El público de la música pop siempre ha exigido héroes e íconos. Quizá más que en cualquier otro género. Sin embargo, Solána Imani Rowe, conocida como SZA, es de un tipo diferente de estrella e ícono pop.Su música se trata de algo mucho más intenso que las simples y fácilmente digeribles canciones de ruptura al estilo Miley Cyrus o Taylor Swift.Su sonido rescata el fatalismo, el exceso, la rabia y el odio del hip-hop de los 80 y 90, así como recupera la idea del amor hacia sí mismo del movimiento “Black is Beautiful” de los 60 en una versión que expresa la importancia de la apreciación tanto de la cultura como de la propia identidad.La historia de SZASolána Imani Rowe creció en un hogar musulmán ortodoxo de clase media-alta en los suburbios de New Jersey.Su infancia no solo fue diversa por este tipo de conformaciones sociales y culturales —podía seguir a líderes religiosos como Elijah Muhammad, pensar al estilo de Malcolm X, soñar con Martin Luther King Jr. e impacientarse por ver mayor estabilidad en la economía—, sino que además fue compleja.A Solána le resultaba difícil encajar y seguir los flujos sociales que el sistema diseña para que las personas (y las mujeres en particular) circulen con una sonrisa mientras la precariedad se expande en todo el planeta.En la época de colegio, por ejemplo, fue acosada después del 11 de septiembre por llevar su hiyab.Eso le mostró, por primera vez, que las diferencias culturales y raciales son consideradas una amenaza y un delito en la Norteamérica democrática.Situaciones como esta le permitieron crear sus propias ideas sobre cómo (sobre)vivir en un país como Estados Unidos.¿Por qué se hace llamar SZA? Un primer acto de afirmación de su identidad como mujer negra y musulmana fue la construcción de su nombre artístico, SZA, el cual tomó del Alfabeto Supremo de la Nación del Islam: “Sovereign Zig-Zag Allah” o “Savior Zig-Zag Allah”.Lo que siguió a este proceso de identificación con el mundo musulmán fue la autoedición y el lanzamiento de los EP SEE·SZA·RUN (2012); S (2013); y Z (2014), material que llamó la atención de la prensa especializada y de un grupo de nuevos seguidores, y que le permitió unirse a la compañía discográfica independiente Top Dawg Entertainment (TDE), sello que contaba dentro de sus filas con artistas como Kendrick Lamar y Jay Rock.CtrlSu álbum debut, Ctrl, lanzado en junio del 2017, la situó a la vanguardia del R&B contemporáneo.El disco combina la expresividad del soul clásico con una atmósfera cargada de sintetizadores sombríos, una voz ronca pero dulce, ráfagas radiantes de percusión y energizantes dosis de guitarra que se acompañan con poderosas líneas de bajo.Ctrl refleja dos cosas.Primero, la idea de que el control es una ilusión, pero como sugiere el eco de la voz de la madre de SZA al principio de Supermodel (“Ese es mi mayor miedo / Si perdiera el control / O no tuviera el control / Las cosas simplemente, ya sabes / Yo sería fatal”) y al final de la canción Something (“Y si es una ilusión no quiero despertar / voy a aferrarme a ello / Porque la alternativa es un abismo, es sólo un agujero, una oscuridad, una nada / ¿Quién quiere eso?”), existe cierto poder y tranquilidad al aferrarse a la ilusión, incluso, cuando la reconocemos como tal.Lo que sale a relucir en este álbum es la contradicción que existe entre ser la “dueña” de la narrativa de la propia vida (“eres libre”, “todo lo que quieras lo puedes lograr”) y la recuperación del control de la vida cuando se está dispuesta a renunciar a esas tristes y banales ideas de que somos dueños de nuestro propio destino (solo hay ciertas cosas que controlamos).El mensaje es claro: debemos jugar con lo que existe para poder interpretar el papel que nos permite competir en el show de talentos.Pero, por supuesto, esto no implica que se piense que las cosas están bien tal como están, sino que la oportunidad de transformar las cosas solo existe dentro de lo que brinda el sistema.El segundo punto que expone SZA en el disco es el viaje que realiza hacia la búsqueda del amor propio y la aceptación. En la canción Supermodel, por ejemplo, muestra por medio de una carta la ira que siente hacia su novio luego de enterarse que ha sido engañada, para, posteriormente, confesarle su propia traición y, finalmente, exponer su estado de vulnerabilidad y dependencia en la relación.SOSEste vínculo entre el (des)amor, el sexo, la autoprotección, las fantasías de venganza, la lucha contra la inseguridad, la aceptación y el empoderamiento de la belleza negra tienen un aspecto curiosamente existencial que se hace más visible en su segundo álbum, SOS.El disco sostiene un sonido emocionalmente intenso y escabroso, una combinación rítmica que va desde el trap-soul, el lo-fi hasta pasar por el Neo-soul, el grunge y el punk.En la conmovedora y descarnada canción que tiene por nombre el mismo título del álbum, SOS, SZA se propone abandonar una relación conflictiva y dejar atrás los enredos de un supuesto amor seguro; pero primero debe dejar claro lo que piensa y reclamar por todo lo que dio en una transacción amorosa de la cual recibió muy poco.El álbum, en general, esboza los flujos de las emociones, los contrastes que existen en esos momentos de fuerza, determinación, ánimo y que, prontamente, se transforman en tristeza, soledad e inseguridad.Kill Bill, por ejemplo, la tarjeta de presentación del disco, es una balada en la que la artista fantasea con el asesinato de su exnovio para que ninguna otra mujer pueda tenerlo y, aunque, reconoce que es un sueño siniestro no puede dejar de imaginarlo.No obstante, la fantasía de venganza de Kill Bill no proporciona una recompensa emocional real; su narrativa es un grito de puro de dolor y fatalismo que representa la otra cara de la imagen de la mujer que “no siente el engaño”, la que se “recompone rápidamente”, la que se “alegra” con su grupo de amigas simplemente yendo de compras y comiendo enormes cantidades de helado o la que compensa la situación con otro tipo de placeres apósitos.En canciones como Smoking on My Ex Pack, Far, Conceited” y Forgiveless, al igual que en todo el álbum, SZA se enfrenta tanto a sí misma como a sus parejas, evidenciando el cansancio y el desgaste que le producen las relaciones.En ocasiones los sonidos reflejan momentos de paz que se encuentran incrustados en un mundo caótico y vislumbran la inercia en el aparente cambio en la vida de las personas.Sin embargo, no todas las canciones del disco tratan de seguir adelante y dejar atrás sus relaciones pasadas; SZA sigue teniendo la tendencia a tomar decisiones “equivocadas” que pueden no acabar bien para ella (Too Late y F2F) y se cuestiona su valía en algunos casos (Special).La honestidad que evoca el proyecto musical de SZA y la fe depositada en exponer su vulnerabilidad y sus inseguridades como terapia permiten iluminar los rincones más siniestros del yo.Es ahí, en su interior, el lugar oscuro de la ira, donde su auténtico espíritu oculto crece y se alza de forma sólida y hermosa para hacerle frente a sus pesadillas, debilidades e impotenciasPero no para salir a la conquista del “hombre elegido” o para culminar en una especie de trascendencia de todo su destino romántico, sino, justamente, para exponer que no es una mujer unidimensional; una mujer “bendecida” por la seguridad del modelo de empoderamiento que niega la rabia y el sufrimiento femenino y lo sustituye por el júbilo, el entusiasmo y el optimismo emancipador.La música de Solána Imani Rowede no aspira a conquistar al mercado feminista joven (y negro) con emocionantes intentos de construcción de confianza al mejor estilo de los libros de autoayuda. Su propuesta pretende aprender a convivir con esa intimidad siniestra y el escrutinio de sí misma para fortalecer su existencia, los miedos que rigen su vida y, primordialmente, hacerle frente a los silencios que dominan los cuerpos de las mujeres negras.***SZA comparte tarima de Festival Estéreo Picnic con artistas como Phoenix o Hozier. A propósito, les recomendamos leer: Phoenix: ¿qué nos dice la banda sobre el amor, la libertad y la nostalgia?Hozier y las cosas hermosas que nos dejan ver el cielo
