soltera”, una canción popera con influencias de afrobeats.La canción generó, desde antes de su lanzamiento, gran expectativa en las redes sociales tras la grabación del video en LIV en Miami, con cameos de Winnie Harlow, Anitta, Danna Paola y Lele Pons. El nuevo sencillo llegó poco después de las 3 nominaciones de Shakira a los Latin GRAMMY de la semana pasada, en las categorías de Álbum del Año por Las Mujeres Ya No Lloran, Canción del Año por "Entre Paréntesis", y Mejor Interpretación de Música Electrónica Latina por “Bzrp Music Sessions, Vol. 53 (Remix de Tiësto)..En noviembre Shakira iniciará su gira norteamericana "Las Mujeres Ya No Lloran World Tour", cuyas entradas ya están agotadas.La primera etapa de la gira comenzará el 2 de noviembre en Palm Desert, CA, e incluirá paradas en Los Ángeles, Miami, Toronto, Brooklyn, Chicago, entre otras. Su más reciente álbum, Las Mujeres Ya No Lloran, recibió debutó en el puesto #1 en las listas de Latin Album y Latin Pop Album de Billboard, y fue certificado 7x platino en las primeras 24 horas de su lanzamiento, con más de 10 mil millones de streams en todas las plataformas de audio y video, convirtiéndose en el álbum más reproducido del año. ¿Quiénes son las mujeres que aparecen en el video de Shakira?Winnie Harlow: Es una modelo canadiense-jamaiquina que ha revolucionado la industria de la moda. Su nombre real es Chantelle Brown-Young, y se hizo famosa por su condición de vitíligo, una enfermedad de la piel que causa la despigmentación en ciertas áreas del cuerpo.Annita: Su nombre real es Larissa de Macedo Machado, es una cantante, compositora, actriz, bailarina y productora brasileña. Ha colaborado con artistas como Maluma, J Balvin, Becky G, Cardi B, Natti Natasha, etc.Danna Paola: Danna Paola Rivera Munguía, conocida simplemente como Danna Paola, es una cantante, compositora y actriz mexicana.Desde muy pequeña demostró su pasión por el mundo del espectáculo, iniciando su carrera en la actuación y luego incursionando en la música.Lele Pons: Eleanor Pons Maronese, es una influencer, cantante, actriz y personalidad de las redes sociales venezolana-estadounidense. Se hizo famosa a través de la plataforma Vine, donde compartía videos cortos de comedia y sincronización de labios.**Lean acá: La historia detrás de la canción ‘Día de enero’ de Shakira
Dos días después de publicar un video que muestra una gran frustración por la reacción del público ante su renuencia a respaldar a un candidato presidencial, Chappell Roan canceló su aparición en el festival All Things Go este fin de semana, en Nueva York el sábado y en Washington, DC el domingo."Pido disculpas a las personas que han estado esperando verme en Nueva York y DC este fin de semana en All Things Go, pero no puedo actuar", escribió en una publicación en redes sociales. "Las cosas se han vuelto abrumadoras en las últimas semanas y realmente lo estoy sintiendo", agregó. “Siento presión para priorizar muchas cosas en este momento y necesito unos días para priorizar mi salud. Quiero estar presente cuando actúo y dar los mejores espectáculos posibles. Gracias por entender. Vuelvo pronto xox.”Roan ha hablado a menudo de las dificultades para afrontar la fama a medida que su fama ha aumentado drásticamente en los últimos meses, particularmente en lo que respecta a los acosadores y las demandas de los fans. "Necesito que respondas preguntan, solo responde mis preguntas por un segundo: si vieras a una mujer al azar en la calle, ¿le gritarías desde la ventanilla de tu auto? ¿La acosarías en público? ¿Te acercarías a una dama al azar y le dirías: '¿Puedo tomarme una foto contigo?' y ella dice: 'No, ¿qué carajo?' y luego te enojarías con esta dama al azar?", dijo la cantante. "¿Te ofenderías si ella te dijera que no a tu tiempo porque tiene su propio tiempo? ¿Acosarías a su familia? ¿La seguirías? ¿Intentarías analizar su vida e intimidarla en línea? Esta es una persona que no conoces y ella no te conoce en absoluto. ¿Asumirías que ella es una buena persona, asumirías que es una mala persona? ¿Asumirías que todo lo que lees en línea sobre ella es cierto? Soy una perra al azar, eres una perra al azar. Piensa en eso por un segundo, ¿de acuerdo?", finalizó.Las presiones crecieron con su álbum debut, “The Rise and Fall of a Midwest Princess”, que fue lanzado hace casi un año, su presentación VMAs y su nominación a los Grammys como 'Mejor Nueva Artista'Sin embargo, las presiones de una fama tan repentina han sido abrumadoras para la artista. En el mismo video agregó: “Cuando estoy en el escenario, cuando estoy actuando, cuando estoy vestida de mujer, cuando estoy en un evento de trabajo, cuando estoy haciendo prensa… estoy en el trabajo. Cualquier otra circunstancia, no estoy en modo trabajo. Estoy fichado. No estoy de acuerdo con la idea de que debo un intercambio mutuo de energía, tiempo o atención a personas que no conozco, en las que no confío o que me asustan, sólo porque expresan admiración”.