Nuestro camino en ROMPE Colombia 2023, el programa de Amazon Music, no para. Esta vez el turno de las audiciones para las semifinales fue para Medellín. Estuvimos en la cervecería 20 Mission a la espera de a qué artista elegirían los jurados para ser el segundo semifinalista en irse a Bogotá.Una vez más la tarima se preparó para recibir a 5 artistas con propuestas innovadoras. Los nombres que buscaron sorprender al jurado con su talento y puesta en escena fueron: Amal, Angel, Oliva, Dnizz y Shonny.Una particularidad de Medellín que nos emocionó, y al público también, fue tener una mayoría de participación femenina en estas audiciones.La artista encargada de encender los micrófonos antes de todo fue Keke Minowa. Semifinalista, por decisión unánime, de Medellín en la edición de ROMPE Colombia 2022. Los sonidos del mundo entraron en su cuerpo y se materializaron en canciones como Agite, que tiene toda la vibra de Río de Janeiro, o Ubalauka, que invita a sentir un poco de la herencia africana.Diego Londoño, Miranda y Maki Váez fueron los jurados que decidieron quién iría a la final en Bogotá. La primera en subirse fue la cantante paisa Deniss Vanessa Zapata Osorio, más conocida como Dnizz. Demostró la experiencia académica en producción musical y canto popular en la presentación de sus tres canciones. Continuó, desde Montería, Amal, una cantautora de 19 años que, además de estar a cargo de la composición de sus canciones, es multiinstrumentista. Interpretó canciones personales sacadas directamente desde su diario.Oliva, nacida y criada en San Andrés, puso la energía al tope con el flow de sus canciones. La cantautora barranquillera Shonny mostró todo su talento con un pop caribeño que complementó su performance teatral en tarima. El turno final fue para Gero Ángel, el único hombre de esta ronda de audiciones, quien dejó atónitos a los jurados con su alcance vocal. Con canciones en inglés y en español Ángel mostró al público de qué va su proyecto de pop con R&B contemporáneo.Después de un tiempo de deliberación, el jurado llegó al resultado final: Ángel fue el artista que demostró tener lo necesario para ser el artista ROMPE 2023.Si quieren saber más de ROMPE Colombia, acá encuentran la información.Pronto podrán ver la final de ROMPE Colombia en el canal de Twitch de Amazon Music. Síganlos aquí. *Contenido patrocinado
Leticia Pellicione comenzó su carrera artística en la actuación, en 2008 tuvo su primer papel como actriz de reparto en 'High School Musical on Stage. En 2019 emprendió su camino musical y, junto al productor español PIEK, lanzó su primer sencillo 'The One' dándole la bienvenida a Letón Pé, su nombre artístico.Esta artista dominicana sabía desde el bachillerato que la música era lo que la movía. Por eso, dos años después de graduarse, decidió irse a Estados Unidos a estudiar Teatro Musical en Nueva York y, posteriormente, a un conservatorio de música.Su apuesta con su primer sencillo fue clara: traer el Caribe a su música. Con un beat de dembow, ritmos de dancehall y algo de pop Letón Pé logró estar en la lista del Top 10 de Temas Virales en Spotify República Dominicana y en el Top 7 en MTV Dance España.La mezcla de ritmos tropicales con el electro dance la ha llevado a las playlist de varios países y a ser una de las artistas revelación de los últimos años. No sólo por su propuesta musical, si no por el peso que le ha dado al lenguaje visual en su música.En palabras de Latón Pé: ¿cómo comenzó su carrera musical?"Cuando ya estoy viviendo Nueva York acabando lo del conservatorio me percato de la realidad de aquel tiempo, ya esto fue hace 10 años aproximadamente, y pues para una latina, para una caribeña, realmente los roles, las audiciones. no eran nada fácil. Ahora mismo yo creo que las cosas están bastante distintas, pero en ese momento recuerdo que era todo un esquema porque para tu audicionar tú tenías que primero ver en qué audiciones tú podías aplicar bajo ese estereotipo que yo ocupaba.Entonces, de las pocas cosas que yo fui encontrando así a mi disposición fue que en una estaban buscando una cantante para un restaurante dentro de un casino en Queens. Yo no tocaba ningún instrumento ni nada, sólo me presento y me dicen: comienzas la semana que viene.Al empezar a tocar todos los sábados en este lugar yo venía sumergiéndome en lo que era el mundo del jazz y demás. Ya cuando tengo un tiempo trabajando ahí me digo ¡conchale! yo quisiera hacer esto en mi país, porque no era tan común ver la escena de música en vivo. Aquí todavía estaba en un punto donde tú podías disfrutar de un concierto pero no eso de que vayas a un lugar y estén unas personas cantándote un poquito.Duré tres años en esas, yo ya tenía mi quinteto y vivíamos de hacer covers de Astro Gilberto y hasta de Annita y la verdad no me afanaba sacar música propia hasta que me hablan dos personas, me dicen que tienen el instrumental y la letra de una canción, me la muestran, me monto y ya.Ahí inicial no solamente mi viaje como solista, sino también como compositora."Letón Pé estrenó el 08 de septiembre su segundo EP 'Rojo Rubí', una mezcla de merengue, house, pop, reguetón, entre otro. Lo pueden escuchar acá.
En 1988 lo bautizaron como Rakim en honor a una leyenda del rap. Hoy, el rapero, director y estrella del pop conocido como A$AP Rocky (ASAP Rocky), es una de las figuras del cartel de Estéreo Picnic 2022. Esta es la historia de su carrera desde la cuna en Harlem. Por Santiago Cembrano @scembranoHarlem: que el estilo propio siempre brille por lo altoHarlem es el lugar en el que todo el mundo quiere verse fresco, pero no como todo el mundo. Entre los años 20 y 30, un periodo recordado como el Renacimiento de Harlem, cristalizó allí un movimiento cultural y vibrante de literatura, arte y música negros. Al ritmo del jazz, a mediados del siglo XX, estaban los que jugaban dados o números, los que vendían lo prohibido y disfrutaban sus réditos, los hustlers y shakers, la cultura callejera viva con grandes carros y atuendos espectaculares. Vean aquí el cartel del Festival Estéreo Picnic 2022Harlem, tierra de Dapper Dan, el sastre del hip hop que revolucionó la moda urbana con cuero y chinchilla mezclados con Gucci; el hogar del Teatro Apollo y de cientos de memorias de canciones y relatos. Alrededor corría la sangre y se hacía lo que había que hacer para sobrevivir. La premisa se mantuvo constante: que el estilo propio siempre brille por lo alto.La cuna de A$AP Rocky En Harlem, al norte de Manhattan, Nueva York, también nació Rakim Mayers. Era octubre de 1988 y su madre, joven y religiosa del hip hop, lo bautizó como Rakim, aquel MC que un año antes había revolucionado el juego con rimas complejas y un flow frío y sereno en su álbum Paid In Full. Quizás porque su nombre le marcó un destino creció y se hizo rapero. Tal vez por su barrio y toda su historia creció y se apodó Lord Pretty Flacko Jody II, aunque no fue su tierra la que le dio la cara bella de la que no evita presumir. Su hermano mayor fue asesinado. Él, como su padre, estuvo preso por vender droga y por posesión ilegal de armas. Además de hacer canciones, Rakim Mayers es director, productor y modelo. Y tras una carrera que ya se extiende por más de una década y que incluye mixtapes de culto, álbumes aclamados por la crítica y bangers callejeros, el artista hoy conocido como A$AP Rocky se presentará en Colombia por primera vez en el Festival Estéreo Picnic 2022.Para 2011, la historia del rap de Harlem ya era rica. Mase, Herb McGruff, Big L y, sobre todo, Dipset —con Cam’Ron como líder— eran la manifestación del hip hop harlemita, con rimas tan desenfadadas y burlonas como violentas y contundentes; y, claro, siempre chorreando estilo en cada prenda. Y qué decir del rap de Nueva York: por algo es la Meca. Sin embargo, para 2011 el Sur de Estados Unidos era la región que más fuerza tenía en el hip hop: ciudades como Houston, Memphis, Atlanta y Nueva Orleans eran polos de innovación y desarrollo para la cultura, las que marcaban su ritmo con sonidos que no descendían del boombap neoyorquino clásico noventero. Es más, para 2011 no era clara cuál era la importancia de la geografía y el lugar de enunciación en el rap: internet y sus blogs, redes sociales y comunicación ilimitada e inmediata debilitaron las fronteras y las distancias. Lo que antes estaba a miles de kilómetros ya estaba a solo un clic.LIVE.LOVE.A$APEse era el telón de fondo, y el fondo de la sopa, cuando en 2011 A$AP Rocky decidió dejar de mover sustancias y saltó al ruedo con LIVE.LOVE.A$AP, su mixtape debut. Los sencillos Peso y Purple Swag sintetizan la pregunta principal del disco: ¿qué significa hacer “rap neoyorquino” en la era de la información, con miles de influencias a la mano? La respuesta es una conversación virtual entre Harlem y Houston que se aleja de la ortodoxia del boom bap para favorecer los 808 y la onda chopped and screwed y que aun así logra sacar bombas callejeras. Los beats —la mayoría cortesía de Clams Casino— son adormilados y avanzan lento aunque con energía, se sienten como una nube, una cargada de rayos. Las letras exhiben una moral descreída: mujeres, compraventas ilícitas, pasarla bien mientras el mundo arde. El flow despreocupado y perezoso, no se apresura nunca. La certeza absoluta es que él es hermoso y su gusto, exquisito. Era la época del swag: Rocky lo tenía por toneladas.LONG.LIVE.A$APNo se puede hablar de Rocky sin hablar de A$AP Yams, la cabeza del colectivo A$AP Mob. Yams para Rocky era como Diddy para Biggie: el que lo ayudó a formar su sonido, a encontrar un balance entre las calles y los rankings, el que lo hizo una super estrella en un mercado como Nueva York, luego de años de sequía comercial en la ciudad. El sonido y la identidad que forjaron Rocky y Yams estaba patente en el primer mixtape y se expresaron con mayor claridad ante un público más grande con LONG.LIVE.A$AP (2013), su major label debut. Se mantuvieron constantes la atmósfera nubosa, los rapeos jactanciosos que celebraban su estilo de vida, la conversación entre Harlem y Houston vía internet y las progresiones que mostraban un gusto ecléctico y un olfato atrevido para la creación de canciones. A esto le sumó una intención comercial pop más clara, colaboradores de la talla de Drake, Kendrick Lamar y Skrillex y una facilidad para sonar cómodo en cualquier situación. En los sencillos Goldie, Fuckin’ Problems, Wild for the night y Fashion Killa —todos distintos, todos exitosos— brilla la maleabilidad que lo confirmó como una estrella pop. También fue evidente que lo suyo no eran las letras profundas sino toda la experiencia completa; las vibras y la energía de su música, si se quiere.AT.LONG.LAST.A$APA$AP Yams murió en enero de 2015. En mayo de ese año salió AT.LONG.LAST.A$AP, que por momentos se siente como una despedida (aun si Yams estuvo involucrado en casi todo el proceso del álbum), o como una transición hacia la madurez artística que deja atrás la piel del primer disco. Producido ejecutivamente por Yams y Danger Mouse, A.L.L.A es enorme y espiritual, con una producción progresiva y amplia que invita a dejarse ir y flotar en un viaje lisérgico góspel. La inseguridad o la falta de rumbo nunca fueron problemas para Rocky, pero en este trabajo se siente más dueño de su talento y sus ideas. Colabora con influencias como Bun B y Juicy J, por un lado, y Mos Def, por el otro. Kanye, Lil’ Wayne y Future dicen presentes. Joe Fox, un músico que tocaba en Londres a cambio de monedas hasta que Rocky lo conoció y lo invitó a trabajar juntos, aparece varias veces. La mejor versión de Rocky es la curatorial, la que equilibra influencias de distintas áreas con distintas marcas de ropa con distintas experiencias de vida y las cubre con una capa de extravagancia y otra de visión 20/20 que marca el rumbo. LPJF2, Everyday y LSD muestran este espectro, sin necesidad de intentos tan comerciales como en el disco anterior, aun si la misoginia casual se mantiene. A.L.L.A es el mejor disco de A$AP Rocky.TestingTesting (2018) es el disco más reciente de Rocky. Es el primero sin Yams, y se nota: está lleno de preguntas, de exploraciones sónicas, de ruido y búsqueda. La ruptura es su columna vertebral. Y esto se sabe desde el título, que anuncia este rumbo beta en el que Rocky se mueve rápido y rompe cosas a su paso. Si en Harlem todo el mundo quiere verso fresco, pero no como todo el mundo, Testing es la expresión de cómo Rocky se desmarca de la corriente principal del rap y el pop de finales de la década pasada. Más experimental que nunca, quizás buscando un nuevo rumbo sin Yams como guía, Rocky no entrega un resultado final sino deja apreciar el proceso. Por eso es un disco interesante. Por eso también suena como algo que no estaba preparado para salir a la luz pública. Los invitados, eso sí, se mantienen de lujo: Frank Ocean, Skepta, FKA Twigs, Mobi, Kid Cudi, T.I. y más. Canciones como A$AP Forever y Praise The Lord capturan el poder de la intuición de Rocky como brújula, aun si el disco flaquea más de lo deseable cuando esa intuición trastabilla para encontrar el norte.Esta es la historia y la carrera del artista que tomará el escenario principal de Estéreo Picnic el 27 de marzo a las 8:45 P.M. No es el que mejor rapea, y ya pasaron varios años desde su último momento musical relevante. Pero lo que lo hará un show imperdible será lo mismo que cautivó al público una década atrás cuando estaba empezando: sus instintos y su creatividad, su frescura y su estilo, su búsqueda y el mundo que ha construido. Y la certeza de que nadie combina todo eso como él.
Desde que llegó a nuestras Apuestas 2020, Combo Chimbita se ha mantenido como una de las propuestas más intrigantes de la nueva música colombiana.“Una exploración y una combinación de ritmos del Caribe, de Latinoamérica, de África y de Estados Unidos, en donde principalmente el soul y el afro-beat, se fusionan con sonidos más electrónicos; fusión de texturas y de sonidos contemporáneos; re-imaginación de nuestra identidad desde una perspectiva migrante; una banda psicodélica; un concepto que se resume como futurismo tropical y que implica una reconexión con las raíces dándoles nuevos matices y reinterpretaciones”, así se describe esta agrupación.IRÉ es el nombre de su tercera producción. La trascendencia afrocaribeña, los cánticos desconcertantes, los tambores en auge y la distorsión psicodélica sientan las bases rítmicas de IRÉ, un testimonio del alcance cada vez mayor de la paleta sónica de Combo Chimbita y sus modos de resistencia en los reinos tanto espiritual como terrestre, según describe un comunicado de prensa.El disco fue grabado en Arecibo, Puerto Rico. "Estuvimos allá en una casa frente al mar por un mes, sin ninguna idea de lo que iba a salir, pero con ganas de hacer algo diferente", nos cuenta Carolina Olivero, vocalista de la agrupación.Para Combo Chimbita, cada uno de sus discos es como la pieza de un rompecabezas que también conforma una historia mayor. "Los discos cuentan una sola historia y cada disco es un pedacito", dicen sus integrantes. IRÉ es un disco más "claro" y "luminoso" que sus trabajos anteriores. "Los otros discos tienen un toque más oscuro, sin decir que sean depresivos o algo así. Este, por el contexto en el que se hizo, intencionalmente tiene un color un poquito más claro, más de luz"."Es un álbum con más optimismo, porque es el contexto de la humanidad en que vivimos. Obviamente el arte que hacemos nace de la realidad. Como artista, es lindo cuando logras hacer algo que conecte con lo que está sucediendo y haga que la gente sienta un alivio. Este disco tiene tonos más esperanza, que es lo que necesitamos en momentos de caos".Combo Chimbita, representado por Carolina, nos desmenuzó su nuevo disco canción por canción:OyaEsta canción está inspirada en un músico que se llama Polibio Mayorga, ecuatoriano, que transfirió melodías indígenas al sintetizador. Oya es una deidad afrocubana, representa el viento y la tormenta.En esta canción primero surgió la parte instrumental y no sabíamos a dónde iba a ir. No teníamos ninguna letra, pero fue "a ver para dónde me lleva”. Fue un proceso de sentir hacia dónde navegaba la canción, como un ritual y sentir cómo iba apareciendo.BabalawoSignifica “el padrte de los secretos". Es una figura de la cultura yoruba y tiene una influencia de la rara, un estilo musical de Haití.Cuando uno empieza a escudriñar cosas con los tambores, se le empiezan a revelar muchas cosas: los sueños son un medio de revelación infalible, pero la gente no lo toma en serio.La canción tambén es una conversación que tuve con un babalawo (sacerdote yoruba). La letra es la descripción real de una consulta con un babalawo. Me fuiEl primer tema que creamos. Me parece que refleja la alegría que sentíamos al estar en un lugar tan bonito. Fue algo que hicimos para soltar la imaginación. Hay muchas cosas que se hacen intencionales, otras se dan en el momento. Esa canción fue el comienzo creativo.MemoriaUsamos un "sample" de una cumbia de una biblioteca de samples. Siempre habíamos querido hacer una canción con un sample. La canción era cumbia, pero yo tenía la idea de un bolero.La relación que tengo con el bolero es bien intensa porque me lleva a mi infancia Mi abuelo es la razón por la que hoy canto y el me cantaba boleros.Empecé a meterme en crear un bolero. Narra justo cuando mi abuelo murió, pero no quise hacerlo tan directo. Me gusta que la letra sea más libre e interpretatriva.Arranca como un bolero, pasa por la sicodelia hasta una cumbia sonidera.La perlaEs un sector en San Juan, ver la música tradicional en Puerto Rico fue un enriquecedor. El álbum tiene diferentes ingredientes: uno de ellos es compartir un llamado a disfrutar, a gozar, a bailar. No todas las canciones son introspectivas, hay espacios prara eso. Queríamos una canción para la gozadera.Desde hace rato queríamos hacer algo bien energético, alegre y que fuera para la gente, como ”juemadre de acabó el COVID-19”.Sin tiempoPrimera vez que el Combo Chimbita hace una canción así, por eso me parece muy especial, fue la última que escribí. Fue un reto personal porque uno siempre se va por una corriente.Yo pensaba en las canciones que cantaba mi mamá de Rocío Durcal, una vibra así, pero con el estilo Combo Chimbita, más moderno. Como una balada gótica cumbiambera.Yo me lo merezcoYo hago música pa'l que quiera, pero también pa' mí. Es una canción escrita de mí para mí misma para abrazar y para reafirmar que como sociedad nos merecemos muchas cosas: poder salir en libertad sin tener miedo a ser atacada, por ejemplo.Esta canción es todo eso, nos merecemos una sociedad diferente, muchos cambios, pensar en un futuro y un presente positivos.IndiferenciaEsta canción también es parte de una tanda de una potencia tropical, una especie de rocksteady. Con respecto a la letra, queríamos decir que lo que más mata es la indiferencia: matan a alguien y lo primero que haces es sacar el celular y grabar.Cuando uno está en esta área del arte, todo el mundo está en una competencia grande por "likes". Si tienes tantos likes te ponen en un pedestal: tu arte está valorizado por eso.De frenteYo quería hacer como un merengue “ripiao”. Tenía una idea de melodía y cada quien le fue poniendo lo suyo. A mí me gusta Banda Real, un grupo de merengue típico. Habíamos dicho que queríamos una canción así, muy sencilla. Es como una canción de “tiradera”, como “háblame de frente”, muy ”tigresa”.Lo que es mío, es míoEl reggaetón del disco. Fue una de las primeras canciones que salió en Puerto Rico, el reggaetón se respira allá. Queríamos comunicar esa frescura, esa alegría, la vibra caribeña que es sanadora y, viniendo de la ciudad, te impregna.Una canción que no nos tomamos muy en serio. Nos atrevimos a arriesgarnos y componer desde otro lugar. Ese “beat” es de reggaetón pero forma parte del Caribe, es un ritmo de otras músicas también.Es una letra más relajada y sin tanta cabeza, hacemos lo que nos da la gana. El mensaje es que podemos hacer lo que queramos pero siempre vamos a ser nosotros.Mujer jaguarEl jaguar aparecde en todos los discos del Combo Chimbita porque es una guía espiritual, estamos siempre tratando de conectar con la ancestralidad, y en todos los discos hay al menos una mención al jaguar.El jaguar representa el balance: es muy importante en las espiritualidades ancestrales, por eso siempre lo tenemos en cuenta.Cuando la escribimos estaba ocurriendo lo de las manifestaciones en Cali y yo sentía que esta canción me llevaba a un estado de lucha, como de" vamos a la calle y nos vamos a manifestar sin miedo".Es una canción que no quería decir nada explícito más que una carga energ´etica muy fuerte. Jugué con onomatopeyas para darle un sentido más de dinámica en la voz. Es un grito de guerra.Todos SantosEsta y Mujer Jaguar nacieron en la realización de un video. Este video se realizó en Cali a comienzos de agosto, llegamos a Cali en agosto en medio de todo esto.Fue hecho por La ruta, un grupo de gente joven que hace trabajo audiovisual en Cali, fue especial haber podido hacer parte. Era un momento en donde no todo el mundo quería exponerse y meterse en esta cuestión creativa porque socialmente todo estaba muy caótico.Lo bonito de la experiencia fue colaborar con gente que quería hacer algo y plasmar todo esto que estaba pasando. Para nosotros realmente fue una bendición empalmar nuestras ideas musicales con lo audiovisual.
A punta de malabares, Laura Stangl coronó un 2021 equilibrando su vida personal, su carrera musical y su etapa final como estudiante de medicina. La disciplina ha sido vital para sacar todo a flote, pero es consciente de que cada movimiento que hace la ayuda a acercarse a las metas que se trazó.Conozca todas las Apuestas Musicales Shock del 2022Laura es caleña y, aunque muchos creen que Stangl es parte de un nombre artístico, lo cierto es que es el apellido de su padre de origen alemán. Inicialmente, su pasión era el deporte. Debía guardar mucho reposo en casa y durante ese tiempo decidió enfocar su energía en una guitarra que encontró en el sótano. Una vez conoció el instrumento empezó a preguntarse sobre la forma de crear acordes, escribir letras y tener curiosidad por el camino que artistas como Shakira han tenido que recorrer para llegar al reconocimiento público.Su primera composición se dio en la niñez con el tema Más grande que el sol, una canción que a ella no le gusta, pero que su mamá adora y que, con suerte, podría estar incluida en una futura producción musical.En la adolescencia estuvo muy influenciada por el pop colombiano, mexicano y alemán. También era adicta a ver conciertos en YouTube para vivir desde la pantalla de su computador la euforia de los actos en vivo.Laura Stangl y la medicinaA la par de la música creció en ella el gusto por la medicina, carrera que eligió para estudiar una vez salió del colegio. Escogió la Universidad para profesionalizarse como médico pensando en dividir el tiempo entre sus dos pasiones. Mantener un equilibrio entre las dos profesiones no ha sido fácil y ella lo resume con gracia diciendo: "Me siento como Hannah Montana: de día médico y de noche músico".Antes de lanzar su carrera profesionalmente publicó videos hablando de su vida y covers de canciones, contenidos que la llevaron a ganar seguidores en Internet. El equipo Con el productor musical Otto Orjuela como coequipero creativo estrenó entre 2020 y 2021 tres sencillos: Casa en la montaña, Segunda parte y Cuento de hadas. Temas que tienen en común el sonido que Laura ha construido y que tendrá su clímax absoluto con el lanzamiento de su primer álbum.Dato curioso: estos temas fueron los que interpretó en su primer show oficial en el salón de conciertos Sutton de Bogotá.Este año planea visitar las ciudades que más la escuchan de acuerdo a información arrojada por sus métricas de plataformas digitales.Tanda de preguntas con Laura Stangl.Relate la historia de su carrera como si fuera un cuento para niños.Había una vez una niña de Cali que encontró una guitarra vieja en el sótano de la casa y pensó "¿será que puedo hacer una canción?" y se dio cuenta que solo necesitaba cuatro acordes y un poquito de imaginación. Diez años después esa niña decidió sacar su primera canción y tuvo suerte de encontrar una comunidad de personas que le gustó, que conectó con la letra y hoy en día hace lo que más ama. Parece mentira.¿Cuál sería el cartel del festival de sus sueños?Es una mezcla un poco rara, pero sería así:ShakiraEminemCarlos VivesMachine Gun KellyColdplayOne RepublicCalle 13Frank SinatraThe ChainsmokersAvicii¿Cuál es el personaje de una serie que mejor describe su personalidad?Sería Phil de Modern Family o Luke un poquito. Una mezcla entre los dos porque me encanta ayudar a las personas, hacerlos reír y también soy un poco despistada.¿Cuál es la serie o película que mejor describe su salud mental en este momento?Tal vez Son Como Niños de Adam Sandler o la primera de El paseo porque estoy feliz contenta, tranquila.¿Qué actriz le gustaría que la interpretara en una película sobre su vida?Esa es fácil, serían Natalie Portman o Blake Lively. Me han dicho que me parezco mucho a Natalie y, pues, es Natalie Portman y obviamente sería una gran película.¿Cuál es el videojuego al que más tiempo le has dedicado?Hay dos: el primero la serie de juegos de Assassin's Creed porque tiene mucha historia y seguramente no todo es históricamente correcto, pero me encanta. El otro es Call Of Duty porque soy adicta a él y ahora que hay versión del celular es peor, además descubrí cómo conectar un control al celular... ya se imaginarán todas las horas que le invierto a ese juego.Playlist oficial de la música favorita de Laura Stangl en Amazon Music¡La música nos une!
Kalinchis. Así le decía su abuela a Karla: Kalinchis. Y a esa palabra volvió ella a la hora de elegir un nombre artístico. La adaptó un poco y así salió Kei Linch, ocho letras que guardan su historia familiar, su lucha y el destino que ella ha construido un peldaño a la vez en forma de rap y de música. Estas son las 12 Apuestas musicales Shock 2022.Son ocho letras que fungen como escudo frente a los golpes que la vida sigue propinándola. Ocho letras desde las que no se deja tumbar, se encuentra a sí misma y encuentra la única forma de expresar lo que lleva dentro y le duele.El dolor está tan presente en la vida de Kei Linch como el aire que respira, o como su pelo rojo y azul que representa la resistencia y la melancolía. Creció en Madrid, Cundinamarca, con oportunidades limitadas. Para su familia, la música no era una salida válida. Ella incluso llegó a creérselo. Pero cuando conoció el rap y sintió la libertad que le traía, que en un beat cabía todo lo que le inquietaba, que cada rima se acomodaba para expresar lo que ella no había podido hasta entonces plasmar en palabras, se enamoró y no lo soltó más. En resumen: frente al miedo, el rap le permite decir lo que se le da la gana como se le da la gana.Eso es lo que ha hecho la artista de 20 años también conocida como Anarkía. De escuchar a raperos como Canserbero y absorber su fuerza pasó a hacer Red & Blue Sad Doll EP, su debut. Y de ahí se impulsó para vencer su miedo de que no era capaz de hacer música: se coronó campeona de Caciques, un torneo de rap, y llegó a la final del Factor X, experiencia que describe como lo más difícil que ha hecho en su vida. El dolor continúa: hace unos meses su abuela, la que le decía Kalinchis, su segunda mamá, murió. Se ha dedicado desde entonces a explorar sus emociones, su tristeza, para plasmarlas en la música. Pero el dolor ya no es lo único: también ha intentado no hacer música solo desde la tristeza, sino lograr ser cada vez mejor, que sus experiencias la impulsen y no la amarren.Canciones como De la esquina al cielo, Bendita, No sé si tú, Diabla y Parchao sintetizan el estilo de Kei Linch. Cuando rapea su voz es profunda y gruesa, como un susurro del averno. Cuando canta, entona melodías que cargan toda su pasión. Habla de desamores, de cómo el rap le salvó la vida e incluso celebra y se va de fiesta. Puede expresarse sobre rap tradicional, sobre samples de boleros que le recuerdan a la música que sonaba en su casa y sobre dembows. No duda: se considera rapera, lo que venga después es abrir su horizonte, pero no olvida cuál fue la música en la que empezó, con la que se encontró. Kei Linch afirma que en sus temas no hay personajes, son sus vivencias y las de nadie más. Rapea con la esperanza de que haya otros que se sientan como ella y encuentren refugio en su música. Hace canciones que le habría gustado escuchar cuando pasaba por malos ratos y no sabía a qué aferrarse. Con esa convicción su proyecto ha ido creciendo.Para el 2022, la mujer que se define en Dominatrix como pa’l ñero ya muy gomela y pa’l gomelo ya muy ñera tiene preparado material de sobra. Ha escuchado que su 2021 fue activo, pero ella lo sintió pausado. Ahora sí va a pisar el acelerador al fondo. Viene un EP en honor a su abuela en el que el duelo se hace canción, colaboraciones con artistas nacionales e internacionales y varios sencillos. Sobre todo, viene Kei Linch con la determinación que logró desde que afrontó que quiere vivir de la música, que el miedo no la puede detener, que si le mete todo el amor posible a su música, lo va a recibir de vuelta.Kei Linch cuenta su histora - Versión para niñosEso está bien raro porque nunca me contaron cuentos. A ver, había una vez una niña que vivía en un barrio difícil y tenía opciones reducidas. Cuando ella estaba en casa, todo el tiempo escuchaba música, se ponía al lado de su grabadora y sacaba las palabras que sentía que rimaban para escribir sus propios poemas. Escuchaba un montón de música de planchar, boleros, rock, salsa. Pero cuando salía a parchar lo que sonaba era rap. Eso fue lo que realmente la enamoró. Empezó a escucharlo, a estudiarlo, a entenderlo. Y ese amor al proceso, más toda esa montaña de adversidades que estaba viviendo, convirtió al rap en su terapia. Le metía muchísimo amor, todos los días escribía, todos los días se probaba ella misma puliendo cositas para lo que le esperaba. Y aunque tenía a su entorno y a ella misma en contra, tenía muy buenos panas que siempre estuvieron apoyándola. Gracias a eso logró pulirlo todo hasta llegar al punto de enfrentarse al reto más grande de su vida, que fue estar en un reality musical haciendo lo que realmente le gustaba. Logró enseñar todo lo bonito que tiene el rap. Ahorita está haciendo mucha música. Está feliz viviendo de su música. La moraleja es que siempre hay que seguir los sueños, por más difíciles que sean. Siempre ponerse la 10. Siempre pensar en lo que trae felicidad. La historia continuará.El festival de sus sueños?Tocaría revivir a muchos. Estarían Amy Winehouse, Guns N’ Roses, Michael Jackson, 2Pac, Jay-Z, Janis Joplin, obviamente Canserbero, Kase.O, Original Juan, Kraken, Proyecto Uno, Vico C, Los Panchos. Sería algo bien variado.El personaje de una serie que mejor la describeTony, el protagonista de Afterlife. Me siento muy identificada con la personalidad del man. Por el momento, por cómo se ve la vida después de una pérdida. Uno se da cuenta de que el mundo no es tan malo. Estoy en ese proceso. Puedo vivir lo suficiente para hostigar al mundo o puedo vivir lo suficiente para valorar y disfrutar las pequeñas cosas.La actriz que le gustaría que la interpretara en una película sobre su vidaMe tramaría que fuera Elliot Paige. Es tremendo. Me gusta la gente que es ella misma, que se siente libre con lo que es.Su videojuego favoritoYo soy poco de videojuegos, pero me marcó The King of Fighters. Siempre me escogía al flaquito del peinado rojo.
Kasbeel nació, creció y estudió toda la vida en Buenaventura, pero Internet llevó su proyecto a diferentes lugares del mundo. La viralidad ayudó a que mucha gente empezara a conocer su proyecto artístico, con el que ha soñado desde pequeña y por el que lleva trabajando varios años.Conozca todas las Apuestas Musicales Shock del 2022Su registro de nacimiento dice que se llama Flore Verónica Riascos, un nombre femenino que le pusieron en 1998, pero ella quiere algo diferente. Inicialmente, quería encontrar uno que abreviara su nombre con el de su mamá Lucero y fusionarlo con el anime.Un ángel que representaba la libertadEn esa búsqueda de una palabra unisex que no representara un género recordó una historia que su bisabuela le contó sobre el Libro de Enoch (uno de los textos que fue excluido de la biblia por algunas religiones como la católica y la cristiana). La historia que le contaron es que Kasbeel era un ángel que representaba la libertad.Durante el colegio, tuvo varios encuentros con sus compañeros producto del matoneo. Todo aquello que la hace diferente se ve reflejado en lo que ha proyectado hasta ahora como Kasbeel en su música. Especialmente, en un sencillo destellante lanzado en 2021 Yo Soy Dios, elegido por Shock como una de las canciones colombianas del año.En la época estudiantil conectó con mucha música, pero recuerda con mucha añoranza el hecho de que se veía inspirada por Eminem y Residente en su etapa de Calle 13. Sin embargo, pensaba que no podría ser nunca como ellos por el hecho de ser mujer, imaginario que ha ido desapareciendo a medida que apareció Kasbeel.Monólogos, poesía y teatralidadEn 2018 Riascos debutó en plataformas digitales contando historias, haciendo monólogos, recitando poemas y respondiendo preguntas de las personas que conectaron con ella en redes sociales. Uno de sus videos más populares de esa etapa ‘youtuber’ fue la publicación de Don José, una canción fuerte que revela la historia de una violación a una mujer por parte de un vecino acosador. El tema fue inspirado en sucesos personales y cercanos al círculo de Kasbeel.Dos años después de que Don José fuera viral, Kasbeel publicó la versión oficial en plataformas digitales haciendo del tema su sencillo debut. La cantante, que estaba acostumbrada al control absoluto de su proyecto, fue contactada por varios productores musicales y, revisando sus mensajes directos, leyó uno del caleño Sammy El Comandante.Sammy, junto con el músico Colombo, viajaron a Buenaventura, conocieron en persona a Kasbeel y la guiaron para hacer la producción musical de sus primeras canciones. En ese momento la bonaverense se dio cuenta de que sí o sí necesitaba un equipo de trabajo como ese para materializar en música el arte que tenía en su mente.Kasbeel está en la recta final de su licenciatura de arte dramático de la Universidad del Valle, sede Buenaventura. Durante su carrera ha contado con el respaldo de muchas personas. De hecho, en el video oficial de Yo Soy Dios la mayoría de los participantes son compañeros suyos de la licenciatura y quienes aportaron su talento para ese trabajo visual.Otra BuenaventuraSer bonaverense y seguir viviendo en Buenaventura ha significado para Kasbeel cargar con un peso cultural. Se le encasilla como una artista de música folclórica o tropical, pero ella quiere demostrar que el municipio puede ofrecer nuevas propuestas que para algunos se consideren alternativas.Durante este tiempo ha notado el interés de muchas personas sobre su proyecto, ha sido entrevistada en medios nacionales, pero ha contado con el respaldo de muchas personas afuera de Colombia y hasta tiene NFTs ligados a sus obras musicales. Es una promesa de Buenaventura y espera que el impacto que pueda causar con sus lanzamientos ayude a que la gente de su municipio tenga más herramientas y apoyo al momento de hacer exploraciones artísticas.La historia de Kasbeel contada por ella mismaHabía una vez una mariposa que vivía encerrada en una jaula. Esa mariposa tenía muchos sueños, pero aunque tenía muy pocas oportunidades para poder realizarlos siempre insistió para cumplirlo. Aunque no tenía las herramientas para salir de la jaula siguió luchando hasta que pudiese salir de ella. Poco a poco adquirió la forma para salir de ahí, pero se fue dando cuenta que en lugar de escapar esa jaula comenzó a ser parte de su vida, de su identidad y de lo que la definía.La jaula la enseñó a ser más fuerte y hoy en día entre ella y la jaula están construyendo un mejor futuro.La actriz que la interpretaría en una película sobre su vidaLupita N’yongo, porque la conocí en 12 años de esclavitud y he sentido una conexión con ella. Es difícil de describir, pero yo la quiero y la admiro mucho.¿Qué serie describe su salud mental en este momento?Hace rato no veo muchas series, pero diría que Osamu Dazai de Bungo Stray Dogs. Es un man que todo el tiempo está pensando en que se quiere matar.Su videojuego favoritoMe gustaba Sims, pero es más difícil jugarlo ahorita. También Plantas Vs Zombies.Esta es la playlist oficial de los gustos musicales de Kasbeel en Amazon Music¡La música nos une!
En 2021, la banda Buha 2030 nos sorprendió con su primer disco Amoral Inmortal, uno de nuestros favoritos del año. El disco consta de 10 canciones en las que convergen jazz, rock progresivo, experimentación y hasta música andina.Estas son las 12 Apuestas musicales Shock 2022“Nos gusta mucho la música andina, campesina, indígena, con eso crecimos, y a pesar de que Buha parezca un extraterrestre, tiene esa marca de la cordillera (de Los Andes)”, nos cuentan.Buha 2030 es resultado del encuentro de 4 amigos. El sonido de la banda no se construyó premeditadamente, según nos cuentan. Aunque venían haciendo música desde 2018, fue Amoral Inmortal el trabajo que puso la atención en ellos. “El balance que hacemos de Amoral Inmortal es super lindo, pese a que hubo una organización y unas estrategias la acogida fue orgánica, lo hicimos sin el apoyo de una agregadora, y los medios empezaron a interesarse una vez lo lanzamos. La acogida que tuvo el álbum superó nuestras expectativas y nos llenó de más ganas de seguir”.Para 2022, Buha 2030 tiene canciones consolidadas que espera lanzar en este primer semestre del año. Para el segundo semestre esperan seguir tocando y lanzar su segundo trabajo”.BUHA 2030 cuentan su historia - Versión para niñosHabía una vez unos muchachos un poquito tristes, raritos, marginales, que les dolía el corazoncito y decidieron irse a divagar. En eso llegó un cuarto compañerito y en la “divagada” nacieron canciones raritas que le gustaron mucho al público bogotanito que también es adolorido. Continuará…El cartel del festival de sus sueñosSusana Baca, Trencito de los andes, Omar Rodríguez López, Trío Los Brillantes, Dúo Benítez, Acoustic Ladyland, Kilapayun, Camila Moreno. Briela Ojeda, Lucio Feuillet, Bambarabanda, Andrés Guerrero, Inti-Illimani.El personaje de una serie que los representaGabriela: Yo no veo series. Solo Instagram. Pero de películas, en la adolescencia me identificaba con el personaje de Melancolía de Lars von Trier.Camilo: de la película Addiction, de Abel Ferrara.El actor que les gustaría que los interpretara en una película sobre su vidaGabriela: Charlotte Gainsbourg. Su videojuego favoritoCamilo: Donkey Kong en Super NintendoGabriela: Super Mario.
Nacida en Bogotá, Ana Sanz es cantante y compositora, con una propuesta en la que convergen el shoegaze, dreampop, el indie, y el pop-rock latinoamericano. A sus 20 años, ha sabido destacarse dentro de las propuestas independientes gracias a sencillos como Sigo o Sin ver atrás.Estas son las 12 Apuestas musicales Shock 2022“Desde chiquita empecé a hacer música. Mi mamá me metió a clases de piano porque era su sueño frustrado. Me obsesioné con seguir experimentando con otros instrumentos y llegué a la guitarra y me encantó, por lo que pensé “tengo que seguir explorando", y me pasé a la composición. Llevo como 2 años componiendo en forma”, nos cuenta.Desde hace varios meses está trabajando con el productor Juan Antonio Toro (Armenia), con quien se encuentra componiendo las canciones de un próximo trabajo. Siempre me encantó el rock, nos pusimos a hacer cosas más rockeras y explorar fusión de géneros como pop, funk, electrónica". Para 2022, Ana planea lanzar 2 EP basados en una teoría que ha sido constante en su vida. “Yo siempre he percibido a las personas por colores. “Esta persona es morada”, algo así. Hace unos años empecé a clasificar a las personas entre naranja y azul, algo así como los hemisferios del cerebro: el azul un poco más imaginativo y el naranja más realista. Son 2 colores que me han perseguido”.Ana Sanz cuenta su historia - Versión para niñosTodo empieza cuando conozco un amigo. Ha sido emocionante, a veces abrumador, y asusta un poco darse cuenta de lo que estás sintiendo y ponerlo en una canción. Entregué mi vulnerabilidad más grande porque van a escuchar algo muy personal, pero uno entiende que todos se sienten diferentes, pero son experiencias cercanas a la de uno. No soy tan buena hablando y lo puedo hacer con la música, encontrar esa terapia fue lo mejor.El cartel del festival de sus sueñosDuplat, Las yumbeñas, Soda Stéreo o Cerati. Armenia, Aterciopelados Zoe, Angele, Cage the Elephant, Margarita siempre viva, Paul McCartney, Quemarlo todo por error, Charly Garcia, Bebe.Un personaje de una serie que la representaAunque no me identifico, hay un personaje por el que siento mucha empatía: Bojack Horseman, es como muy guardado en sus emociones, tal vez por eso me identifico con él. También Bruno de Encanto.La actriz la interpretaría en una película de su vidaEmma Stone. Me parece una actriz sorprendente.Su videojuego favoritoCreo que Wii Sports, con mi hermana.
El colombiano David Alonso (CFMoto) ha hecho historia al conseguir su duodécima victoria de la temporada, la quinta consecutiva, al vencer el Gran Premio de Tailandia de Moto3 en el circuito de Buriram.Alonso suma un total de 12 victorias a lo largo de la temporada, lo que le convierte en el único piloto en la historia del motociclismo en lograr tal cantidad de triunfos en una misma temporada en la categoría más pequeña del campeonato del mundo.Hasta la fecha, el italiano Valentino Rossi detentaba ese récord con once victorias, que igualó David Alonso en Australia para, una semana más tarde, batirlo y establecer un nuevo récord absoluto.La carrera de Moto3 sufrió alteraciones en su programación inicial como consecuencia de la lluvia, pues al no haber rodado en agua los pilotos de la categoría en ninguna sesión, esa situación provocó que se permitiese dar una serie de vueltas a los pilotos para comprobar sensaciones con el asfalto todavía mojado y, además, se recortó la distancia de carrera a escasamente 12 vueltas.Pero a la hora de la verdad prácticamente todos los pilotos salvo el británico Eddie O'Shea (Honda) decidieron salir con neumáticos de seco.Al apagarse el semáforo rojo, el australiano Joel Kelso (KTM), autor de la 'pole position' se puso al comando de la carrera, perseguido por el neerlandés Collin Veijer (Husqvarna), el español Ángel Piqueras (Honda), el japonés Taiyo Furusato (Honda) y el líder y vigente campeón, el colombiano David Alonso (CFMoto), que en apenas una vuelta ya lograron cierta ventaja respecto al resto del grupo principal.Ya en la segunda vuelta la iniciativa fue para Collin Veijer, que tiró con fuerza en ese quinteto inicial, al que intentaba 'engancharse' el español Adrián Fernández (Honda), sabedor que al quedar la carrera reducida a doce vuelta la más mínima distancia podría resultar insalvable, y tras su estela se llevó a Iván Ortolá (KTM), que lograron enlazar con ellos.Con Veijer como líder, el campeón en título David Alonso se comenzó a posicionar en cabeza del grupo cuando en la cuarta vuelta los comisarios de pista comenzaron a ondear la bandera blanca con aspa roja que avisaba de lluvia en algunas zonas de circuito.Esa cuarta vuelta ya tuvo a David Alonso como líder, aunque el australiano Joel Kelso le disputó la posición, como también poco después el japonés Taiyo Furusato, que fue quien pegó el tirón más fuerte, estirando el grupo considerablemente, algo de lo que se apercibió David Alonso, que intentó irse tras su estela para pelear por esa duodécima victoria que le daría el récord absoluto de triunfos en una temporada.Y tras David Alonso fueron el resto de pilotos del grupo de cabeza, mientras Furusato conseguía una ventaja superior a las seis décimas de segundo en cabeza de carrera.En la vuelta ocho David Alonso ya se había 'enganchado' al rebufo de la moto de Furusato, al que superó en la curva de entrada a la recta de meta, si bien el japonés se pegó al colombiano para no perder sus opciones de conseguir la primera victoria de su carrera deportiva.Alonso se mantuvo como líder mientras desde atrás Iván Ortolá fue superando rivales hasta colocarse tras el rebufo del colombiano, mientras que por detrás los dos pilotos del equipo Leopard Honda, los españoles Adrián Fernández y Ángel Piqueras. se iban por los suelos.Así se llegó a la última vuelta, en la que Iván Ortolá superó a David Alonso, pero este le devolvió el adelantamiento casi de inmediato camino de su quinta victoria consecutiva y la duodécima de la temporada, por delante del italiano Luca Lunetta y el neerlandés Collin Veijer, quien en la entrada a la recta de meta golpeó al japonés Taiyo Furusato, que acabó por los suelos.En cualquier caso Furusato acabó en la quinta posición, al atravesar la línea de llegada tanto él como su moto.
Solo basta ver una de las antiguas fábricas tabacaleras del país para darse cuenta que los tiempos han cambiado. Por eso, la antigua fábrica de Coltabaco en Medellín, ahora parte del plan de renovación urbana del Valle de Aburrá, de la constructora Arquitectura y Concreto, fue elegida para celebrar el décimo aniversario de IQOS, un producto que busca acabar con los cigarrillos.Cuando lo que se hacía en un lugar desaparece, pero el espacio permanece, es inevitable pensar en el ayer; muchas veces estos lugares existen para recordarnos el pasado, y para no volver a él.Se cumplen 10 años de la llegada de IQOS y de continuar avanzando en la construcción de un futuro libre de humo en el que los cigarrillos queden en el pasado y se conviertan en piezas de exhibición para museos y galerías de arte. Por eso, para celebrar el décimo aniversario de IQOS y su impacto en los adultos fumadores que le dijeron adiós al cigarrillo, IQOS tomó la emblemática fábrica de Coltabaco en Medellín, donde varios años atrás se producían cigarrillos, para transformarla en un espacio que respiraba creatividad, innovación y arte, en vez de humo.En la antigua Fábrica de Coltabaco, hoy espacio de renovación para el proyecto “Veranova Park”, se llevó a cabo una exposición de arte junto a los reconocidos artistas, Alejandro de Narváez y Sergio Mantilla, en la que se eligieron obras emblemáticas que mejor representarán el paso del tiempo. ¿Con qué propósito? Con el fin evidenciar la transformación que se está viviendo, dejando atrás el cigarrillo para llegar a un futuro libre de humo. Por esto, cobró tal relevancia esta fábrica, pues permitió resignificar un espacio en donde antes se hacían cigarrillos, ahora se celebró el décimo aniversario de IQOS, un dispositivo de calentamiento de tabaco que vino a revolucionar esta industria en el mundo y que ha permitido que muchos fumadores adultos, se cambien a una alternativa a fumar y dejen el cigarrillo atrás.Por esta razón, IQOS ILUMA llega a inicios de este año a Colombia, ofreciendo una satisfacción comparable a la de fumar, pero sin producir humo y haciendo que hoy ya sean más de 30.8 millones de usuarios IQOS en el mundo, que han dejado el cigarrillo atrás y se han cambiado a esta alternativa a fumar.Si usted es un adulto fumador y está buscando dejar atrás el cigarrillo y cambiarlo por una mejor opción es momento de unirse a la celebración de la marca, haciendo la compra de IQOS ILUMA con un precio especial o si es un usuario actual de IQOS, pero con undispositivo anterior, conozca muy pronto la edición limitada con el artista Steve Aoki, para celebrar estos 10 años, junto al arte y la música. Conozca más ingresando a iqos.com, llamando al #476 o en una de las Tiendas IQOS a nivel nacional.*Estudios demuestran que la satisfacción de aquellos que se cambiaron completamente a IQOS es comparable con la de aquellos que continuaron fumando cigarrillos. Fuente: Estudios clínicos realizados por 3 meses en Estados Unidos con 160 adultos fumadores en condiciones reales.+Fuente: Estimaciones PMI, paneles de usuario y IQOS estudios de Mercado PMI a Julio 2024. Usuarios de dispositivos para calentar PMI para quienes las unidades de tabaco para calentar PMI representan una parte de su consumo diario de tabaco durante los últimos 7 días.Este producto no es libre de riesgo y entrega nicotina que es adictiva. Solo para uso de adultos fumadores. Antes de usar el producto, por favor consulte las instrucciones y contraindicaciones de uso.Patrocinado por Coltabaco S.A.S.
El japonés Ai Ogura (Boscoscuro) seguro que buscará ser profeta en su tierra para ganar el Gran Premio de Japón de Moto2 en el circuito 'Twin Ring Motegi', en el que el colombiano de origen español David Alonso (CFMoto) podría proclamarse matemáticamente campeón del mundo de Moto3.Ogura es cada vez más líder de Moto2 merced al 'bajón deportivo' de quien hasta ahora era su rival más directo y peligroso, su propio compañero de equipo, el español Sergio García Dols, que en las cinco últimas carreras apenas ha sumado seis puntos frente a los 66 de su oponente.Tras los dos ceros consecutivos de García Dols en Emilia Romaña e Indonesia, seguro que el español buscará resarcirse con un buen resultado, aunque el circuito japonés no sea el mejor escenario posible para conseguirlo, pues por tradición los pilotos japoneses suelen ser muy efectivos y hasta 'agresivos' en su pilotaje en la carrera 'de casa'.Muy distinta es la situación en Moto3, en donde David Alonso podría proclamarse matemáticamente campeón del mundo y, para ello, sólo necesita que el español Daniel Holgado (Gas Gas) no sume tres puntos más que él, mientras él consigue cinco puntos más que el español Iván Ortolá (KTM) y siete más que el neerlandés Collin Veijer (Husqvarna).En resumen, a David Alonso le bastaría con conseguir su décima victoria de la temporada para proclamarse campeón del mundo, independientemente del resultado que consigan sus rivales, salvo si Veijer es segundo, en cuyo caso le faltarían dos puntos para ser campeón matemático de la categoría.Bien es cierto que en Moto3, las nueve victorias que acumula el colombiano dicen mucho de su rendimiento deportivo, pero con opciones de victoria también se encuentran pilotos como los españoles Iván Ortolá, Daniel Holgado, David Muñoz (KTM), Adrián Fernández (Honda), Ángel Piqueras (Honda), o José Antonio Rueda (KTM).Además de ellos, Collin Veijer seguro que buscará algún triunfo más en la categoría antes de dar el salto a Moto2, sin olvidarnos de los japoneses Taiyo Furusato (Honda), Ryusei Yamanaka (KTM) o Tatsuki Suzuki (Husqvarna), que por el hecho de 'jugar en casa', seguro que intentarán dar la sorpresa e imponerse a todos sus rivales de turno.En esas mismas 'cábalas', por lo visto en anteriores grandes premios, habría que incluir a los australianos Joel Kelso (KTM) y Jacob Roulstone (Gas Gas), o a los italianos Luca Lunetta (Honda), Stefano Nepa (KTM) o Matteo Bertelle (Honda).
Shakira, lanzó “Soltera”, una canción popera con influencias de afrobeats.La canción generó, desde antes de su lanzamiento, gran expectativa en las redes sociales tras la grabación del video en LIV en Miami, con cameos de Winnie Harlow, Anitta, Danna Paola y Lele Pons. El nuevo sencillo llegó poco después de las 3 nominaciones de Shakira a los Latin GRAMMY de la semana pasada, en las categorías de Álbum del Año por Las Mujeres Ya No Lloran, Canción del Año por "Entre Paréntesis", y Mejor Interpretación de Música Electrónica Latina por “Bzrp Music Sessions, Vol. 53 (Remix de Tiësto)..En noviembre Shakira iniciará su gira norteamericana "Las Mujeres Ya No Lloran World Tour", cuyas entradas ya están agotadas.La primera etapa de la gira comenzará el 2 de noviembre en Palm Desert, CA, e incluirá paradas en Los Ángeles, Miami, Toronto, Brooklyn, Chicago, entre otras. Su más reciente álbum, Las Mujeres Ya No Lloran, recibió debutó en el puesto #1 en las listas de Latin Album y Latin Pop Album de Billboard, y fue certificado 7x platino en las primeras 24 horas de su lanzamiento, con más de 10 mil millones de streams en todas las plataformas de audio y video, convirtiéndose en el álbum más reproducido del año. ¿Quiénes son las mujeres que aparecen en el video de Shakira?Winnie Harlow: Es una modelo canadiense-jamaiquina que ha revolucionado la industria de la moda. Su nombre real es Chantelle Brown-Young, y se hizo famosa por su condición de vitíligo, una enfermedad de la piel que causa la despigmentación en ciertas áreas del cuerpo.Annita: Su nombre real es Larissa de Macedo Machado, es una cantante, compositora, actriz, bailarina y productora brasileña. Ha colaborado con artistas como Maluma, J Balvin, Becky G, Cardi B, Natti Natasha, etc.Danna Paola: Danna Paola Rivera Munguía, conocida simplemente como Danna Paola, es una cantante, compositora y actriz mexicana.Desde muy pequeña demostró su pasión por el mundo del espectáculo, iniciando su carrera en la actuación y luego incursionando en la música.Lele Pons: Eleanor Pons Maronese, es una influencer, cantante, actriz y personalidad de las redes sociales venezolana-estadounidense. Se hizo famosa a través de la plataforma Vine, donde compartía videos cortos de comedia y sincronización de labios.**Lean acá: La historia detrás de la canción ‘Día de enero’ de Shakira
Dos días después de publicar un video que muestra una gran frustración por la reacción del público ante su renuencia a respaldar a un candidato presidencial, Chappell Roan canceló su aparición en el festival All Things Go este fin de semana, en Nueva York el sábado y en Washington, DC el domingo."Pido disculpas a las personas que han estado esperando verme en Nueva York y DC este fin de semana en All Things Go, pero no puedo actuar", escribió en una publicación en redes sociales. "Las cosas se han vuelto abrumadoras en las últimas semanas y realmente lo estoy sintiendo", agregó. “Siento presión para priorizar muchas cosas en este momento y necesito unos días para priorizar mi salud. Quiero estar presente cuando actúo y dar los mejores espectáculos posibles. Gracias por entender. Vuelvo pronto xox.”Roan ha hablado a menudo de las dificultades para afrontar la fama a medida que su fama ha aumentado drásticamente en los últimos meses, particularmente en lo que respecta a los acosadores y las demandas de los fans. "Necesito que respondas preguntan, solo responde mis preguntas por un segundo: si vieras a una mujer al azar en la calle, ¿le gritarías desde la ventanilla de tu auto? ¿La acosarías en público? ¿Te acercarías a una dama al azar y le dirías: '¿Puedo tomarme una foto contigo?' y ella dice: 'No, ¿qué carajo?' y luego te enojarías con esta dama al azar?", dijo la cantante. "¿Te ofenderías si ella te dijera que no a tu tiempo porque tiene su propio tiempo? ¿Acosarías a su familia? ¿La seguirías? ¿Intentarías analizar su vida e intimidarla en línea? Esta es una persona que no conoces y ella no te conoce en absoluto. ¿Asumirías que ella es una buena persona, asumirías que es una mala persona? ¿Asumirías que todo lo que lees en línea sobre ella es cierto? Soy una perra al azar, eres una perra al azar. Piensa en eso por un segundo, ¿de acuerdo?", finalizó.Las presiones crecieron con su álbum debut, “The Rise and Fall of a Midwest Princess”, que fue lanzado hace casi un año, su presentación VMAs y su nominación a los Grammys como 'Mejor Nueva Artista'Sin embargo, las presiones de una fama tan repentina han sido abrumadoras para la artista. En el mismo video agregó: “Cuando estoy en el escenario, cuando estoy actuando, cuando estoy vestida de mujer, cuando estoy en un evento de trabajo, cuando estoy haciendo prensa… estoy en el trabajo. Cualquier otra circunstancia, no estoy en modo trabajo. Estoy fichado. No estoy de acuerdo con la idea de que debo un intercambio mutuo de energía, tiempo o atención a personas que no conozco, en las que no confío o que me asustan, sólo porque expresan admiración”.
